Rock + NoRock

Bailando con Roger Daltrey

2011-11-15T08:00:00.077-06:00

Soy un férreo defensor del adagio: “Los hombres de verdad, no bailan”.
[¿Alguna vez vieron a Chuck Norris bailar?, ¿a Steve McQueen, Charlton Heston, Sean Connery o Charles Bronson?. Y sólo para clarificar conceptos con aquellas escépticas descreídas, un ejercicio de consciencia: Si se encontraran en un callejón oscuro frente a 3 sujetos sucios, apestosos y malencarados, posibles barristas del Club América prestos a la barbarie... ¿a quién desearían tener a su lado, a Clint Eastwood o a Justin Timberlake? (quien probablemente sería el primero en bajarse los pantalones; saben a qué me refiero). Descanso mi caso].

De cualquier forma, en R+nR reconocemos que después de tocar en una banda, el segundo mejor “fast way to pussy” para el hombre normal es el baile (esto es triste, pero hay cosas aún más torcidas en el mundo, como la democracia).
De manera que, si hay que bailar, ¡por lo menos hay que hacerlo con dignidad!. Por ello, nos hemos dado a la tarea de mostrar los pasos de baile característicos de los grandes héroes del Rock de todos los tiempos
Como esta es la primera lección, escogimos uno de los zapateados más sencillos en los que pudimos pensar:

Bailando con Roger Daltrey.

o... mis almidonados pantalones me quiebran las pelotas.

The Who, una banda legendaria, hoy acreditada como emblemática de mediados de los sesenta, revolucionaria y paradigmática del movimiento Mod. Es justamente en este su periodo -clásico temprano- que The Who se convirtió en un fenómeno legendario con la que todos recordamos (o queremos recordar) a esta banda y su vocalista Roger Daltrey. Más adelante, pasado 1968, The Who perdió la inocencia; se dejó influenciar del llamado Art Rock y empezaron a hacer música más barroca, parecida a algo que el Payaso Krusty haría en una parodia intelectualoide... no precisamente mi época favorita de The Who. En fin.

Una de las aportaciones de The Who a la cultura Rock fue la introducción del vandalismo en la propia escenografía e instrumentos musicales. A pesar de tal desfiguro, sin antecedente hasta entonces, su vocalista Roger Daltrey se mostraba aparentemente tímido en el escenario, incluso taimado y al margen de la destrucción... y poniendo atención, es fácil saber por qué.

The Who - Kids Are Alright.

Se puede pensar que “El Daltrey” es un estilo creación original del autor, pero creo que está lejos de ser así; en realidad es un estilo que se define por sus pantalones ajustados.
Cualquier buen tipo que se haya visto en la circunstancia de usar unos pantalones bien apretados del tiro y el asiento, eventualmente se las verá haciendo de forma espontánea “el Daltrey”.

Para hacer el Daltrey:
“El Daltrey” demuestra influencias de Swing y del viejo Rock&Roll de los '50, pero en una forma muy constreñida, por obvias razones.
Para bailarlo basta con usar unos pantalones muy ajustados o ponerse un suspensorio con talla de niño, y listo, lo demás sale por consecuencia. El ligero bamboleo de caderas (tratando de hacer un poco más de espacio para -eso-), la incomodidad y el parpadeo nervioso se dejarán venir solos. Es opcional la actitud de niño abusado, como si les hubieran dicho "¡si te mueves, te madreo!"; créanme, no van a tener ganas de mover las piernas de cualquier forma.

The Who - Substitute

“El Daltrey” es uno de esos pasos que, como el danzón, si se hace bien “se puede bailar sobre un ladrillo”; claro que de forma menos vistosa. También es cruelmente conocido como “el ratón en la trampa pegajosa”.
También se dice que ese característico tartamudeo en el fraseo del clásico “My Generation” no fue una decisión filosófica, es más probable que haya sido provocado por la estrangulación de gónadas.

The Who – My Generation

Con el pasar de los años los pantalones de Roger se fueron aflojando y pudo ofrecer pasos más “orgánicos”, pero mucho menos memorables.
Aunque aceptamos que “El Daltrey” hoy día sería considerado un pase muy discreto y aburrido, sigue siendo excelente para los tímido-antisociales que estando en un fiesta se refugian en una esquina y sólo se dedican a observar... tal vez demasiado tímidos también para preguntar dónde queda el baño.

Reporte R+nR: Guns N' Roses

2011-11-04T08:00:00.047-06:00

Con invitación de @ATMorgana nos presentamos ante Guns n' Roses; en otra crónica escrita una semana después del evento... mismo tiempo que tardaron mis oídos en dejar de zumbar.

Guns N' Roses es resultado de un combinado entre las bandas angelinas Hollywood Rose, de Axl Rose y la ya reconocida en la escena hard rock, L.A. Guns, de Tracii Guns; juntos: Guns N' Roses (1985), no hay pierde. El mismo año, el autoritario Axl se las ingenió para botar a todos los ex-L.A. Guns y conformar la que a la postre reconocemos como la formación clásica (más no original) de GN'R: Axl Rose, Slash, Izzy Stradlin, Duff McKagan y Steven Adler.

GN'R tiene 6 álbumes grabados, sólo 3 buenos, pero esos le han bastado para convertirse en un clásico indiscutible de todos los tiempos.
“Appetite for Destruction” (1987) es fundamental en la discografía de quien se precie de gustar del buen Rock. Le siguió un regularcito “G N' R Lies”, pero en 1991 la banda regresó para despacharse con la cuchara grande con el álbum doble “Use Your Illusion I-II”, que los posicionó permanentemente como una banda legendaria.

Guns N' Roses, Welcome to the Jungle – Palacio de los Deportes, Ciudad de México.

Después llegó la era alternativa que, salvo muy honrosas excepciones, barrió con toda clase de artistas nativos de los ochenta; en ésos reformistas años, ser identificado como -de los ochenta- era más feo que pasearse con la bragueta abierta... intencionalmente. No es coincidencia que muy pocas bandas hayan sobrevivido este cisma.
GN'R lo estaba haciendo muy bien, había atravesado el horizonte de eventos (1992) con bastante éxito, pero en 1993 salieron con “The Spaghetti Incident?”, una de las más grandes metidas de pata que la historia del Rock pueda recordar. La banda cometió el mismo error que muchas contemporáneas ochenteras: se quisieron hacer los alternativos. El experimento, un álbum compuesto por covers de Punk y Glam Rock les reventó en la cara de fea manera. Tampoco ayudó que uno de los covers perteneciera al nazi, satanista y conspirador para cometer asesinato Charles Manson; esto, en los políticamente correctos años noventa fue muy mal visto y atrajo críticas muy negativas... aunque era cuestión de tiempo antes que el mal álbum fracasara por sí mismo.
Para 1994 GN'R empezó a planear su nuevo álbum pero se presentaron toda clase de peleas, lo que propició que los integrantes “aventaran su Barbie” y fueran desertando uno a uno en los años siguientes.

Guns N' Roses, Live and Let Die – Palacio de los Deportes, Ciudad de México.

El curioso caso de Chinese Democracy

Si en 1994 hubiéramos hecho una apuesta sobre qué llegaría primero, si la democracia a México o el sexto álbum de GN'R, los momios hubieran favorecido totalmente al (aún sin nombre oficial) Chinese Democracy... ¿quién iba a imaginar que lo primero llegaría 8 años antes que el segundo y que ambos serían igual de decepcionantes?.

Sin tener el dato preciso, no es difícil adivinar que “Chinese Democracy” es el álbum que más tardó en grabarse, ¡la friolera de 13 años! (1994-2007). Durante todo ese tiempo, el Chinese... se convirtió en una especie de chiste parecido a aquellos que vaticinan el fin del mundo: siempre anunciado, jamas sucedido.
Después de 13 años de afinar, re-escribir, pulir y re-grabar, uno esperaría una obra maestra, pero no. Chinese... llamó mucho la atención y generó mucho hype (en buena parte por morbo), pero que no les quede duda, es el peor álbum de GN'R (o al menos el segundo peor).

Guns N' Roses, You Could Be Mine – Palacio de los Deportes, Ciudad de México.

En 2008 finalmente se estrenó el larga, larga, largamente anunciado sexto disco de GN'R, con el sencillo homónimo, Chinese Democracy, que ni siquiera suena a Axl Rose, pero tiene todo lo que un tema de Rock pesado debe tener, es ruidoso, poderoso, con actitud... sólo le faltó ser bueno.
Las Power Ballads son emblemáticas del Rock pesado, sin ellas los músicos sólo obtendrían camorra y nada de pussy (... y entonces ¿cuál sería el punto de estar en una banda?). El Chinese... contiene tres baladas muy, muy modestas: Street of Dreams, Sorry y la más rescatable, This I Love, pero que tampoco da el ancho.
También contiene algunos resbalones absolutamente fuera de lugar como “Better” que, si alguna vez se preguntaron “¿cómo sonará una banda de hard rock haciendo indie?”, la respuesta es... mal. "Madagascar" es un tema que suena muy retro, está excelente para fondear escenas de apasionado sexo gratuito en thrillers de hace 20 años, pero es nada trascendental; y en esa misma tónica el resto de un rechoncho álbum con 14 temas.

Guns N' Roses, Sweet Child O' Mine – Palacio de los Deportes, Ciudad de México.

Aunque -técnicamente- Guns N' Roses nunca se desintegró, casi 15 años sin material nuevo hacen que su regreso en 2008 cuente casi como una “reunión”. Considerando eso, hay que decir que fue un “regreso” muy bueno. En años recientes muchos artistas han vuelto del retiro sin fuerza ni propuesta, sólo por regresar y cobrar su tajada del mercado de la nostalgia, con discos improvisados que no son ni la sombra de lo que alguna vez fueron. Pensando esto, el “regreso” de GN'R fue digno... malo, pero al menos digno.

Desde 1994 Guns N' Roses experimentó con una gran variedad de músicos para darle vida a su nuevo proyecto. La alineación actual de Guns N' Roses incluye desde luego al miembro fundador Axl Rose (vocales) y a Dizzy Reed (teclados), no un miembro original pero ha estado con la banda desde 1990. Además Ron “Bumblefoot” Thal (guitarra líder), Richard Fortus (guitarra rítmica), DJ Ashba (guitarra), Tommy Stinson (bajo), Pitman (teclados) y Frank Ferrer (batería). Estos músicos aunque sin duda virtuosos, no alcanzan el carisma ni dan el espectáculo de los originales; en el escenario se desempeñan bien, pero donde más se nota la ausencia de los patriarcas es en la contribución a la hora de componer.

Grand Finale (ver min. 4:30):

Guns N' Roses, Paradise City – Palacio de los Deportes, Ciudad de México.

El Concierto

Ahí donde los ven, Guns n' Roses son una de las bandas que más veces se han presentado en el Palacio de los Deportes de Ciudad de México, ¡un total de 6!, suficiente para nombrarlos alcaldes en Foursquare. Su primera visita fue en Abril de 1992 con la gira “Use Your Illusion Tour”, 2 veces más el año siguiente con la extensión de esa misma gira, luego en 2007 dentro del “Chinese Democracy World Tour”, finalmente dos ocasiones más en este 2011, dentro del “Latin American Tour 2011”. Si en OCESA saben de relaciones públicas, ya deberían haber puesto en la zona de camerinos una cubeta para vómito dorada nombrada en honor a Axl Rose... digo, como detalle, porque los ejhm, “rockeros” de hoy día ya son muy sanos y no se presentan a los conciertos en estado (tan) impertinente.

