*Frenología: Pseudo-ciencia del siglo XVIII según la cual las facultades psíquicas están localizadas en zonas precisas del cerebro y en correspondencia con relieves y forma del cráneo. El examen de estos permitiría reconocer el carácter y aptitudes de la persona.
La explotación de la banda sonora en las películas existe desde los anales del cine, pero fue a partir de los años setenta que esta sub-industria cobró auge y comenzó a brillar con luz propia. El soundtrack dejó de ser un producto secundario del cine y fue aceptado como un valor independiente.
Durante la década de los setenta, y hasta los noventa, hubo películas con bandas sonoras memorables (después, para el nuevo milenio, todo en la cultura popular se fue a la mierda). Muchas veces la película era infame, pero la banda sonora fue genial. Muy pocas tenían material totalmente original o inédito, pero por lo menos casi todas tenían temas contemporáneos. Pequeñas máquinas del tiempo que capturaron el espíritu de una época y que muchas veces no reciben el reconocimiento merecido.
La definición Rock+noRock de un buen Soundtrack es: Aquel que no necesariamente está compuesto por música escrita ex-profeso para la cinta, pero que sí ayuda a definir el filme y darle un carácter particular; aquellos donde la música juegue un papel preponderante.
Sólo consideramos Soundtracks, es decir, las canciones incluidas en alguna parte del filme, en anteposición al así llamado Original Music Score, que es la pista de acompañamiento de la cinta (generalmente instrumental), y que generalmente es buena para arrullarse.
Es importante en este punto recordar esos viejos soundtracks, pues son prácticamente un arte perdido. Después del año 2000 (aprox.) es muy difícil encontrar buenos exponentes, y desde luego, los pocos disponibles, lo son porque contienen música de años pasados. Ante la carencia de una cultura-pop suficientemente vasta, se ha tenido que recurrir al revival.
Yo soy de la idea de que estamos a buen tiempo de ejercer el arte del recuerdo porque, acuérdense de mí, dentro de 10 o 15 años, cuando intentemos recordar los años actuales, lo único que vamos a encontrar será un vano insignificante y confuso de unos años que no le aportaron nada a nadie... a menos que cuenten al reggaetón como aporte, yo diría que mejor nos apegáramos al soundtrack.
Como primera entrada escogí un favorito personal:
Electric Dreams.
Esta película de 1984 (uno de los mejores años en la música), recibió en español el funesto nombre de: “Eddy, la Computadora Enamorada”. En México su proyección fue muy exclusiva, no es que se considerara “Cine de arte”, pero sí se exhibió exclusivamente en cines pulguientos de suelo pegajoso.
Fue una película bastante boba, protagonizada por el Don nadie, Lenny Von Dohlen y Virginia Madsen, quien con los años logró algo de reconocimiento y sobrevivió lo suficiente para convertirse en MILF. La dirigió Steve Barron, excelente director de videos musicales a quien, si en 1984 le hubieran dicho que Electric Dreams sería su momento más fino como cineasta, probablemente se hubiera retirado. Se le conoce mejor por sendo par de churros: Las Tortugas Ninja, la película, y los insufribles Coneheads.
Electric Dreams es una variante rosa de la vieja escuela cyberpunketa de computadoras auto-conscientes convertidas en psicópatas.
Sinopsis: Un torpe arquitecto compra una computadora que cobra vida tras un accidente etílico y en un inesperado giro telenovelero, ambos terminan compitiendo por el amor la la misma mujer. No, sí leyó bien, la PC bajándole la novia al protagonista. Uno pensaría que esto fue demasiado, pero entonces uno recuerda “La Generación de Proteo” (Devil Seed, 1977), donde -una casa inteligente- ataca sexualmente al ama de casa desesperada que la habita. No se puede caer más bajo.
Por lo ya mencionado, si pueden rebajar la racionalidad al mínimo por unos 90 minutos, Electric Dreams es una historia de amor más o menos potable con la que muchos se pueden identificar, y sí, tiene algunas escenas cómicas memorables.
A pesar de todo, “Eddy, la Computadora Enamorada”es importante porque es una semblanza paradigmática de la estética de la época. En Rock+noRock la consideramos como un mini-clásico de culto y una influencia personal muy importante. Además es un tierno ejemplo de inocencia y optimismo ochentero, cuando pensábamos que para el 2010 las computadoras ya estarían resolviendo nuestras vidas, cuando la realidad es que seguimos batallando para que cumplan con lo mínimo que están destinadas a hacer.
Ahora sí, pasamos a la música.
Si cierran los ojos, las vocales profundas y ligeramente roñosas recuerdan a las de Tina Turner (o las de Alejandra Guzmán, ya si quieren ser ojetes). Si esta casi perfecta canción pop hubiera sido de la morena piernuda, habría sido un hit, pero como la desconocida Helen Terry se parece más a John Travolta en Hairspray, bueno... los ochenta no perdonaban la grasa corporal.
Helen Terry- Now You're Mine
Jeff Lynne es un sujeto que por su cuenta no hizo mucho, pero colaboró con varios grandes durante los ochenta. Este video recrea vívidamente el estilo bobalicón de muy a principios de ésa década. Sin mencionar el video, aparentemente dirigido por Viruta y Capulina... ¡terrible!
Jeff Lynne- Video
A continuación, dos de las que probablemente sean dos de las mejores y menos apreciadas canciones de Culture Club.
Dentro de lo malo de la trama y lo absurdo de Electric Dreams, hay que reconocer que tenía algunos detalles que estaban muy adelantados a su tiempo, como este excelente clip a manera de video musical que fue insertado en medio de la película y que ya lo hubiera querido MTV. ¡Genial!.
Culture Club- The Dream
Otro bonito ejemplo de esa filmografía como de video de MTV en la película es esta secuencia, que es un fragmento original no un video individual. Preciosa canción que captura desde el principio y una letra que pide a gritos ser dedicada.
Culture Club- Love is Love
Un himno ochentero de Phil Oakey (de Human League) y el genio Giorgio Moroder. Se trata de un video que bien sirve como trailer. Esta secuencia es la clásica gringada hollywoodense con espíritu uplifting pero, no se puede negar que funciona.
Phil Oakey & Giorgio Moroder- Together in Electric Dreams
Y de postre, una de las más curiosas escenas. "Eddy" coqueteando con la protagonista.
Algunos somos, digamos, verbalmente rústicos cuando de expresar emociones se refiere. Si es su caso, esta sección lo puede sacar de apuros.
Robert Palmer es una especie de Anti- José José. El Príncipe de la Canción es especialista en comunicar el mensaje: “Todas las viejas me han visto la cara de Pe...ñanietista y por eso me tiré a la bebida”. Robert Palmer, a quien no le va mucho mejor puesto que está muerto, ofrecía un mensaje más pro-activo: “Vamos a darle, que la vida es corta” y, dirán lo que quieran, pero el hombre era sabio... o clarividente.
Robert Allen Palmer (1949-2003), es el artista certificado con los más exitosos “Himnos de Arrimón”. Conocido a mediados de los ochenta como uno de los más grandes y elegantes vendedores de Pepsi. Aportó un consistente soundtrack para adictos al sexo, en un tiempo claro, mucho más inocente en el que aún no existía tal concepto de "adicción sexual". También se anotó un par de clásicos del video, presentando indiferentes modelos que, podían haber estado mucho mejor (varias de ellas bizcas... por alguna razón).
Robert Palmer Dice: “¡Te deseo!”
1.- Hágale saber que -arde en deseos de verla-. Sí, se sorprenderá viendo que responde mejor a la cursilería que al argumento y al silogismo.
Robert Palmer- Bad Case of Loving You (Doctor, Doctor).
2.- Mencione que pensar en ella produce fuego en sus pantalones.
Robert Palmer- Simply Irresistible
3.- Si todo lo anterior falla, recurra a la lástima del enfermo.
Robert Palmer- Addicted to Love
Si el estilo cachondo y ligeramente rockabilero de Palmer no los pone como burro en primavera en busca de la alcoba, señores, chéquense porque probablemente estén muertos en vida... o probablemente sean hipsters.
Esta sección tenía el potencial de ser muy interesante pero, por razones ajenas a Rock+noRock, posiblemente ya no lo sea tanto.
El capítulo de Los Simpson de 1995, "La Boda de Lisa", es conocido por haber antcipado varios eventos que terminaron siendo realidad en 2010. El más improbable e hilarante es el que aparece en el póster, arriba a la izquierda.
Todos nos hemos preguntado “¿qué habrá pasado con aquella banda que me gustaba tanto?”. Las elucubraciones se prestan para el morbo: ¿La vocalista acabó de teibolera en un bar de vaqueros en Oklahoma City?, ¿El “liro” murió por sobredosis?, ¿El bataco terminó vendiendo Amway?, ¿El del bajo anda dando lástima en reality shows para celebridades de tercera?... y otras por el estilo.