Axl Rose tiene una muy bien consolidada fama de patán, así que el pronóstico de retraso era predecible. A sabiendas de esto hay que cuestionarse quién es más culpable, si Rose por empezar endiabladamente tarde, o uno por llegar a tiempo. El boleto decía 21 hrs., la banda salió poco más de 3 horas después, para un posible nuevo récord nacional.
Como probablemente este “retraso” estaba contemplado (creo), los organizadores tuvieron la “brillante” idea de incluir ¡3 bandas abridoras!, yo no sé con qué objeto. Las bandas fueron: Poc, una Belinda pero más “rockerota”, The Vulture y Ágora, 2 banditas que no estaba buenas ni para unos quinceaños de barrio. Este detalle no se agradece; si el objetivo era “calentar” al público, mejor hubieran salido a pintarnos “cremas” o a mostrarnos el dedo.

Antes de iniciar el concierto el escenario se veía muy poco prometedor (reciclado de la gira anterior pero con otro acomodo): Una pantalla principal y 4 pantallas LED medianas al centro, 2 pantallas más pequeñas y de baja tecnología (de proyector) a los extremos, presumiblemente para ver tomas en vivo; además de las acostumbradas luces robóticas y una especie de mallas de gallinero que iniciado el show nos dimos cuenta que se componían de luces entramadas que daban un efecto de profundidad interesante; pero en general nada que anticipara un despliegue tecnológico interesante, como estamos acostumbrados en este tipo de espectáculos. Pero una vez comenzado el show verdadero pudimos constatar que, aunque no tan impresionante técnicamente como otros, estuvo bastante bien aprovechado como complemento a la actuación.

En realidad fue un muy bonito espectáculo, de esos que cada vez se ven menos seguido: ¡un genuino show de Rock de vieja escuela!, con llamaradas, detonaciones y pirotecnia; algo que desde los 90's empezó a escasear puesto que este tipo de manifestaciones empezaron a ser consideradas como burdas e innecesarias, incluso infantiles (nunca vieron a Eddie Vedder colgado de un arnés, o a Thom Yorke arrancarle la cabeza a una gallina, ¿o sí?)... yo no sé, el caso es que dan resultado.

Pasada la media noche, la banda anteriormente conocida como Guns N' Roses (... que, de hecho se sigue llamando igual aunque sólo conserva a uno de sus integrantes originales) finalmente nos honró con su presencia. GN'R a pesar de tener 25 años de carrera, apenas llega a los 6 álbumes editados (5 ½, siendo cínicos), así que con mucho trabajo tiene material para llenar un setlist suficientemente robusto de 20 temas, sin embargo entre covers y segmentos instrumentales se las ingeniaron para presentar un show ¡de 32 tracks!; aunque sólo 21 fueron temas originales de la banda, para un total de poco más de 3 horas de concierto.

Axl y compañía abrieron con la entusiasta pero poco convincente Chinese Democracy, aunque después de más de 3 horas de espera si hubiese abierto con una de Camila, igual se hubiera agradecido. Como acto seguido nos dejaron ir el clásico Welcome to the Jungle, y la cosa empezaba a pintar muy bien porque, refiriéndome a la sabida reputación patana de Axl, pensé que podía escatimar los hits por privilegiar su muy mediano nuevo álbum. Le siguieron un par de éxitos menores del Appetite for Destruction, que con el pésimo sonido apenas y se alcanzaban a distinguir. Difícil saber si esto fue mala ingeniería o el bien conocido problema de acústica en el también llamado “Palacio de los Rebotes”.

Los minutos y las canciones seguían pasando y yo empezaba a preocuparme seriamente porque los hits esperados por todos seguían sin aparecer. Como es por todos conocido, un concierto regularmente dura cerca de dos horas, tiempo que alcanza para unos 20 temas; bueno, pues nos aproximábamos a las dos horas de tocada y los clásicos brillaban por su ausencia. De 17 interpretaciones tocadas (porque no todas fueron canciones, abundaron las intervenciones instrumentales), sólo 4 correspondían a sus añorados éxitos. Pero en la segunda mitad del show el listado corrigió el rumbo y al final se incluyeron prácticamente todos los temas deseables.

El viejo Axl se ve menos vivaracho que muchos de sus contemporáneos, está notoriamente más “esponjadito” y ya no hace tan seguido sus conocidos “avioncitos” a todo lo largo del escenario, pero la verdad es que sigue siendo un buen frontman y es perfectamente capaz de dar un buen show.

El look con el que se presenta actualmente es menos cuestionable que aquel infame de las rastas pelirrojas, pero sigue siendo excéntrico (se me figuró a Jack Nicholson en la parodia “Mars Attacks!”, de Tim Burton), con unos gestos que me recordaban a Pedro Infante o a Resortes, incluido éste, donde abría ampliamente la boca moviendo los ojos como sorprendido.
Los nuevos miembros jamás van a alcanzar ni una fracción de la iconografía lograda por los originales, pero digamos que... cumplen. Un muy buen espectáculo.

El futuro de Guns N' Roses es incierto y volátil, igual que los últimos 15 años. Se ve improbable que puedan editar nuevo álbum en los años venideros, el Chinese... tuvo la suerte de tener el “efecto morbo” de su lado, pero esa carta no se puede usar dos veces (por lo menos no en la misma década); otro álbum malo que no conecte ni colecte nuevas audiencias y GN'R podría quedar definitivamente confinado al circuito de la nostalgia... pero, parafraseando a Bogart: Siempre tendremos Appetite for Destruction.

Xtra en el canal YouTube de R+nR: El momento en que Axl Rose se da un sentón mientras interpretaba Knocking on Heaven's Door, durante el concierto del martes 18 en el Palacio de los Deportes.

Reporte Rock+noRock: Corona Capital 2011

2011-10-26T08:00:00.085-05:00

Por iniciativa de @ATMorgana tuvimos el agrado de asistir al Festival Corona Capital. Para que no se nos tache de oportunistas, en Rock+noRock hacemos los reportes mucho después de pasado el evento (...ejhm, ejhm). En fin, aquí una crónica personal.

Bien, el pasado 15 de Octubre se realizó la segunda edición del Corona Capital, un festival montado en el interior del Autódromo Hermanos Rodríguez de Ciudad de México. La taquilla oficial reportó 80-85,000 asistentes.

Antecedente

En el primer Corona (2010), las bandas principales fueron Pixies, James y para agasajar a la hipteriza conformista, Interpol. En total 24 artistas de los cuales, aparte de los mencionados, sólo destacaba el regreso de un clásico, Echo and the Bunnymen y en cierta medida Regina Spektor; el resto era una muy gris colección de indies efímeros, compuesto por bandas como White Lies (los de la balacera en Monterrey), Temper Trap, Two Door Cinema Club, Minus The Bear y los locales Chikita Violenta... bastante guango si a mí me lo preguntan. Con todo, fue el festival más grande e importante organizado en México. Hubo otros anteriormente pero no con tanta participación de bandas internacionales y locales, y demostró que podía ser un éxito.

Para la edición 2011 el festival creció notablemente, de 24 a 33 bandas (aunque según yo, por lo menos una no se presentó al final) y de 3 a 4 escenarios independientes. La primera banda abrió alrededor de las 11 hrs. y la última cerró cerca de la media noche.
Algunos inocentes comentaban que “creían que la alineación del 2011 podía estar mejor”... yo diría, ¡caray!, ¡pero por supuesto que fue muy superior el cartel del 2011!, ni se puede empezar a comparar.

Queriéndolo o no, los organizadores -más o menos- imitaron el esquema del festival anterior para las bandas insignia: Una banda clásica de la era “alternativa”, una más de corte indie y una esencialmente noventera, que corresponden respectivamente a Portishead, The Strokes y Moby, que de entrada ya suena un poquito más espectacular que el anterior.
La gran diferencia con el año pasado, fue que este 2011 hubo una buena cantidad de actos “secundarios” de primer nivel. El Corona Capital incluyó a The Rapture, The Editors, Cansei de Ser Sexy, M83, Mogwai, Coheed & Cambria, Wavves, The Antlers y These New Puritans; además de una banda clásica ochentera, ¡OMD!. También se amplió la participación nacional e hispano-americana, con Austin TV, Ximena Sariñana, Lebaron, Bengala, Quiero Club, Javiera Mena (Chile) y El Columpio Asesino (España).
Aclaro que a varios de estos artistas a mí me gustaría mucho verlos... dentro de un edificio en llamas, pero no dejo de reconocer que como nombres integran un cartel de calidad mundial bastante macizo.

El Recinto

Los 4 escenarios estaban repartidos en todo lo largo del circuito de carreras del Autódromo Hermanos Rodríguez (no confundir con el Foro Sol, que pertenece a una cervecera competidora).
Aunque hubo advertencia de lluvia, el día en Ciudad de México se puso acorde con el espíritu de diversidad del festival, ¡tuvo de todo!, sol abrasador a medio día, un bonito atardecer otoñal y una noche helada como naríz de perro.
Recorrer la pista sobre un bólido a más de 250 kph se ve fácil, pero pensar en aventárselo -a pata- en principio suena muy desalentador; sin embargo pudimos constatar que era posible recorrer la distancia de extremo a extremo hasta en 10 minutos.

Según comentarios de la radio, se mencionó que se mejoraron algunos detalles respecto al año pasado, donde no se instalaron cajeros, faltaron sanitarios y mucha gente se separó de su séquito y se perdió durante todo el día pues la señal de celular fue escasa.
Este año hubo cajero, no tuve necesidad de usar el baño puesto que yo si tengo bien entrenado el esfínter, pero al pasar por las zonas de sanitarios no me tocó ver ningún tipo de aglomeración y aún en la noche no se alcanzaba a percibir “arôme de toilette”. Tampoco usé el teléfono porque no soy móvil-dependiente, pero escuché que la red Telcel estuvo muy mal, pero hubo menos motivos para perderse porque se instalaron puntos de reunión, llamados Tótems. También escuché que la comida fue muy mala, cosa que no me consta porque yo me eché un par de “jochos” antes de entrar y adentro me fui a la segura con una pizza Domino´s... que sí, estuvo malita y me quedé con ganas de unos tacos de canasta.

Organización

La primera mitad del festival fue muy lenta. Se presentaron las bandas latinas, que son de ningún atractivo para mí y algunos actos indie de segunda mesa como The Boxer Rebellion y Wavves; sin interés. En contraste, para la segunda mitad del evento se acomodaron todas las bandas importantes y esto, aunque rinde homenaje a la lógica del espectáculo de cerrar con lo mejor, también despedazó la logística de los asistentes.

Se qué el espíritu de estos festivales es precisamente el propiciar el recorrido por los diferentes escenarios y probar un poco de todos. Los tiempos y las distancias siempre hacen imposible que uno pueda ver a todos los artistas, pero en este evento a los organizadores se les salió de las manos el amplio cartel y convirtieron el show en una pesadilla de duras decisiones.

No se necesita un grado universitario para discernir que pudieron haber ordenado las bandas indie en un sólo escenario temático, igualmente con las bandas de moda, las dance, las poperas, etc...; y las decisiones hubieran sido mucho más sencillas de esta forma. Después de todo, algunos pseudo-intelectuales fans de Portishead no creo que se mostraran muy emocionados de ver a su antónimo, Quiero Club. Por el contrario, resultó que en el mismo rango horario se presentaron Cansei de Ser Sexi, M83, The Editors y Moby, 4 de los artistas más importantes del evento y que más o menos comparten la misma base de admiradores; algunos actos debieron sacrificarse por otros.