Desgraciadamente la realidad es mucho menos glamorosa que la especulación. Anteriormente los artistas cumplían un ciclo regular de nacimiento-auge-caída y generalmente acababan sus días con (algo de) dignidad. Ese ciclo ha mutado hacia algo más del tipo: nacimiento-auge-caída-separación porque los miembros ya no se soportan y/o su estilo ya no es popular-reunión porque se les acabó el dinero para pisto y/o drogas y quieren revivir viejas glorias. Esto quiere decir que en los últimos años, un montón de bandas de décadas anteriores se han reunido, como han podido (algunas de ellas con menos del 50% de los integrantes originales) y se han lanzado a giras mundiales para el perenne, aunque segundón, circuito de nostálgicos; siguiendo el ejemplo de Los Rebeldes del Ritmo o Los Hermanos Carrión.
Si preguntan por el paradero de todas esas bandas de los noventa, ochenta y anteriores, de las que no han oído hablar en 15 años, uno fácilmente (y con razón), podría asegurar que se disolvieron hace mucho. Se sorprenderían de saber que actualmente muchas de ellas están en, ejhm, “activo”. De hecho, no es estrictamente relacionado a éste artículo pero, mientras escribo esto alcancé de chiripa el video del nuevo sencillo de Red Hot Chilli Peppers, “The Adventures of Rain Dance Maggie”, la cosa más triste y mediocre que les haya escuchado de por vida. Desde luego los Peppers nunca se separaron, pero son un buen ejemplo de cómo una banda insiste en estar, sólo por estar.
Esto es consecuencia de un grave defecto en la cultura popular de los últimos 10 años y que constantemente mencionamos aquí en Rock+noRock: Es muy evidente que hay un gran hueco en el lugar que antes solía ocupar el Rock. Como el Indie quedó muy lejos de llenar esos zapatos, algunos han visto la oportunidad de repetir una pequeña rebanada del pastel... de la fiesta pasada.
En conclusión, lo que se antojaba como una interesante pregunta con infinitas posibilidades y resultados incendiarios: ¿En dónde quedó -aquella- banda?, termina teniendo la misma aburrida respuesta: “Pues por ahí anda... como perro sin dueño”.
Y a todo esto:
Y... ¿Dónde quedó Garbage?
Garbage fue probablemente una de las 5 bandas o artistas más consistentes como hacedores de hits durante los noventa; sin embargo hoy día son sub-apreciados y poco recordados. Por alguna razón que escapa a mi entender, los fanáticos se alinearon con bandas contemporáneas como Smashing Pumpkins, Radiohead, The Cranberries o Björk y dejaron desarropado a Garbage, que actualmente tiene muy poco movimiento en redes sociales. Ni siquiera tiene una página de Facebook o un grupo en Last.fm de fans nacionales.
Una cosa que he de admirarle a Garbage, es que su música ha envejecido muy bien. Es de las muy pocas bandas noventeras que puedo escuchar sin que empiece a sentir artritis y otros síntomas de envejecimiento.
Garbage es fundamentalmente: La voz y reina del minivestido, Shirley Manson, y Butch Vig, quien por si mismo ayudó a definir los noventa siendo productor de varios álbumes emblemáticos como Nevermind (Nirvana), Gish y Siamese Dream (Smashing Pumpkins), entre otros y por supuesto, todos los de Garbage.
Ahora, uno pensaría que el sonido de Garbage fue manufacturado a la medida por el genio Vig, pero en realidad si escuchan a la ex-banda de Shirley Manson, Angelfish, se darán cuenta que ya tenía el sonido Garbage desde mucho antes.
Angelfish- Suffocate Me.
El primer álbum de Garbage, homónimo, de 1995, fue excelente. Ni mandado hacer para mediados de los noventa. El estilo, la imagen y el sonido eran novedosos y embonaba perfectamente en los años post-grunge. Era sexy, sofisticado y travieso, pero también un poco renegado; ¡todo lo que un joven necesita para crecer sano y fuerte!.
Desde luego también tenía su dosis de angustia adolescente y pesimismo, motivos que son perfectamente plasmados en “Only Happy When It Rains”.
Garbage- “Only Happy When It Rains”
Oh sí, recuerdo haberle dedicado -algunas- a Shirley Manson pensando en este video en particular. Shirley Manson era en esa época el arquetipo de novia “alternativa”; muy sexy, sí, pero también podía sacarte un ojo y meterte media Dr. Martens en el trasero si la agarrabas de malas.
Un hecho poco conocido, es que los integrantes de Garbage nunca estuvieron de acuerdo en que se les considerara una banda “alternativa”. No se puede culpar al mundo por esto, después de todo, a mediados de los noventa cualquier cosa con guitarras, ropa raída o mala actitud se le consideraba “alternativa” por default. Los de Garbage hubieran preferido que se les considerara en el estilo Sci-Fi Pop; cosa que evidentemente nunca pegó.
El segundo álbum, “Versión 2.0” (1998), fue menos tirado a lo “alternativo” y más dado al Pop-Rock, pero aún, de escucha muy placentera y con una docena de sencillos que, a mi parecer, no recibieron la atención merecida. La banda decidió darle prioridad a los sencillos más comerciales y no tan interesantes, pero debajo de ellos había un racimo de perfectas canciones pop que prácticamente no alcanzaron a ver la luz, como Temptation Waits, Medication, The Trick is to Keep Breathing, You Look So Fine. ¡Excelente y poco reconocido álbum!.
Garbage- Temptation Waits (Fan Video) .
Entre producciones se dieron tiempo para grabar un par de temas exclusivos para película, #1 Crush, para "Romeo+Juliette" (1996), excelente, y The World is not Enough, de la saga Bond (1999), regularcita.
En 2001 editaron "Beautiful Garbage", no tan brillante como los anteriores y de nuevo, dando un paso más hacia el Pop simple, pero seguía siendo bastante bueno en general; aunque inexplicablemente tuvo muy limitado éxito comercial. Contribuyó seguramente el hecho de que a la Manson le dio en esa etapa por un look alienígena que no le vino nada bien.
Por ello, les dejo otro video del álbum anterior que, desde luego, me hizo dedicarle -otra- a Shirley, con su minivestido y calzones de bolitas... como el de “la patita” que va al mercado.
Garbage- I Think I'm Paranoid.
Lo último que supimos de Garbage fue en 2005, con “Bleed Like Me”. La banda ya daba visos de andar muy desorientada desde el disco anterior. Y es que, verán, el problema de apostarlo todo al Pop, es que se corre un mayor riesgo de terminar haciendo música monótona y ordinaria. Cabe decir, que éste disco de Garbage era bastante Indie, si me permiten el comentario sarcástico: tenía 2 o 3 hits pequeñitos, sin mucho carácter y el resto era para ignorarse. ¡Aunque los videos son de un sensual casi profano!, la mejor Shirley Manson de la historia.
Garbage- Breaking Up The Girl.
Y aquí es donde digo que esta sección podría haber sido mucho mejor. Hubiera sido más interesante comentar que Shirley Manson se convirtió en actriz y que participó en la saga de culto de ciencia ficción: “Terminator: the Sarah Connor Chronicles” haciendo de robot malvado (hecho verídico). Y que Butch Vig se tiro a la depre y no produjo nada desde su años en Garbage (especulación)... pero en vez de ese clímax, el cierre se vuelve muy ordinario.
Sí, Garbage está a punto de lanzar nuevo material, aún sin título, para Octubre. No es que tenga dotes de profeta, pero si nos apegamos a la evidencia, seguramente el disco será una gran decepción, igual que toda esa epidemia de “regresos” lastimeros. La razón es triste pero contundente: los artistas, salvo muy contados casos, también tienen fecha de caducidad.
#1 Crush y los videos más sexies e impopulares de Garbage, Why Do You Love Me y Sex Is Not the Enemy, en el Canal de Videos Rock+noRock.
El hombre sabio, el investigador acucioso y el obsesivo compulsivo acostumbran revisar los pasos andados para cerciorarse que no dejaron cabos sueltos en el camino. Ustedes juzgarán en qué categoría caigo; yo... voy por un poco de los tres.
Lo que leerán a continuación no es un artículo R+nR, esto es Rock+noRock Redux (sí, me vale, llevo dos años queriendo utilizar apropiadamente la palabra redux en una oración).
Arcade Fire
En 2004 todos los medios, indie y no-indie, declararon unánimamente a esta banda como la mejor cosa desde la vacuna contra la polio. En sus primeros años, Arcade Fire, de origen quebequense, parecía estar compuesta por un grupo de menonitas renegados y virados a hipsters. Desde entonces se han sofisticado un poco, a grado de parecer una suerte de Blondie vagamente emo. Siendo menos majadero, diría que me recuerda a los entrañables aunque actualmente poco reconocidos Cocteau Twins (por lo menos las partes lideradas por Régine Chassagne, co-vocalista).
Antes de continuar, un par de precisiones:
1.- Quiero empezar diciendo que -técnicamente-, nunca declaré que Arcade Fire apestaba.
2.- Aunque inicialmente esta banda fue adoptada e idolatrada universalmente por hipsters, hay que decir que esto fue completamente accidental (o tal vez, una entre un millón, la hipsteriza le atinó); Arcade Fire no es, repito, no es una banda hipsterienta de las que tanto despotricamos aquí. Por el contrario, creo que es de las muy pocas bandas que se podrán recordar de esta década tan árida que nos ha tocado ver pasar.