Los horarios de presentación más bien parecían estar diseñados para que uno -se perdiera- la mayor cantidad de bandas posibles y no al revés. Durante las primeras horas no hubo problema, pues empezaron las bandas menos importantes, la chirusita pues, pero conforme fue llegando la noche, uno tenía que decidir entre plantarse en un sólo escenario y esperar al artista, sacrificando la posibilidad de ver otra buena banda, o resignarse a ver el show de lejos y desertar a la mitad para poder correr la milla (literalmente) y llegar hasta el escenario en el otro extremo, también de lejecitos.
No sé si en otros festivales sea el mismo cantar, pero creo que bien pudieron echarle ganitas para que los horarios, los recorridos y el estilo de las bandas fueran más amigables con el público.
Muy mal en este punto para los “Coronos” y “Ocesos”.

Los Escenarios y las Bandas

La mayoría de las bandas tocaron sets de aproximadamente 40 minutos, excepto las cerradoras, quienes tocaron hasta 90 minutos.

De los 4 escenarios, todos de buen tamaño, el más modesto fue el Bizco Club, aunque fue el único que contó con cierta coherencia musical en las bandas que se presentaron, estuvo destinado para actos tendientes a lo dance. El sonido fue malo.

Este escenario fue nuestra primera escala para ver a Javiera Mena que, considerando que se trataba de un acto -muy- secundario estuvo bastante bien. Los pantalones negros de plástico probablemente se le tuvieron que remover quirúrgicamente después de su presentación, porque en punto del medio día el sol azotaba duro.

Javiera Mena – Sol de Invierno.

Una de las bandas que más ganas tenía de ver era M83, irónicamente fue la que arruinó la tarde pues salió a tocar ¡con casi media hora de retraso!. Como dije, el sonido fue malo y sólo tocaron un raquítico set de 20 minutos, cuando mucho; incluso el vocalista se disculpó diciendo que las versiones tocadas eran nuevas y que probablemente no sonarían muy bien, le solicitaron al público que no fuera duro con ellos (WTF!), la última vez que escuché un pretexto así fue en un piano-bar del lobby de Plaza-Inn con una banda amateur.

M83 - Midnight City, Corona Capital 2011.

Por la “gracia” de M83 nos perdimos completamente a Cansei de Ser Sexy en el Escenario Corona Light, quienes me enteré ofrecieron un show muy energético, estimulante y dejaron muy buen sabor de boca. Lástima.
Pero estuvimos con tiempo de sobra y en buena posición para ver a Moby, que presentó un setlist excelente, nada de fanfarronear canciones nuevas que nadie conoce o le interesan, ¡únicamente hits certificados!. Se comunicó mucho con el público verbalmente y eso le gano la total simpatía del respetable; un muy buen ambiente, aunque su presentación de cualquier manera fue impecable, nada que objetar, además tuvo la mejor escenografía de fondo, el ocaso de una bonita tarde.
A pesar de ser considerado un acto secundario según el cartel del festival, Moby fue el primero que convocó una audiencia verdaderamente masiva (aunque no vi a The Editors, quienes estaban al mismo tiempo en otro escenario); y así debía ser, pues Moby tiene una muy consistente variedad de éxitos genuinos, no como los sobrevalorados -hits de papel- de las banditas indie.

Moby - Natural Blues, Corona Capital 2011.

Desgraciadamente tuvimos que abandonar este escenario porque, aunque el show de Moby era de lo mejor, la tentación de Portishead era mucha y había que hacer un peregrinaje hasta el escenario del fondo.

Uno de los dos escenarios principales era el Capital. Aquí tuvimos el honor de ver a la única banda verdaderamente con estatus de Clásica de todo el festival: OMD (Sí, porque OMD ya es parte del erario universal del pop-rock, los seguiremos escuchando en el 2050; el resto de las bandas, aunque populares, aún tienen que pasar la prueba del tiempo, es la verdad). OMD se veía en excelente forma, considerando que estuvieron en la congeladora por casi dos décadas (separados en 1989 y reformados en 2005). El sonido en este escenario fue muy bueno y el performance de la banda fue genial; es cierto que la mayoría de las canciones de OMD son -de a dedito en el teclado-, pero aún así sonaron muy bien, la audiencia fue feliz y quedamos muy satisfechos de oír perfectas interpretaciones de sus clásicos y un par de nuevas composiciones que no desmerecieron.

OMD - If You Leave, Corona Capital 2011.

Desgraciadamente tuvieron relativamente muy poca convocatoria. Resultó deprimente ver más temprano escenarios llenos con Ximena Sariñana o Quiero Club y una rala (aunque entusiasta) audiencia en OMD. Pudo ser ignorancia histórico-musical de los presentes o porque los pelados prefirieron ver Austin TV o Disco Ruido, y la hipsteriza jaló rumbo a los irrelevantes No Age o These New Puritans, todos se presentaban casi a la misma hora.

El acto estelar en el Escenario Capital y penúltimo del festival fue el muy esperado Portishead, una banda de culto que, curiosamente estuvo inactiva durante casi 10 años, se separaron en 2005, sólo para volverse a juntar en 2008 (¿?). Portishead nos recetó un buen, pero no excelente setlist. Dejaron de incluir varias canciones de sus primeros dos álbumes por privilegiar algunas nuevas del disco que siguen promocionando, que no están nada mal, pero tampoco son tan buenas.
Portishead no es una banda para escenarios masivos, sinceramente el inicio estaba resultando muy débil, fue hasta la mitad de su presentación cuando el set de la banda empezó a calentar... y por -calentar- me refiero a que finalmente tocaron los clásicos del álbum “Dummy”, porque estrictamente hablando la música de Portishead induce a asumir posición fetal en un rincón húmedo y oscuro más que a “calentarse”. Cuando uno asiste a un concierto del viejo Rock-Pop con un gran escenario, uno espera exuberancia, sorpresa, éxtasis, ¡locura y desparpajo!; ver a una Beth Gibbons, que siempre parece que le acaban de atropellar a su perro, ¡es contraindicativo! (si un Emo de 15 años es patético, una de 46 es... bueh).

Postishead – Mysterons, Corona Capital 2011

A esto me refiero con que Portishead sólo se aprecia debidamente en espacios mucho más pequeños e íntimos, que inviten a la reflexión y propicien una relación emocional entre el público y una banda que es indiscutiblemente gélida. La gente -se forzaba- a mostrar “prendidez” con las manifestaciones habituales (gritos, brincos, aullidos), pero a mi entender, “prenderse” en un concierto de Portishead es como una viuda coqueta en el velorio... no es correcto. Valga la sensibilería, pero Postishead es una banda más para escuchar y sentir, no para corear. A pesar de esto, las versiones presentadas, ligeramente up tempo y más ruidosas que las originales, hicieron lo posible para llenar el escenario.

El sonido de Postishead fue muy bueno; Gibbons, aunque no se movió ni se desencorvó en ningún momento, brindó una actuación excelente, con una voz con calidad de CD, también presentaron los mejores apoyos visuales, tanto que ni parecía una presentación genérica de festival sino un show montado ex-profeso. Con todo, fue un buen show y ojalá en un futuro regresen para vérseles en un foro adecuado a su vibra para disfrutarles en toda su dimensión.

Portishead - Roads, Corona Capital 2011.

Finalmente, el otro foro importante fue el Escenario Corona. Antes de las 4 de la tarde escaseaban los artistas interesantes, así que quise darle una oportunidad al -apenas tolerable- Pop de Ximena Zarigüeya... craso error. Estoy seguro que fue por mucho la participación más decepcionante del festival entero. La Ximena Zarandeada, conocida por su estilo de cantar como si acabara de sufrir una embolia, optó por promocionar sencillos de su anodino nuevo disco en inglés en vez de tocar sus módicos 2 hits. Peor aún, toco un miserable set de versiones extendidas, por lo que en 35 mezquinos minutos, sólo tocó 5 temas. ¡Terrible!, los organizadores deberían considerar el reembolso de unos MX$100 del boleto, correspondientes al tiempo invertido en ver a Ximena Saraguato.

En el mismo escenario se cerró el festival con The Strokes, quienes no son precisamente santo de mi devoción pero ofrecieron un muy buen show, tocaron una bastante decente colección de hits; no soy fan, pero identifiqué sus sencillos más conocidos, así que no hay mucho lugar para quejas. El sonido en este escenario no fue de lo mejor; haciendo cola para ver a Moby en el escenario de enfrente, se alcanzaba a escuchar a lo lejos el turbio ruido producido por Coheed & Cambria, pero The Strokes sonó más o menos aceptable.

The Strokes - You Only Live Once, Corona Capital 2011.

Su recital se detuvo casi recién empezado durante unos pocos minutos, debido a que 3 jovencitas sufrieron desmayos, no está claro si fue producto del cansancio, la emoción o los arrimones al frente del escenario, el incidente no pasó a mayores pero Julian Casablancas notó el desbarajuste y civilizadamente hizo una pausa y un llamado al orden hasta confirmar que todo volvió a la normalidad. The Strokes tocó por casi 90 minutos y al finalizar la última canción se fueron como empleadas domésticas sin siquiera decir adiós, como si se les hiciera tarde para abordar el último metro de media noche.
Dado que Portishead terminó su set alrededor de las 21:45 y The Strokes empezó un poco tarde, hubo tiempo de sobra para el último peregrinaje de la noche entre los escenarios más lejanos. En el camino se podía ver cómo muchos fieles habían abandonado la causa producto del agotamiento, algunos de cualquier forma ya no estaban en condiciones de caminar derecho, no digamos de seguir “rockeando”.

Y sin más, me voy estilo Strokes.

1984: El Año que Orwell Desatinó. (parte 2)

2011-10-14T07:00:00.000-05:00

*Ir a: 1984: El año que... (parte 1)

La Guerra Fría aún vivía momentos álgidos, aunque el miedo real a un apocalipsis nuclear empezaba a aplacarse, aún existía la sensación latente de que en cualquier momento alguien podía -apretar el botón- y mandar todo a la mierda prematuramente (al final eso ocurrió de todas forma en 1998 y sin necesidad de holocausto nuclear).
Por otro lado, aún se veía factible que en un hipotético y lejano año 2001 los autos circularían por los cielos, que las celdas solares presentes en las calculadoras dieran energía a nuestras casas, que la robótica nos haría libres y felices, que tendríamos las primeras colonias lunares y que en México “los jóvenes” finalmente tendríamos las pelotas de hacer lo que nuestros cobardes padres no quisieron hacer: ¡democratizar al país y llevarlo a una nueva etapa de prosperidad y libertad!. Y bueno, al final sí terminamos consiguiendo eso último pero... también acabó reventándonos en la cara. Luego, ¿cómo no quieren que uno se vuelva cínico?.

Los ochenta, patrocinado por el eje Londres-Washington, fueron la década del así llamado "Auge Conservador", sin embargo, dentro de la -subcultura popular- (valga la contradicción), había una juventud ávida de manifestarse y desgarrar la hipocresía y el conformismo imperante.

*Este tema fue fundamental en la musicología de la generación que ya se estaba gestando. Puede ser muy cuestionable desde muchos puntos de vista (no deja de ser un obvio ejemplo del llamado Hair-Metal), pero es incuestionable que cumple con llevar el mensaje de lo que el Rock solía significar: ¡Insurrección!. Cuando de niño uno escuchaba esto, sabía que de grande querría ser un rebelde... desde luego, no sabíamos lo que un "rebelde" debía hacer o contra qué exactamente había que rebelarse, pero al menos la semilla revolucionaria estaba plantada.