Cabía en mi la suspicacia, después de todo, esta banda fue glorificada en innumerables ocasiones por la misma bola de imbéciles que suelen glorificar “la nueva cosa indie del día”, así que guardé prudencia.
Uno de mis motivos para ser suspicaz es, que su primer álbum se titula “Funeral” y, ¡en serio!, ¿quién le pone a un álbum “Funeral”?, es aceptable si se trata de una banda de metal gótico o darkwave/etéreo, pero en cualquier otro caso suena sospechosamente pretencioso y bastante emo; ¡en verdad!. Después, uno se entera que el título se debe a que durante la grabación del disco, los integrantes sufrieron la pérdida de varios seres queridos, y entonces uno se siente un poco cretino por haber pensado mal.
Mi otro motivo para sospechar era que, al bote-pronto, Arcade Fire me recordaba mucho a Sigur Rós, y el problema con Sigur Rós es, árdale a quien le arda, que es una banda con una sola canción, “Hoppípolla”, que es increíblemente bella, pero el resto de su música es más aburrida que el apio, sólo un hipster, más interesado en pretender que en la música, lo encontraría interesante (ya saben, del tipo “uh-uh, escucho rolas de 8 minutos de una banda sinfónica islandesa, soy -tan- original y sensible, ¡miren que intelectual, we!”). Es música linda, sí, pero después de dos tracks seguidos uno empieza a desear no haber nacido por el aburrimiento; aunque reconozco que es excelente para ir corriendo a la gente cuando la fiesta acabó.
“... Y mientras tanto, en el Salón de la Justicia”, o: Regresando de la divagación.
Bien. Arcade Fire NO ES puro oropel y nada de sustancia, por el contrario, son una banda bastante compleja y de ángulos contrastantes: solemne, sombría, incluso depresiva y dolorosa, sin embargo, también melodiosa, optimista e inocente. Pero no se confundan, definitivamente no es un grupo que quiera explotar el nicho de los idiotas adolescentes lastimeros y auto-flagelados de lágrima fácil, ¡no!. Esta banda logra exitosamente involucrarnos en una experiencia entrañable y a veces sobrecogedora; más cuando uno se pone a buscar el -verdadero- significado de sus letras, cosa que no recomiendo para nada. Cuando busqué la interpretación de “In the Backseat”, una de mis favoritas, terminé arropado hasta la cabeza y asumiendo posición fetal por dos días; lo más triste desde Remy (hint: no trata sobre faje)... así que, sugiero se apeguen sólo a las melodías.
Su primer LP, “Funeral”, es un “álbum concepto”; y quiero decir ¡uno verdadero!, no como los que suelen sacar algunas bandas para darse aires de grandeza, sólo porque ponen un puente abstracto en medio de todos los tracks. El “Funeral” en verdad cuenta una historia y parece haberse tejido como un todo desde el principio. -Es un disco excepcional y conmovedor-... y háganme caso en esto, porque no es algo que vayan a leer muy seguido por aquí.
Dejo a su consideración esta presentación en vivo de “In the Backseat”. En el performance, (min. 6:00) cuando la vocalista se desploma desvalida y es arropada por sus compañeros uno empieza a sentir que es demasiado barroco, cursi, muy tirado a lo emo, y es cierto, hasta que uno se entera que la canción habla sobre la muerte de la madre de Régine en un accidente de auto, y entonces uno empieza a sentir cómo la cara se le transforma en suela de zapato, cual dibujo animado.
Arcade Fire- In the Backseat
(Recuerdo que en esa secta donde accidentalmente caí, hicimos algo parecido, ¡caray!)
Algo completamente inusual en una bandita indie, es que su segundo álbum sea, si bien no tan bueno, por lo menos decente. Bueno, el “Neon Bible” va un poco más allá de lo decente. No tan brillante como el anterior, pero sigue siendo un muy buen álbum.
Desgraciadamente el tercero fue “el vencido”. “The Suburbs” (2010), es un poco decepcionante. Parece que conforme la banda fue sacando de forma artística su dolor, también perdió el dote fúnebre que la hacía tan especial. La banda muestra una cara mucho menos oscura; vaya, por lo menos verlos en vivo ya no induce al llanto.
Sin embargo, The Suburbs contiene Sprawl II (Mountains Beyond Mountains), una perfecta canción pop como poco se ha visto desde los '80. Adicionalmente se puede ver a Régine enseñando chamorrón y en actitud provocadora, en algo que sólo puede definirse como el periodo “Cindy Lauper Goes Amish”. En los dos videos presentados se puede apreciar la evolución antes/después, pasando de crónicas de velorio y elegías al recuerdo de sus años como mall-rats.
Arcade Fire- Sprawl II (Mountains Beyond Mountains)
Ahora, aquí viene la parte de la reivindicación. Hago énfasis en ésto porque implica una parte fundamental del concepto original y contenidos de este blog, y siento que nunca he podido expresar con suficiente elocuencia.
Caso específico: Es muy probable que si revisan redes sociales dedicadas a música, encuentren etiquetado a Arcade Fire como Hipster y hasta Emo. Bueno, personalmente no lo veo así pero eso es irrelevante, el punto es que, si así lo fuera, ¡está bien!.
La hipsteriza fantoche es conocida por repudiar bandas al momento que estas alcanzan éxito comercial o mediático. Considero que eso es estúpido. Los artistas y su música, mientras se mantengan honestos y humildes, deben ser valorados no importando la fama o notoriedad ganada. Perder la característica de “subterráneo” no demerita en ninguna medida la calidad del artista.
Verán, parafraseando a un poco exitoso ex-seleccionador nacional de amargo recuerdo, “lo que me quiebra las pelotas”... del estilo de vida y universo musical hipster, es que se apresura a la alabanza insensata de bandas mediocres que no valen la pena... pero cuando sí lo valen, se les debe reconocer.
Los hipsters son como el mercado accionario, ambos se basan en meras especulaciones y valores inventados; de igual forma, éstos no aprecian la música por su calidad, sino por el charolazo de lo “alternativo” que aparenten ser, su imagen y algunas otras frivolidades.
Bien, Arcade Fire no es una banda de moda, no es una banda , es una banda que ustedes de verdad deben conocer si les gusta la música pues, como ya mencioné, es de las muy pocas que con los años vamos a poder recordar; de lo muy, muy poco de bueno que nos dejó la década pasada.
Al principio mencioné que éste no es un artículo R+nR, pues Arcade Fire no necesita presentación y, aunque sin culpa de ello, forma parte del catálogo hipsteriento ya conocido que... es justamente de lo que NO se trata Rock+noRock.
Sin embargo, si alguien aún no les conoce, puedo asegurarles que se han perdido de una experiencia musical muy interesante.
Apéndices:
a) Si ya conocían a Arcade Fire, como es probable, sepan que cuenta con nuestro apoyo total. Si aún no lo conocen, bueno, les deseo que hayan regresado con bien del exilio o del búnker donde pasaron en confinamiento solitario la década anterior. Ahora que nos acompañan de nuevo en la civilización, puede empezar visitando esta banda.
b) Mi querella con esta fea situación de -lo hipster- es que, aparentemente se ha perdido el norte en la manera en que solíamos apreciar la música. Hoy día, una banda parece valer más por el bullicio tramado en las redes sociales o por el peinado de los integrantes que por la música que hacen.
Bueno, hasta ahora mucho kiss-kiss y poco bang-bang en Rock+noRock
Informe R+nR
¿Qué escucharán los animalitos del bosque de las caricaturas de Disney cuando quieren rockear duro?, probablemente Asobi Seksu; con jarabe de maple en vez de whisky, esnifando polen en vez de cocaína y siestas grupales en vez de sexo casual; lo cual es muy irónico pues asobi sekkusu en japonés significa algo así como “sexo recreativo”, algo más cercano a su infame nombre original de 2001: Sportfuck.
Asobi Seksu- Thursday
Asobi Seksu se inscribe en el estilo Shoegaze, pero con una obvia referencia al Pop Japonés de los noventa, cosa que agradecemos porque le da un toque melódico y menos escandaloso.
Asobi Seksu- lions and Tigers
Su primer álbum, homónimo (2004), que parecía una de esas exquisitas curiosidades de mercado de pulgas, pues aparte de rescatar ese viejo estilo shoegazero, que se creía extinto desde los noventa, incluye algunos temas en japonés.
La obra cumbre de Asobi Seksu en sin duda su segundo álbum, Citrus (2006), que incluye los sencillos Strawberries, Thursday y Lions and Tigers; uno de los mejores del género, excelente para acompañar unas malteadas de vainilla bien cargadas.
Desde entonces, han sacado un par de álbumes más, que yo encuentro mucho menos atractivos después de haber cambiado su estilo característico para volverse más, en sus propias palabras, melosos... si es que eso es posible.