Hoy día al escuchar algo de Indie, provoca salir a comprar un latte al Starbucks. No es ninguna casualidad que convivamos con la generación más apática y menos influyente en la historia.

Twisted Sister – We're Not Gonna Take It

Afortunadamente en el año '84, por lo menos en materia de cultura-pop, la cosa pintaba brillante.

Los eventos musicales de 1984:

A pesar del veto de BBC por el contenido homoerótico en “Relax”, de Frankie Goes to Hollywood, el sencillo alcanzó un prolongado #1.

Por un accidente eléctrico, Michael Jackson se hizo un über-permanente involuntario al filmar un comercial de Pepsi, sufriendo serias quemaduras de cuero cabelludo (y perdón por hacerlos pensar en el cuero cabelludo chamuscado de Jackson... tan escatológico entonces como ahora).

Marvin Gaye es asesinado por su propio padre, un ministro religioso... y no hubo “sexual healing” para el buen Marvin.

*Mucho de la visualmente lacerante estética posmodernista del '84 está presente en este video.

Murray Head – One Night in Bangkok

La Dama de Hierro y la Cortina de Hierro se unieron, Iron Maiden llevó la primera producción completa de una banda de Rock occidental a Europa del Este, visitaron Polonia, Yugoslavia y Hungría.

Nace el canal canadiense de videos MuchMusic (actualmente mucho menos ignominioso que MTV).

David Lee Roth se separa de Van Halen, empezando una patética saga de dimes y diretes entre viejas de lavadero que se prolonga hasta nuestros días.

*En los 80's el talento de Michael Jackson era tanto que se desparramaba hacia otros artistas (aunque debió haber ahorrado un poco para las décadas venideras). Este muchachito Rockwell fue protegido de Jacko y hasta colaboró con el excelente coro en este -"Thriller" de los pobres-.

Rockwell – Somebody's Watching Me

Se celebró la primera entrega de los MTV Video Music Awards.

El aún novedoso formato de Disco Compacto (1982) se empezó a hacer popular, gracias a la inauguración de la primera planta productora de CD's en Estados Unidos. Antes de esto los discos eran más costosos por ser importados desde Japón o Alemania Occidental.

Se grabó el sencillo “Do They Know is Christmas?”, de Band Aid, un colectivo organizado por Bob Geldof (Boomtown Rats) que incluía a docenas de músicos de Reino Unido con el objetivo de reunir fondos para las víctimas de hambruna en Etiopía. Y por cierto, en Etiopía sí sabían que era navidad, pero Santa no les llevaba regalos porque no comían bien. El año entrante serían imitados por los norteamericanos y más tarde por un combinado ibero-americano.

*Otro himno, en este caso uno que fue adoptado por minorías oprimidas. (Curioso ver el tremendo sufrimiento que le causó a Freddie Mercury tener que vestirse de mujer... ajá.). Este video fue vetado en MTV y se cuenta que cuando Mercury se presentó con este atuendo en el Rock in Rio de 1985 la audiencia le arrojó piedras (¿¡?!).

Queen – I Want To Break Free

Vince Neil, de Mötley Crüe sufre un accidente automovilístico manejando en estado de ebriedad, su acompañante Razzle, de la banda Hanoi Rocks fallece.

En otro accidente etílico, Rick Allen, baterista de Def Leppard, pierde el brazo izquierdo y 12 años más tarde se convierte en objeto de burla gratuita por la irrelevante pero temporalmente popular banda de pachecos Bloodhound Gang.

Debutó Bon Jovi, con su álbum homónimo y... aunque desde entonces ya era una banda para niñas, antes lo disimulaban muy bien.

* Aunque a la larga se convirtió en parte del soundtrack oficial para teiboleras sureñas, en 1984 se consideraba parte del espíritu festivo y despreocupado característico de la época... además, era muy sexy, ¡maldición!.

ZZ Top – Legs

A continuación, los sencillos que fueron bendecidos por la revista Billboard y llegaron al #1 en orden cronológico durante el año:

"Owner Of A Lonely Heart" Yes
"Karma Chameleon" Culture Club
"Jump" Van Halen
"Footloose" Kenny Loggins
"Against All Odds (Take A Look At Me Now)" Phil Collins
"Hello" Lionel Richie
"Let's Hear It For The Boy" Deniece Williams
"Time After Time" Cyndi Lauper
"The Reflex" Duran Duran

"When Doves Cry" Prince
"Ghostbusters" Ray Parker, Jr.
"What's Love Got To Do With It" Tina Turner
"Missing You" John Waite
"Let's Go Crazy" Prince and The Revolution
"I Just Called To Say I Love You" Stevie Wonder
"Caribbean Queen (No More Love On The Run)" Billy Ocean
"Wake Me Up Before You Go-Go" Wham!
"Out Of Touch" Hall & Oates, y
"Like A Virgin" Madonna, el sencillo más popular del año.

Y aparentemente el listado anterior no es mucho más impresionante que el de cualquier otro año vecino de 1984, pero esto era ¡solamente la punta de la lanza!. En el '84 era más fácil ingresar a la UNAM que sobresalir en las listas, hubo una inusual cantidad de hits como nunca se ha vuelto a ver; no había lista que pudiera contener tal número de éxitos. La siguiente lista incluye algunos que fueron discriminados del Top 10:

“Relax”, Frankie Goes To Hollywood (de 1984 aunque llegó a las listas en E.U. hasta 1985)
"99 Luftballons" Nena (de 1983, pero lanzado en 1984 en Inglaterra y E.U.)
“Jump” y “Panama” Van Halen
“We're not Gonna Take It” Twisted Sister
“I Want to Know What Love Is” Foreigner
"Drive" The Cars
“Shout” Tears for Fears (lanzado a finales de '84, popular en '85)
"Talking In Your Sleep" The Romantics

“Pride (In the Name of Love)” de, ehjm... una banda que en Rock+noRock no mencionamos
"Dancing In The Dark" Bruce Springsteen
“One Night in Bangkok” Murray Head
“Heaven”, “Somebody” y “Summer of '69” Bryan Adams
“Smooth Operator” Sade
"Girls Just Want To Have Fun" y “She Bop” Cyndi Lauper
"I Want To Break Free" y “Radio Gaga” Queen
"Borderline" y “Lucky Star” Madonna (del álbum homónimo de 1983, lanzados en 1984)

“Boys of Summer” Don Henley
“I Melt With You” Modern English
“Dancing With Tears in My Eyes” Ultravox
“Dance Hall Days” Wang Chung
"Sunglasses At Night" Corey Hart
"Here Comes The Rain Again" Eurythmics
"Head Over Heels" The Go-Gos
“Invisible” y “All Cried Out” Alison Moyet
"Cruel Summer" Bananarama
“Rock You Like a Hurricane” The Scorpions

"New Moon On Monday" Duran Duran
"Careless Whisper" George Michael
“The More you Live, the More You Love” A Flock of Seagulls
“We Belong” Pat Benatar
“It's My Life” Talk Talk
"Freedom" Wham!
"Self Control" Laura Branigan
"Hold Me Now" y “Doctor, Dorctor!” Thompson Twins
"Somebody's Watching Me" Rockwell
"Oh Sherrie" Steve Perry
“Purple Rain” Prince & The Revolution

"Sister Christian" Night Ranger
“Rebel Yell” y "Eyes Without A Face" Billy Idol
"The Warrior" Scandal con Patty Smyth
"I Want A New Drug" Huey Lewis & The News
"Legs" ZZ Top
"I'm So Excited" Pointer Sisters (original de 1982, re-lanzado con mayor éxito en 1984)
"Thriller" Michael Jackson (del álbum homónimo de 1983, lanzado en 1984)
"Dr. Beat" Miami Sound Machine
"Never Ending Story" Limahl

Y ésas serían tan sólo mis Top 50, pero la lista podía seguir por un buen rato. Si no todos los temas les son familiares, les recomiendo ampliamente que trate de re-conectar con estas raíces.
Si encuentran un año con más hits del Rock-Pop... viajen en el tiempo y quédense en el.

También es el año que marcó el debut discográfico de Red Hot Chilli Peppers, Alphaville, Nick Cave and the Bad Seeds, Run D.M.C., Dead Can Dance, Anthrax, Sade y Soda Stereo.

Mientras tanto en México, lo que Televisa y papá gobierno nos decían (o nos dejaban) que escucháramos eran cosas como “Querida”, de Juan Gabriel, “Palabra de Honor, con Luis Miguel, “Yo no te Pido la Luna”, de Daniela Romo y “Todo se derrumbó”, de Emmanuel. Sin comentarios.

Así concluye la revisión R+nR al año 1984; lo extrañamos... pero no lo queremos de vuelta.

1984: El Año que Orwell Desatinó. (parte 1)

2011-10-12T08:00:00.171-05:00

(o: ¡El mejor artículo en español de música en 1984!. Si encuentra uno mejor... léalo.)

Gracias a la Ciencia Ficción de George Orwell, 1984 fue probablemente el año más esperado desde los 50's. Afortunadamente habiendo llegado a la fecha marcada pudimos constatar que el presente no era tan malo como en la visión Orwelliana. Ya en 1984, gracias a Clarke/Kubrik, la siguiente fecha esperada con ansia sería el 2001, tristemente ésa fecha sí resultó muchísimo más decepcionante que la ficción.

Aquel año '84 fue sin duda muy excitante; desearía recordarlo y haberlo vivido con mayor intensidad, pero desgraciadamente no era mi tiempo para poder apreciarlo debidamente.
La primera mitad de los 80's fue muy emocionante porque las posibilidades aún parecían ilimitadas (o por lo menos eso parecía). Creímos que vivíamos una etapa crucial en la historia y que en cualquier momento reventaría en un cisma hacia una nueva era de iluminación. Al pensar en el futuro, uno lo veía brillante y proveedor de una cosa buena tras otra.

*Durante 1984, los niños nos tuvimos que reventar este... curioso video, justo antes de iniciar la barra de caricaturas con Rogelio Moreno en canal 5, que en ese año -creo- que ya era “La Huella”. A veces había más suerte y nos tocaba un compendio de animaciones abstractas con “Part Time Lover”, de Stevie Wonder o “I'm So Excited”, de The Pointer Sisters.

Paul McCartney - We All Stand Together

Una gran cantidad de hitos históricos ocurrieron en 1984: La pandemia originada por el SIDA finalmente fue reconocida por el gobierno norteamericano y el virus VIH fue aislado para estudio, se iniciaron las primeras pruebas para entender el ADN humano, una Olimpiada boicoteada por el bloque soviético, el asesinato de Indira Gandhi. En México asesinaron al influyente y popular periodista Manuel Buendía y estallaron las gaseras de PEMEX en San Juan Ixhuapetep (San Juanico), dejando 600 cuerpos carbonizados.

Bajándonos de la máquina del tiempo:

El 1984 fue uno de los años más importantes en la historia del Rock y la Cultura Pop. Como año individual terminó definiendo la década entera, a pesar que no se inició ningún movimiento musical o cultural que fuese considerado novedoso o llamativo, por ello no se le otorga el mismo rango del 1964: Año de la Invasión Británica; el 1977: Año de la Revolución Punk o el 1991: Año de la Reforma Alternativa. Y después de esto ya no pasa mucho, sólo queda el 1998: Año en que todo se fue a la mierda y el 2008: Año en que todo se fue a la mierda... de nuevo.

*Un video que contiene los pilares fundamentales del Glam-Rock ochentero: los riffs de guitarra más pegajosos en la historia, bailes amanerados, chicas fáciles con minifalda, pantaloncillos stretch de cirquero gay, melenas tiesas de fijador, comportamiento errático y... colgar del escenario como piñata

Van Halen - Panama

1984 no es un hito por haber alumbrado un solo gran evento, pero sí lo es por atestiguar una cantidad de pequeños eventos: El predominio del New Wave y el establecimiento del electro-pop, la (pequeña) segunda invasión Británica, el video musical llegó para quedarse, el año más grande para el soundtrack, el inicio de la caída del disco de vinil.

En el cine abundaron algunos de los más grandes hits de la década: Cazafantasmas, Gremlins, La Historia Sin Fin, Terminator, Un Detective Suelto en Hollywood, Amadeus, Karate Kid y Pesadilla en la Calle del Infierno.
No era nuevo que la banda sonora de una película trascendiera hasta lo alto de las listas de popularidad, el excelente soundtrack de “Flashdance” lo había conseguido en 1983, pero fue en 1984 cuando el mercado del soundtrack realmente se estableció. Los mejores del año son algunos de los más relevantes de todos los tiempos...

“This Is Spinal Tap”, del falso documental, “Purple Rain”, egocéntrica obra de Prince, quien también protagoniza la cinta, el clásico “Footloose”, próximo a ser despedazado en un re-make que seguramente será malísimo.
“Beverly Hills Cop”, que gracias a Axel F probablemente inspiró a miles de futuros tecladistas, “Ghostbusters”, que tiene el sencillo directamente asociado a una película más popular en la historia, "Woman In Red", lanzado casi en su totalidad por Stevie Wonder e incluyendo el himno de acosadores melosos: "I Just Call To Say I Love You", “Miami Vice”, que es una audio-máquina del tiempo para transportarse a los '80, la ópera adolescente “Sixteen Candles”, y el excelente y poco apreciado “Electric Dreams”, recientemente revisado por R+nR.

Purple Rain - Prince

Algunos de los álbumes más importantes del año fueron el yuppie Rock-Pop “Sports”, de Huey Lewis and the News, el segundo y más relevante disco de Madonna, “Like a Virgin”, el Paleo-BritPop homónimo de The Smiths, “Born in the U.S.A.”, de Bruce Springsteen, “1984” de Van Halen, “Private Dancer”, el regreso de Tina Turner, “Building the Perfect Beast”, de Don Henley; y estos son sólo la punta del iceberg.

Los dejo con "El Jefe" y sus soporíferos pasitos de baile a la Eduardo Capetillo (lo cual es perfectamente aceptable puesto que, los hombres de verdad ¡no bailan!); con un curioso cameo de Courtneney Cox.

Bruce Springsteen - Dancing In The Dark

1984 fue el año que vio nacer a varias bandas importantes, como Soundgarden, que pasó casi 10 años picando piedra antes de alcanzar la fama. The Stone Roses, la banda más influyente para definir el sonido del futuro Brit-Pop. Además, Simply Red, The Outfield, Modern Talking, Fine Young Cannibals, Sepultura, Gwar, Primus y Deep Purple, que se reformó este año.

Mañana concluye este artículo pero antes, para que se den un atascón de nostalgia:

*Ir a "1984: El Año que Orwell Desatinó, parte 2".

Comerciales de México en 1984.

In Memoriam. Steve Jobs

2011-10-06T01:30:00.000-05:00

Frenología del Hipster

2011-09-30T08:00:00.002-05:00

*Frenología: Pseudo-ciencia del siglo XVIII según la cual las facultades psíquicas están localizadas en zonas precisas del cerebro y en correspondencia con relieves y forma del cráneo. El examen de estos permitiría reconocer el carácter y aptitudes de la persona.

Soundtrack: Electric Dreams

2011-09-28T08:00:00.103-05:00

La explotación de la banda sonora en las películas existe desde los anales del cine, pero fue a partir de los años setenta que esta sub-industria cobró auge y comenzó a brillar con luz propia. El soundtrack dejó de ser un producto secundario del cine y fue aceptado como un valor independiente.

Durante la década de los setenta, y hasta los noventa, hubo películas con bandas sonoras memorables (después, para el nuevo milenio, todo en la cultura popular se fue a la mierda). Muchas veces la película era infame, pero la banda sonora fue genial. Muy pocas tenían material totalmente original o inédito, pero por lo menos casi todas tenían temas contemporáneos. Pequeñas máquinas del tiempo que capturaron el espíritu de una época y que muchas veces no reciben el reconocimiento merecido.

La definición Rock+noRock de un buen Soundtrack es: Aquel que no necesariamente está compuesto por música escrita ex-profeso para la cinta, pero que sí ayuda a definir el filme y darle un carácter particular; aquellos donde la música juegue un papel preponderante.
Sólo consideramos Soundtracks, es decir, las canciones incluidas en alguna parte del filme, en anteposición al así llamado Original Music Score, que es la pista de acompañamiento de la cinta (generalmente instrumental), y que generalmente es buena para arrullarse.

Es importante en este punto recordar esos viejos soundtracks, pues son prácticamente un arte perdido. Después del año 2000 (aprox.) es muy difícil encontrar buenos exponentes, y desde luego, los pocos disponibles, lo son porque contienen música de años pasados. Ante la carencia de una cultura-pop suficientemente vasta, se ha tenido que recurrir al revival.

Yo soy de la idea de que estamos a buen tiempo de ejercer el arte del recuerdo porque, acuérdense de mí, dentro de 10 o 15 años, cuando intentemos recordar los años actuales, lo único que vamos a encontrar será un vano insignificante y confuso de unos años que no le aportaron nada a nadie... a menos que cuenten al reggaetón como aporte, yo diría que mejor nos apegáramos al soundtrack.

Como primera entrada escogí un favorito personal:

Electric Dreams.

Esta película de 1984 (uno de los mejores años en la música), recibió en español el funesto nombre de: “Eddy, la Computadora Enamorada”. En México su proyección fue muy exclusiva, no es que se considerara “Cine de arte”, pero sí se exhibió exclusivamente en cines pulguientos de suelo pegajoso.
Fue una película bastante boba, protagonizada por el Don nadie, Lenny Von Dohlen y Virginia Madsen, quien con los años logró algo de reconocimiento y sobrevivió lo suficiente para convertirse en MILF. La dirigió Steve Barron, excelente director de videos musicales a quien, si en 1984 le hubieran dicho que Electric Dreams sería su momento más fino como cineasta, probablemente se hubiera retirado. Se le conoce mejor por sendo par de churros: Las Tortugas Ninja, la película, y los insufribles Coneheads.

Electric Dreams es una variante rosa de la vieja escuela cyberpunketa de computadoras auto-conscientes convertidas en psicópatas.

Sinopsis: Un torpe arquitecto compra una computadora que cobra vida tras un accidente etílico y en un inesperado giro telenovelero, ambos terminan compitiendo por el amor la la misma mujer. No, sí leyó bien, la PC bajándole la novia al protagonista. Uno pensaría que esto fue demasiado, pero entonces uno recuerda “La Generación de Proteo” (Devil Seed, 1977), donde -una casa inteligente- ataca sexualmente al ama de casa desesperada que la habita. No se puede caer más bajo.
Por lo ya mencionado, si pueden rebajar la racionalidad al mínimo por unos 90 minutos, Electric Dreams es una historia de amor más o menos potable con la que muchos se pueden identificar, y sí, tiene algunas escenas cómicas memorables.
A pesar de todo, “Eddy, la Computadora Enamorada”es importante porque es una semblanza paradigmática de la estética de la época. En Rock+noRock la consideramos como un mini-clásico de culto y una influencia personal muy importante. Además es un tierno ejemplo de inocencia y optimismo ochentero, cuando pensábamos que para el 2010 las computadoras ya estarían resolviendo nuestras vidas, cuando la realidad es que seguimos batallando para que cumplan con lo mínimo que están destinadas a hacer.

Ahora sí, pasamos a la música.

Si cierran los ojos, las vocales profundas y ligeramente roñosas recuerdan a las de Tina Turner (o las de Alejandra Guzmán, ya si quieren ser ojetes). Si esta casi perfecta canción pop hubiera sido de la morena piernuda, habría sido un hit, pero como la desconocida Helen Terry se parece más a John Travolta en Hairspray, bueno... los ochenta no perdonaban la grasa corporal.

Helen Terry- Now You're Mine

Jeff Lynne es un sujeto que por su cuenta no hizo mucho, pero colaboró con varios grandes durante los ochenta. Este video recrea vívidamente el estilo bobalicón de muy a principios de ésa década. Sin mencionar el video, aparentemente dirigido por Viruta y Capulina... ¡terrible!

Jeff Lynne- Video

A continuación, dos de las que probablemente sean dos de las mejores y menos apreciadas canciones de Culture Club.
Dentro de lo malo de la trama y lo absurdo de Electric Dreams, hay que reconocer que tenía algunos detalles que estaban muy adelantados a su tiempo, como este excelente clip a manera de video musical que fue insertado en medio de la película y que ya lo hubiera querido MTV. ¡Genial!.

Culture Club- The Dream

Otro bonito ejemplo de esa filmografía como de video de MTV en la película es esta secuencia, que es un fragmento original no un video individual. Preciosa canción que captura desde el principio y una letra que pide a gritos ser dedicada.

Culture Club- Love is Love

Un himno ochentero de Phil Oakey (de Human League) y el genio Giorgio Moroder. Se trata de un video que bien sirve como trailer. Esta secuencia es la clásica gringada hollywoodense con espíritu uplifting pero, no se puede negar que funciona.

Phil Oakey & Giorgio Moroder- Together in Electric Dreams

Y de postre, una de las más curiosas escenas. "Eddy" coqueteando con la protagonista.

Giorgio Moroder- The Duel

MixTape-Robert Palmer

2011-09-26T08:00:00.037-05:00

Con Robert Palmer.

Algunos somos, digamos, verbalmente rústicos cuando de expresar emociones se refiere. Si es su caso, esta sección lo puede sacar de apuros.

Robert Palmer es una especie de Anti- José José. El Príncipe de la Canción es especialista en comunicar el mensaje: “Todas las viejas me han visto la cara de Pe...ñanietista y por eso me tiré a la bebida”. Robert Palmer, a quien no le va mucho mejor puesto que está muerto, ofrecía un mensaje más pro-activo: “Vamos a darle, que la vida es corta” y, dirán lo que quieran, pero el hombre era sabio... o clarividente.

Robert Allen Palmer (1949-2003), es el artista certificado con los más exitosos “Himnos de Arrimón”. Conocido a mediados de los ochenta como uno de los más grandes y elegantes vendedores de Pepsi. Aportó un consistente soundtrack para adictos al sexo, en un tiempo claro, mucho más inocente en el que aún no existía tal concepto de "adicción sexual". También se anotó un par de clásicos del video, presentando indiferentes modelos que, podían haber estado mucho mejor (varias de ellas bizcas... por alguna razón).

Robert Palmer Dice: “¡Te deseo!”

1.- Hágale saber que -arde en deseos de verla-. Sí, se sorprenderá viendo que responde mejor a la cursilería que al argumento y al silogismo.