En fechas recientes se presentaron en Ciudad de México, un pequeño recital en el Caradura, un foro, a mi entender relativamente nuevo dedicado a la escena indie; aparentemente pasó sin pena ni gloria. Hubiera procedido tenerles un review previo al evento y no habiendo ya pasado pero... no se nos dio la gana.
Asobi Seksu- Strawberries
Dictamen R+nR
Asobi Seksu decidió modificar su idea original justo cuando tenían todo para despegar a las grandes ligas. A diferencia de cantidad de bandas indie, no es que hayan decaído, sólo quisieron ser algo diferente y, al parecer no son tan buenos en ello.
Escucha esta banda como remedio casero para la hipoglucemia. Pensar en ellos hace que vengan a mi mente imágenes de rubios y esponjosos hot cakes con extra mantequilla. El Shoegaze de Asobi Seksu no es -tan- empalagoso y sobresaturado como el original. Igual que un pasón de azúcar, brinda por breves momentos una sensación inmediata de bienestar y felicidad, muy bueno para iniciar el día.
Componentes de Asobi Seksu:
La (más o menos creíble) Leyenda Rock+noRock, dice que: Los que en su infancia vieron a la Señorita Cometa, muestran una marcada inclinación al Pop Japonés en su adultez.
1.- Rock+noRock es como la vecinita de a lado; está buena, pero no es una fácil.
2.- Creemos que la música no es un accesorio para hacernos ver “cool”.
3.- Rock+noRock no es un recalentado de las mismas notas aparecidas en otros medios y portales musicales establecidos. Rock+noRock es un esfuerzo libre y honesto de contenidos originales y no influenciado por las tendencias de moda.
4.- No hablamos sólo de las banditas -del día- que cacarea el esnobista Pitchfork Media.
5.- No nos enfocamos en un sólo grupo limitado de estilos, escenas o tiempo.
6.- En Rock+noRock somos fans de la buena música de toda era (hasta del Disco).
7.- Rock+noRock es genuinamente alternativo, subterráneo, independiente, desconocido y todas esas mamadas que le fascinan a la hipsteriza pretenciosa... cabe aclarar que somos así porque no tenemos otra opción.
8.- Apreciamos a los artistas por la música que hacen, no por cómo se ven, cuánto venden o qué tan de moda estén.
9.- Rock+noRock no es dirigido por una anónima e insensible corporación editorial que no demuestra interés por sus lectores, está dirigido por dos sujetos anónimos e insensibles que no demuestran interés por sus lectores.
10.- A diferencia de otros blogs, aquí jamás le faltaremos al respeto a nuestros lectores refiriéndonos a ellos como “banda”, “roqueros”, “raza” o cualquier otro mote anacrónico y arrabalero.
(+2).- Por último y más importante; para los que ya lo olvidaron o nunca lo supieron: Queremos recordarles que el Rock debe ser inspirador, emocionante, provocador, significativo, arriesgado, divertido, sexy, y que en el pasado como en la actualidad, hay suficiente buen Rock-Pop como para terminar escuchando la misma música mezquina y conformista.
Desde la última vez que este blog entro en... “hiato”, muchas cosas han pasado en el mundo de la música; casi todas malas, menciono las primeras que me vienen a la mente. Las primeras son lamentables, las últimas tres son simplemente patéticas.
La separación de Oasis: A mediados de los noventa desarrollé un raro síndrome que en la literatura médica se conoce como “Ceguera de Gallaguers”: incapacidad de poder distinguir entre Liam y Noel. Lo que sí sé, es que, tras el insulto final, uno de ellos (el del talento), decidió abandonar la banda. No es que la notica me entristezca particularmente, pues dejé de admirar su repetitivo estilo de “Beatles alternativos” poco tiempo después de adquirir este raro síndrome, y porque siendo honestos, para este 2011 Oasis llevaba más de 6 años haciendo música apenas buena para fondear películas ¡de Hugh Grant!, eso no es un final digno. A pesar de haber sobrevivido al milenio, se le sigue considerando una banda más bien noventera.
Desde entonces, el otro Gallaguer, el de la voz gastada, se asoció con los anónimos restos de la banda que alguna vez tuvo con su hermano, el talentoso, para formar Beady Eye, que es una especie de Oasis de lado B muy, pero muy deslavado.
No hay necesidad de drama, en cuanto a alguno de los dos se les acabe el dinero destinado a pisto, seguramente harán intentos por acercarse y reformar Oasis... la miseria es una insospechada buena consejera.
*Update: Como lo vaticinaba, en días recientes Noel Gallaguer está a punto de editar material con su nueva banda (probablemente de un solo hombre, como Oasis) High Flying Birds; veremos cómo le va. También mencionó que desde ya, hace preparativos para celebrar 20 años del lanzamiento de la joya de la corona “(What's the Story) Morning Glory” en 2015.
Mi primera reacción ante esto es: ¡a'su putamadre!, ¿tanto tiempo ha pasado ya?. Mi segunda reacción es: estando tan “caliente” la relación entre los Gallagher, el concierto deberá realizarse en dos arenas separadas por al menos 300 mts.
The White Stripes también se separa: Para Jack White trabajar con una gordibuena ex-esposa después de haber salido con Reneè Zelwegger, flaca (de complexión, no de oficio), era una fórmula garantizada para el fracaso. No es que sorprendiera a nadie esta separación; desde 2007 Jack White tuvo más proyectos individuales que novias, el más importante fue The Raconteurs.
No considero que The White Stripes haya sido tan importante, popular o influyente para la historia de la música, pero en mi opinión es muy relevante porque creo que se trata de la última genuina y verdadera banda de Rock. Lamentamos su extinción.
Muere Amy Winehouse: Quiero decir, que el cuerpo mortal de la Winehouse finalmente se unió a los restos de su carrera artística, que yacían apaciblemente en la morgue desde 2008.
No soy insensible a la pérdida humana, pero este deceso fue más una tragedia de medios que una tragedia para la música. Aunque, hay que reconocer que el tiempo fue excelente porque, en serio, esperábamos que esto sucediera en cualquier momento desde hace 3 años, pero casualmente terminó sucediendo justamente a tiempo para ser incluida en el exclusivo, aunque no envidiado, “club de los 27”, junto a Cobain, Morrison, Hendrix y Joplin, artistas que hicieron mucho más méritos que solo tener el tino de morirse a los 27 años.
A la Winehouse se le va a (probablemente) recordar por sólo 2 temas; los mismos que Alyson Moyet y... nadie se acuerda mucho de ella, ¿verdad?. Descanso mi caso.
Linkin Park no se separa: Así es, ésa es la desgracia. Y lo mismo sucede con varias boybands con guitarritas contemporáneas como Fall Out Boy, 30 Seconds to Mars, Sum 41, Panic at the Disco!, My Chemical Romance, Blink 182 (quienes ya disueltos tuvieron la desfachatez de volverse a reunir), Simple Plan, Green Day y muchos más que me son demasiados dolorosos para enlistar.
MTV cumplió 30 años: Que en mi opinión son 10 más de los que debió existir. Hoy día el negocio de de ese canal tiene muy poco que ver con la música, ¿y del Rock?, ¡jhmp, ya ni se acuerdan!. Desde hace unos 15 años MTV se ha dedicado a producir televisión basura; hoy día, preferiría arriesgarme a ser inoculado con un herpes agresivo, que ver los infames shows de realidad de la cadena. Lamentamos profundamente que MTV y sus banditas generadas por computadora (citadas en el párrafo anterior) no se hayan unido al “Club de los 27”.
Steven Tyler es juez en American Idol: Como si el Rock, o mejor dicho, -el recuerdo de lo que alguna vez conocimos como Rock- necesitara más desprestigio y humillación. Tyler se sumó a una larga lista de figuras referenciales del Rock que se anotaron en las filas de los shows televisivos para empleadas domésticas... sin ofender. La dignidad, oh, la dignidad.
Sin más por el momento y esperando contar con su amable atención; declaro oficialmente reinaugurado este blog.
Xtra: Entre un montón de noticias viejas, ¡una nueva!. Hoy, 5 de Septiembre es el aniversario de Freddie Mercury, quien, de no haber sido azotado por la tragedia, estaría cumpliendo 65 añotes. Esa sí, una pérdida muy lamentable.
Como parte de la celebración, los fans de Mercury lanzaron una encuesta para votar por la mejor letra en una canción de Queen; la ganadora fue "Don't Stop Me Now", por la frase "Don’t stop me now, I’m having such a good time, I’m having a ball". Concurso un poco bizarro, pero concuerdo totalmente con el resultado, esta es una canción verdaderamente inspiradora, de esas que siempre te hacen decir, "voy por el doblete"... ehm, en fin.
Felicidades para Freddie, quien desde 1991 anda bukkakeando ángeles... saben a qué me refiero.
*Nota del autor: No recuerdo que en Rock+noRock fuésemos tan prosáicos; ni que existiera el verbo bukkakear.
Uniéndose a la celebración, el "amo de las búsquedas" produjo este bonito doodle animado con estética de 8 bits y remembrando pasajes clásicos de la videografía de Queen, además con una narrativa netamente ochentera: el video mostrando -literalmente- lo que dice la letra.