Robert Palmer- Bad Case of Loving You (Doctor, Doctor).

2.- Mencione que pensar en ella produce fuego en sus pantalones.

Robert Palmer- Simply Irresistible

3.- Si todo lo anterior falla, recurra a la lástima del enfermo.

Robert Palmer- Addicted to Love

Si el estilo cachondo y ligeramente rockabilero de Palmer no los pone como burro en primavera en busca de la alcoba, señores, chéquense porque probablemente estén muertos en vida... o probablemente sean hipsters.

Los Expedientes Rock+noRock

2011-09-23T08:00:00.168-05:00

Esta sección tenía el potencial de ser muy interesante pero, por razones ajenas a Rock+noRock, posiblemente ya no lo sea tanto.

El capítulo de Los Simpson de 1995, "La Boda de Lisa", es conocido por haber antcipado varios eventos que terminaron siendo realidad en 2010. El más improbable e hilarante es el que aparece en el póster, arriba a la izquierda.

Todos nos hemos preguntado “¿qué habrá pasado con aquella banda que me gustaba tanto?”. Las elucubraciones se prestan para el morbo: ¿La vocalista acabó de teibolera en un bar de vaqueros en Oklahoma City?, ¿El “liro” murió por sobredosis?, ¿El bataco terminó vendiendo Amway?, ¿El del bajo anda dando lástima en reality shows para celebridades de tercera?... y otras por el estilo.

Desgraciadamente la realidad es mucho menos glamorosa que la especulación. Anteriormente los artistas cumplían un ciclo regular de nacimiento-auge-caída y generalmente acababan sus días con (algo de) dignidad. Ese ciclo ha mutado hacia algo más del tipo: nacimiento-auge-caída-separación porque los miembros ya no se soportan y/o su estilo ya no es popular-reunión porque se les acabó el dinero para pisto y/o drogas y quieren revivir viejas glorias. Esto quiere decir que en los últimos años, un montón de bandas de décadas anteriores se han reunido, como han podido (algunas de ellas con menos del 50% de los integrantes originales) y se han lanzado a giras mundiales para el perenne, aunque segundón, circuito de nostálgicos; siguiendo el ejemplo de Los Rebeldes del Ritmo o Los Hermanos Carrión.

Si preguntan por el paradero de todas esas bandas de los noventa, ochenta y anteriores, de las que no han oído hablar en 15 años, uno fácilmente (y con razón), podría asegurar que se disolvieron hace mucho. Se sorprenderían de saber que actualmente muchas de ellas están en, ejhm, “activo”. De hecho, no es estrictamente relacionado a éste artículo pero, mientras escribo esto alcancé de chiripa el video del nuevo sencillo de Red Hot Chilli Peppers, “The Adventures of Rain Dance Maggie”, la cosa más triste y mediocre que les haya escuchado de por vida. Desde luego los Peppers nunca se separaron, pero son un buen ejemplo de cómo una banda insiste en estar, sólo por estar.

Esto es consecuencia de un grave defecto en la cultura popular de los últimos 10 años y que constantemente mencionamos aquí en Rock+noRock: Es muy evidente que hay un gran hueco en el lugar que antes solía ocupar el Rock. Como el Indie quedó muy lejos de llenar esos zapatos, algunos han visto la oportunidad de repetir una pequeña rebanada del pastel... de la fiesta pasada.

En conclusión, lo que se antojaba como una interesante pregunta con infinitas posibilidades y resultados incendiarios: ¿En dónde quedó -aquella- banda?, termina teniendo la misma aburrida respuesta: “Pues por ahí anda... como perro sin dueño”.

Y a todo esto:

Y... ¿Dónde quedó Garbage?

Garbage fue probablemente una de las 5 bandas o artistas más consistentes como hacedores de hits durante los noventa; sin embargo hoy día son sub-apreciados y poco recordados. Por alguna razón que escapa a mi entender, los fanáticos se alinearon con bandas contemporáneas como Smashing Pumpkins, Radiohead, The Cranberries o Björk y dejaron desarropado a Garbage, que actualmente tiene muy poco movimiento en redes sociales. Ni siquiera tiene una página de Facebook o un grupo en Last.fm de fans nacionales.

Una cosa que he de admirarle a Garbage, es que su música ha envejecido muy bien. Es de las muy pocas bandas noventeras que puedo escuchar sin que empiece a sentir artritis y otros síntomas de envejecimiento.

Garbage es fundamentalmente: La voz y reina del minivestido, Shirley Manson, y Butch Vig, quien por si mismo ayudó a definir los noventa siendo productor de varios álbumes emblemáticos como Nevermind (Nirvana), Gish y Siamese Dream (Smashing Pumpkins), entre otros y por supuesto, todos los de Garbage.

Ahora, uno pensaría que el sonido de Garbage fue manufacturado a la medida por el genio Vig, pero en realidad si escuchan a la ex-banda de Shirley Manson, Angelfish, se darán cuenta que ya tenía el sonido Garbage desde mucho antes.

Angelfish- Suffocate Me.

El primer álbum de Garbage, homónimo, de 1995, fue excelente. Ni mandado hacer para mediados de los noventa. El estilo, la imagen y el sonido eran novedosos y embonaba perfectamente en los años post-grunge. Era sexy, sofisticado y travieso, pero también un poco renegado; ¡todo lo que un joven necesita para crecer sano y fuerte!.

Desde luego también tenía su dosis de angustia adolescente y pesimismo, motivos que son perfectamente plasmados en “Only Happy When It Rains”.

Garbage- “Only Happy When It Rains”

Oh sí, recuerdo haberle dedicado -algunas- a Shirley Manson pensando en este video en particular. Shirley Manson era en esa época el arquetipo de novia “alternativa”; muy sexy, sí, pero también podía sacarte un ojo y meterte media Dr. Martens en el trasero si la agarrabas de malas.

Un hecho poco conocido, es que los integrantes de Garbage nunca estuvieron de acuerdo en que se les considerara una banda “alternativa”. No se puede culpar al mundo por esto, después de todo, a mediados de los noventa cualquier cosa con guitarras, ropa raída o mala actitud se le consideraba “alternativa” por default. Los de Garbage hubieran preferido que se les considerara en el estilo Sci-Fi Pop; cosa que evidentemente nunca pegó.

El segundo álbum, “Versión 2.0” (1998), fue menos tirado a lo “alternativo” y más dado al Pop-Rock, pero aún, de escucha muy placentera y con una docena de sencillos que, a mi parecer, no recibieron la atención merecida. La banda decidió darle prioridad a los sencillos más comerciales y no tan interesantes, pero debajo de ellos había un racimo de perfectas canciones pop que prácticamente no alcanzaron a ver la luz, como Temptation Waits, Medication, The Trick is to Keep Breathing, You Look So Fine. ¡Excelente y poco reconocido álbum!.

Garbage- Temptation Waits (Fan Video) .

Entre producciones se dieron tiempo para grabar un par de temas exclusivos para película, #1 Crush, para "Romeo+Juliette" (1996), excelente, y The World is not Enough, de la saga Bond (1999), regularcita.

En 2001 editaron "Beautiful Garbage", no tan brillante como los anteriores y de nuevo, dando un paso más hacia el Pop simple, pero seguía siendo bastante bueno en general; aunque inexplicablemente tuvo muy limitado éxito comercial. Contribuyó seguramente el hecho de que a la Manson le dio en esa etapa por un look alienígena que no le vino nada bien.

Por ello, les dejo otro video del álbum anterior que, desde luego, me hizo dedicarle -otra- a Shirley, con su minivestido y calzones de bolitas... como el de “la patita” que va al mercado.

Garbage- I Think I'm Paranoid.

Lo último que supimos de Garbage fue en 2005, con “Bleed Like Me”. La banda ya daba visos de andar muy desorientada desde el disco anterior. Y es que, verán, el problema de apostarlo todo al Pop, es que se corre un mayor riesgo de terminar haciendo música monótona y ordinaria. Cabe decir, que éste disco de Garbage era bastante Indie, si me permiten el comentario sarcástico: tenía 2 o 3 hits pequeñitos, sin mucho carácter y el resto era para ignorarse. ¡Aunque los videos son de un sensual casi profano!, la mejor Shirley Manson de la historia.

Garbage- Breaking Up The Girl.

Y aquí es donde digo que esta sección podría haber sido mucho mejor. Hubiera sido más interesante comentar que Shirley Manson se convirtió en actriz y que participó en la saga de culto de ciencia ficción: “Terminator: the Sarah Connor Chronicles” haciendo de robot malvado (hecho verídico). Y que Butch Vig se tiro a la depre y no produjo nada desde su años en Garbage (especulación)... pero en vez de ese clímax, el cierre se vuelve muy ordinario.

Sí, Garbage está a punto de lanzar nuevo material, aún sin título, para Octubre. No es que tenga dotes de profeta, pero si nos apegamos a la evidencia, seguramente el disco será una gran decepción, igual que toda esa epidemia de “regresos” lastimeros. La razón es triste pero contundente: los artistas, salvo muy contados casos, también tienen fecha de caducidad.

#1 Crush y los videos más sexies e impopulares de Garbage, Why Do You Love Me y Sex Is Not the Enemy, en el Canal de Videos Rock+noRock.

Apología Rock+noRock, vol. 1

2011-09-19T08:00:00.002-05:00

“... Y sin embargo, se mueve”- Galileo Galilei

El hombre sabio, el investigador acucioso y el obsesivo compulsivo acostumbran revisar los pasos andados para cerciorarse que no dejaron cabos sueltos en el camino. Ustedes juzgarán en qué categoría caigo; yo... voy por un poco de los tres.

Lo que leerán a continuación no es un artículo R+nR, esto es Rock+noRock Redux (sí, me vale, llevo dos años queriendo utilizar apropiadamente la palabra redux en una oración).

Arcade Fire

En 2004 todos los medios, indie y no-indie, declararon unánimamente a esta banda como la mejor cosa desde la vacuna contra la polio. En sus primeros años, Arcade Fire, de origen quebequense, parecía estar compuesta por un grupo de menonitas renegados y virados a hipsters. Desde entonces se han sofisticado un poco, a grado de parecer una suerte de Blondie vagamente emo. Siendo menos majadero, diría que me recuerda a los entrañables aunque actualmente poco reconocidos Cocteau Twins (por lo menos las partes lideradas por Régine Chassagne, co-vocalista).

Antes de continuar, un par de precisiones:
1.- Quiero empezar diciendo que -técnicamente-, nunca declaré que Arcade Fire apestaba.
2.- Aunque inicialmente esta banda fue adoptada e idolatrada universalmente por hipsters, hay que decir que esto fue completamente accidental (o tal vez, una entre un millón, la hipsteriza le atinó); Arcade Fire no es, repito, no es una banda hipsterienta de las que tanto despotricamos aquí. Por el contrario, creo que es de las muy pocas bandas que se podrán recordar de esta década tan árida que nos ha tocado ver pasar.

Cabía en mi la suspicacia, después de todo, esta banda fue glorificada en innumerables ocasiones por la misma bola de imbéciles que suelen glorificar “la nueva cosa indie del día”, así que guardé prudencia.

Uno de mis motivos para ser suspicaz es, que su primer álbum se titula “Funeral” y, ¡en serio!, ¿quién le pone a un álbum “Funeral”?, es aceptable si se trata de una banda de metal gótico o darkwave/etéreo, pero en cualquier otro caso suena sospechosamente pretencioso y bastante emo; ¡en verdad!. Después, uno se entera que el título se debe a que durante la grabación del disco, los integrantes sufrieron la pérdida de varios seres queridos, y entonces uno se siente un poco cretino por haber pensado mal.

Mi otro motivo para sospechar era que, al bote-pronto, Arcade Fire me recordaba mucho a Sigur Rós, y el problema con Sigur Rós es, árdale a quien le arda, que es una banda con una sola canción, “Hoppípolla”, que es increíblemente bella, pero el resto de su música es más aburrida que el apio, sólo un hipster, más interesado en pretender que en la música, lo encontraría interesante (ya saben, del tipo “uh-uh, escucho rolas de 8 minutos de una banda sinfónica islandesa, soy -tan- original y sensible, ¡miren que intelectual, we!”). Es música linda, sí, pero después de dos tracks seguidos uno empieza a desear no haber nacido por el aburrimiento; aunque reconozco que es excelente para ir corriendo a la gente cuando la fiesta acabó.

“... Y mientras tanto, en el Salón de la Justicia”, o: Regresando de la divagación.

Bien. Arcade Fire NO ES puro oropel y nada de sustancia, por el contrario, son una banda bastante compleja y de ángulos contrastantes: solemne, sombría, incluso depresiva y dolorosa, sin embargo, también melodiosa, optimista e inocente. Pero no se confundan, definitivamente no es un grupo que quiera explotar el nicho de los idiotas adolescentes lastimeros y auto-flagelados de lágrima fácil, ¡no!. Esta banda logra exitosamente involucrarnos en una experiencia entrañable y a veces sobrecogedora; más cuando uno se pone a buscar el -verdadero- significado de sus letras, cosa que no recomiendo para nada. Cuando busqué la interpretación de “In the Backseat”, una de mis favoritas, terminé arropado hasta la cabeza y asumiendo posición fetal por dos días; lo más triste desde Remy (hint: no trata sobre faje)... así que, sugiero se apeguen sólo a las melodías.

Su primer LP, “Funeral”, es un “álbum concepto”; y quiero decir ¡uno verdadero!, no como los que suelen sacar algunas bandas para darse aires de grandeza, sólo porque ponen un puente abstracto en medio de todos los tracks. El “Funeral” en verdad cuenta una historia y parece haberse tejido como un todo desde el principio. -Es un disco excepcional y conmovedor-... y háganme caso en esto, porque no es algo que vayan a leer muy seguido por aquí.

Dejo a su consideración esta presentación en vivo de “In the Backseat”. En el performance, (min. 6:00) cuando la vocalista se desploma desvalida y es arropada por sus compañeros uno empieza a sentir que es demasiado barroco, cursi, muy tirado a lo emo, y es cierto, hasta que uno se entera que la canción habla sobre la muerte de la madre de Régine en un accidente de auto, y entonces uno empieza a sentir cómo la cara se le transforma en suela de zapato, cual dibujo animado.

Arcade Fire- In the Backseat

(Recuerdo que en esa secta donde accidentalmente caí, hicimos algo parecido, ¡caray!)

Algo completamente inusual en una bandita indie, es que su segundo álbum sea, si bien no tan bueno, por lo menos decente. Bueno, el “Neon Bible” va un poco más allá de lo decente. No tan brillante como el anterior, pero sigue siendo un muy buen álbum.

Desgraciadamente el tercero fue “el vencido”. “The Suburbs” (2010), es un poco decepcionante. Parece que conforme la banda fue sacando de forma artística su dolor, también perdió el dote fúnebre que la hacía tan especial. La banda muestra una cara mucho menos oscura; vaya, por lo menos verlos en vivo ya no induce al llanto.
Sin embargo, The Suburbs contiene Sprawl II (Mountains Beyond Mountains), una perfecta canción pop como poco se ha visto desde los '80. Adicionalmente se puede ver a Régine enseñando chamorrón y en actitud provocadora, en algo que sólo puede definirse como el periodo “Cindy Lauper Goes Amish”. En los dos videos presentados se puede apreciar la evolución antes/después, pasando de crónicas de velorio y elegías al recuerdo de sus años como mall-rats.

Arcade Fire- Sprawl II (Mountains Beyond Mountains)

Ahora, aquí viene la parte de la reivindicación. Hago énfasis en ésto porque implica una parte fundamental del concepto original y contenidos de este blog, y siento que nunca he podido expresar con suficiente elocuencia.

Caso específico: Es muy probable que si revisan redes sociales dedicadas a música, encuentren etiquetado a Arcade Fire como Hipster y hasta Emo. Bueno, personalmente no lo veo así pero eso es irrelevante, el punto es que, si así lo fuera, ¡está bien!.
La hipsteriza fantoche es conocida por repudiar bandas al momento que estas alcanzan éxito comercial o mediático. Considero que eso es estúpido. Los artistas y su música, mientras se mantengan honestos y humildes, deben ser valorados no importando la fama o notoriedad ganada. Perder la característica de “subterráneo” no demerita en ninguna medida la calidad del artista.

Verán, parafraseando a un poco exitoso ex-seleccionador nacional de amargo recuerdo, “lo que me quiebra las pelotas”... del estilo de vida y universo musical hipster, es que se apresura a la alabanza insensata de bandas mediocres que no valen la pena... pero cuando sí lo valen, se les debe reconocer.

Los hipsters son como el mercado accionario, ambos se basan en meras especulaciones y valores inventados; de igual forma, éstos no aprecian la música por su calidad, sino por el charolazo de lo “alternativo” que aparenten ser, su imagen y algunas otras frivolidades.

Bien, Arcade Fire no es una banda de moda, no es una banda , es una banda que ustedes de verdad deben conocer si les gusta la música pues, como ya mencioné, es de las muy pocas que con los años vamos a poder recordar; de lo muy, muy poco de bueno que nos dejó la década pasada.

Al principio mencioné que éste no es un artículo R+nR, pues Arcade Fire no necesita presentación y, aunque sin culpa de ello, forma parte del catálogo hipsteriento ya conocido que... es justamente de lo que NO se trata Rock+noRock.
Sin embargo, si alguien aún no les conoce, puedo asegurarles que se han perdido de una experiencia musical muy interesante.

Apéndices:

a) Si ya conocían a Arcade Fire, como es probable, sepan que cuenta con nuestro apoyo total. Si aún no lo conocen, bueno, les deseo que hayan regresado con bien del exilio o del búnker donde pasaron en confinamiento solitario la década anterior. Ahora que nos acompañan de nuevo en la civilización, puede empezar visitando esta banda.

b) Mi querella con esta fea situación de -lo hipster- es que, aparentemente se ha perdido el norte en la manera en que solíamos apreciar la música. Hoy día, una banda parece valer más por el bullicio tramado en las redes sociales o por el peinado de los integrantes que por la música que hacen.

El Rock de Señorita Cometa

2011-09-14T08:00:00.128-05:00

Bueno, hasta ahora mucho kiss-kiss y poco bang-bang en Rock+noRock

Informe R+nR

¿Qué escucharán los animalitos del bosque de las caricaturas de Disney cuando quieren rockear duro?, probablemente Asobi Seksu; con jarabe de maple en vez de whisky, esnifando polen en vez de cocaína y siestas grupales en vez de sexo casual; lo cual es muy irónico pues asobi sekkusu en japonés significa algo así como “sexo recreativo”, algo más cercano a su infame nombre original de 2001: Sportfuck.

Asobi Seksu- Thursday

Asobi Seksu se inscribe en el estilo Shoegaze, pero con una obvia referencia al Pop Japonés de los noventa, cosa que agradecemos porque le da un toque melódico y menos escandaloso.

Asobi Seksu- lions and Tigers

Su primer álbum, homónimo (2004), que parecía una de esas exquisitas curiosidades de mercado de pulgas, pues aparte de rescatar ese viejo estilo shoegazero, que se creía extinto desde los noventa, incluye algunos temas en japonés.

La obra cumbre de Asobi Seksu en sin duda su segundo álbum, Citrus (2006), que incluye los sencillos Strawberries, Thursday y Lions and Tigers; uno de los mejores del género, excelente para acompañar unas malteadas de vainilla bien cargadas.

Desde entonces, han sacado un par de álbumes más, que yo encuentro mucho menos atractivos después de haber cambiado su estilo característico para volverse más, en sus propias palabras, melosos... si es que eso es posible.

En fechas recientes se presentaron en Ciudad de México, un pequeño recital en el Caradura, un foro, a mi entender relativamente nuevo dedicado a la escena indie; aparentemente pasó sin pena ni gloria. Hubiera procedido tenerles un review previo al evento y no habiendo ya pasado pero... no se nos dio la gana.

Asobi Seksu- Strawberries

Dictamen R+nR

Asobi Seksu decidió modificar su idea original justo cuando tenían todo para despegar a las grandes ligas. A diferencia de cantidad de bandas indie, no es que hayan decaído, sólo quisieron ser algo diferente y, al parecer no son tan buenos en ello.

Escucha esta banda como remedio casero para la hipoglucemia. Pensar en ellos hace que vengan a mi mente imágenes de rubios y esponjosos hot cakes con extra mantequilla. El Shoegaze de Asobi Seksu no es -tan- empalagoso y sobresaturado como el original. Igual que un pasón de azúcar, brinda por breves momentos una sensación inmediata de bienestar y felicidad, muy bueno para iniciar el día.

Componentes de Asobi Seksu:

La (más o menos creíble) Leyenda Rock+noRock, dice que: Los que en su infancia vieron a la Señorita Cometa, muestran una marcada inclinación al Pop Japonés en su adultez.

Asobi Seksu- Me and Mary:

10 (+2) Razones para leer Rock+noRock

2011-09-12T08:51:00.004-05:00

1.- Rock+noRock es como la vecinita de a lado; está buena, pero no es una fácil.

2.- Creemos que la música no es un accesorio para hacernos ver “cool”.

3.- Rock+noRock no es un recalentado de las mismas notas aparecidas en otros medios y portales musicales establecidos. Rock+noRock es un esfuerzo libre y honesto de contenidos originales y no influenciado por las tendencias de moda.

4.- No hablamos sólo de las banditas -del día- que cacarea el esnobista Pitchfork Media.

5.- No nos enfocamos en un sólo grupo limitado de estilos, escenas o tiempo.

6.- En Rock+noRock somos fans de la buena música de toda era (hasta del Disco).

7.- Rock+noRock es genuinamente alternativo, subterráneo, independiente, desconocido y todas esas mamadas que le fascinan a la hipsteriza pretenciosa... cabe aclarar que somos así porque no tenemos otra opción.

8.- Apreciamos a los artistas por la música que hacen, no por cómo se ven, cuánto venden o qué tan de moda estén.

9.- Rock+noRock no es dirigido por una anónima e insensible corporación editorial que no demuestra interés por sus lectores, está dirigido por dos sujetos anónimos e insensibles que no demuestran interés por sus lectores.

10.- A diferencia de otros blogs, aquí jamás le faltaremos al respeto a nuestros lectores refiriéndonos a ellos como “banda”, “roqueros”, “raza” o cualquier otro mote anacrónico y arrabalero.

(+2).- Por último y más importante; para los que ya lo olvidaron o nunca lo supieron: Queremos recordarles que el Rock debe ser inspirador, emocionante, provocador, significativo, arriesgado, divertido, sexy, y que en el pasado como en la actualidad, hay suficiente buen Rock-Pop como para terminar escuchando la misma música mezquina y conformista.

Noticias Viejas

2011-09-05T08:00:00.052-05:00

Desde la última vez que este blog entro en... “hiato”, muchas cosas han pasado en el mundo de la música; casi todas malas, menciono las primeras que me vienen a la mente. Las primeras son lamentables, las últimas tres son simplemente patéticas.

La separación de Oasis: A mediados de los noventa desarrollé un raro síndrome que en la literatura médica se conoce como “Ceguera de Gallaguers”: incapacidad de poder distinguir entre Liam y Noel. Lo que sí sé, es que, tras el insulto final, uno de ellos (el del talento), decidió abandonar la banda. No es que la notica me entristezca particularmente, pues dejé de admirar su repetitivo estilo de “Beatles alternativos” poco tiempo después de adquirir este raro síndrome, y porque siendo honestos, para este 2011 Oasis llevaba más de 6 años haciendo música apenas buena para fondear películas ¡de Hugh Grant!, eso no es un final digno. A pesar de haber sobrevivido al milenio, se le sigue considerando una banda más bien noventera.

Desde entonces, el otro Gallaguer, el de la voz gastada, se asoció con los anónimos restos de la banda que alguna vez tuvo con su hermano, el talentoso, para formar Beady Eye, que es una especie de Oasis de lado B muy, pero muy deslavado.

No hay necesidad de drama, en cuanto a alguno de los dos se les acabe el dinero destinado a pisto, seguramente harán intentos por acercarse y reformar Oasis... la miseria es una insospechada buena consejera.

*Update: Como lo vaticinaba, en días recientes Noel Gallaguer está a punto de editar material con su nueva banda (probablemente de un solo hombre, como Oasis) High Flying Birds; veremos cómo le va. También mencionó que desde ya, hace preparativos para celebrar 20 años del lanzamiento de la joya de la corona “(What's the Story) Morning Glory” en 2015.

Mi primera reacción ante esto es: ¡a'su putamadre!, ¿tanto tiempo ha pasado ya?. Mi segunda reacción es: estando tan “caliente” la relación entre los Gallagher, el concierto deberá realizarse en dos arenas separadas por al menos 300 mts.

The White Stripes también se separa: Para Jack White trabajar con una gordibuena ex-esposa después de haber salido con Reneè Zelwegger, flaca (de complexión, no de oficio), era una fórmula garantizada para el fracaso. No es que sorprendiera a nadie esta separación; desde 2007 Jack White tuvo más proyectos individuales que novias, el más importante fue The Raconteurs.

No considero que The White Stripes haya sido tan importante, popular o influyente para la historia de la música, pero en mi opinión es muy relevante porque creo que se trata de la última genuina y verdadera banda de Rock. Lamentamos su extinción.

Muere Amy Winehouse: Quiero decir, que el cuerpo mortal de la Winehouse finalmente se unió a los restos de su carrera artística, que yacían apaciblemente en la morgue desde 2008.

No soy insensible a la pérdida humana, pero este deceso fue más una tragedia de medios que una tragedia para la música. Aunque, hay que reconocer que el tiempo fue excelente porque, en serio, esperábamos que esto sucediera en cualquier momento desde hace 3 años, pero casualmente terminó sucediendo justamente a tiempo para ser incluida en el exclusivo, aunque no envidiado, “club de los 27”, junto a Cobain, Morrison, Hendrix y Joplin, artistas que hicieron mucho más méritos que solo tener el tino de morirse a los 27 años.

A la Winehouse se le va a (probablemente) recordar por sólo 2 temas; los mismos que Alyson Moyet y... nadie se acuerda mucho de ella, ¿verdad?. Descanso mi caso.

Linkin Park no se separa: Así es, ésa es la desgracia. Y lo mismo sucede con varias boybands con guitarritas contemporáneas como Fall Out Boy, 30 Seconds to Mars, Sum 41, Panic at the Disco!, My Chemical Romance, Blink 182 (quienes ya disueltos tuvieron la desfachatez de volverse a reunir), Simple Plan, Green Day y muchos más que me son demasiados dolorosos para enlistar.

MTV cumplió 30 años: Que en mi opinión son 10 más de los que debió existir. Hoy día el negocio de de ese canal tiene muy poco que ver con la música, ¿y del Rock?, ¡jhmp, ya ni se acuerdan!. Desde hace unos 15 años MTV se ha dedicado a producir televisión basura; hoy día, preferiría arriesgarme a ser inoculado con un herpes agresivo, que ver los infames shows de realidad de la cadena. Lamentamos profundamente que MTV y sus banditas generadas por computadora (citadas en el párrafo anterior) no se hayan unido al “Club de los 27”.

Steven Tyler es juez en American Idol: Como si el Rock, o mejor dicho, -el recuerdo de lo que alguna vez conocimos como Rock- necesitara más desprestigio y humillación. Tyler se sumó a una larga lista de figuras referenciales del Rock que se anotaron en las filas de los shows televisivos para empleadas domésticas... sin ofender. La dignidad, oh, la dignidad.

Sin más por el momento y esperando contar con su amable atención; declaro oficialmente reinaugurado este blog.

Xtra: Entre un montón de noticias viejas, ¡una nueva!. Hoy, 5 de Septiembre es el aniversario de Freddie Mercury, quien, de no haber sido azotado por la tragedia, estaría cumpliendo 65 añotes. Esa sí, una pérdida muy lamentable.

Como parte de la celebración, los fans de Mercury lanzaron una encuesta para votar por la mejor letra en una canción de Queen; la ganadora fue "Don't Stop Me Now", por la frase "Don’t stop me now, I’m having such a good time, I’m having a ball". Concurso un poco bizarro, pero concuerdo totalmente con el resultado, esta es una canción verdaderamente inspiradora, de esas que siempre te hacen decir, "voy por el doblete"... ehm, en fin.

Felicidades para Freddie, quien desde 1991 anda bukkakeando ángeles... saben a qué me refiero.

*Nota del autor: No recuerdo que en Rock+noRock fuésemos tan prosáicos; ni que existiera el verbo bukkakear.

Uniéndose a la celebración, el "amo de las búsquedas" produjo este bonito doodle animado con estética de 8 bits y remembrando pasajes clásicos de la videografía de Queen, además con una narrativa netamente ochentera: el video mostrando -literalmente- lo que dice la letra.

Reinauguración Rock+noRock

2011-08-29T08:15:00.001-05:00

Hipsters, reggaetoneros y Scarlett O'Hara pudieron dormir tranquilos por unos meses, pero eso se acabó; ha regresado Rock+noRock.

Para esta nueva etapa vamos a experimentar con un nuevo estilo. No éramos muy populares antes de estas nuevas medidas así que, no es como que le cambiamos el sabor a la Coca-Cola

Para propios y extraños, se les recomienda darse una vuelta por el menú “Documentos”, donde se encuentra las transcripción de algunos pasajes de nuestro pergamino sagrado, conteniendo el Manifiesto de Rock+noRock y los 10 mandamientos Rock+noRock.

Como primera acción, revisé y afiné los artículos anteriores para cumplir con nuestro alto estándar moral. Algunas mentadas de madre contra ciertas bandas fueron retiradas por considerarse injustificadas (aunque debo decir que generalmente se sustituyeron con nuevas mentadas de madre); en cualquier caso, si antes este blog era moralmente incuestionable, hoy es más sólido que la biblia... pasando por alto alguna blasfemia ocasional.

Recapitulando; ante el vacío musical de la última década, Rock+noRock tiene el objetivo de proponer bandas relativamente nuevas (o al menos no tan viejas) de las que usted probablemente nunca oyó hablar.

En R+nR creemos que musicalmente el humano moderadamente racional tienen dos caminos a elegir: vivir de las glorias musicales de décadas pasadas, ergo envejecer; o mantenerse vigente con el estilo actual. En apariencia la elección es muy simple, hasta que uno se da cuenta que ¡el estilo actual apesta!.

Recurrir al catálogo noventero de bandas alternativas me provoca reumas, cataratas, endurecimiento de articulaciones y otros síntomas asociados a la vejez; creo que experimento el mismo sentimiento que los chiflados republicanos del Tea Party: nostalgia por una época que ya no existe. Por otro lado, el llamado a ser el heredero del “alternativo”, aquel espejismo conocido por algunos como Indie Rock, cada día es más débil y aburrido.

El panorama es desalentador; pero hay opciones, de eso trata Rock+noRock.

Re-saludos y Re-bienvenidos a esta Reinauguración... la tercera de que tenemos memoria.

Reinauguración Rock+noRock

2011-08-13T02:44:00.004-05:00

Rock+noRock se ha reagrupado y en breve regresa con nueva imagen y decidido a no dejar títere con cabeza.

* Considerando la bendita procrastinación del autor, "en breve" de hecho puede significar "en cualquier momento dentro de los próximos 3 años". No muevan su agenda.

2010-11-30T05:00:00.015-06:00

Leslie Nielsen
1928-2010

Aunque no se trata de un músico, Rock+noRock lamenta la pérdida de Leslie Nielsen, actor de algunas películas clásicas de comedia, de aquellos tiempos cuando el humor absurdo... de hecho era gracioso.

Rock Vixen Gallery

2010-11-23T05:27:00.001-06:00

Dicen por ahí, que la carne pegada al hueso es la más rica; de eso yo no puedo dar fe porque, no me gusta mordisquear huesos ni las mujeres demasiado flacas; sin embargo, no se puede negar que -a veces- menos es más.
Electrocute son Nicole Morier y Mindy "Legs" Le Brock, antagonistas de actos como el de J-Lo y Beyoncé... por lo menos en lo que a derrière se refiere. Si no tienen prejuicios contra los traseros escuálidos, o el look sexoservidora retro o que Nicole Morier (la rubia) tenga un parecido perturbador con Britney Spears, estas dos son un ejemplo de libro de texto de cómo debe ser una genuina y cada vez menos frecuente Rock Vixen.

El artículo Rock+noRock de Electrocute se puede leer aquí.

*Click en la imagen para agrandar.

La (más o menos probable) leyenda Rock+noRock dice que... "Legs" Le Brock toma su apodo como un ácido homenaje (o auto-mofa) a la protagonista de cintas como Weird Science y Woman in Red, que entre 1984 y 1985 acaparó alrededor del 75% de los sueños húmedos entre adolescentes y sus padres, Kelly Le Brock.

Electrocute- On the Beat

2010-11-11T05:00:00.028-06:00

Esta edición ¡sí la compraba!

Y... sinceramente les deseo que dominen la técnica pronto y la apliquen a sí mismos.

Rock Vixen Gallery

2010-11-10T05:16:00.016-06:00

Algo que Darwin prefirió no mencionar en su polémico documento y no lo culpo, ya tenía demasiados problemas incomodando a los conservadores necios de su propio tiempo: Los hombres mostramos una atracción natural hacia las mujeres con el cabello rojo, la ropa desgarrada y una mala actitud (... ¡yo no sé! No soy sociólogo evolucionista). Por ello, la primera entrada de esta nueva sección está dedicada a Toril Lindqvist, vocalista de la banda sueca Alice in Videoland.
El artículo Rock+noRock de Alice in Videoland se puede leer Aquí.

*Haga click en la imagen para ampliar.

La (… esta vez, muy probable) leyenda Rock+noRock, dice que: El título original de esta sección era “Rock Bitch Gallery”, pero fue “aligerado” (¿?) para no herir sensibilidades.

Alice in Videoland- Going Down

Disclaimer: Disculparán la estética como de revista ERES noventera, no fue intencional y estamos trabajando en mejorarla. Lamentamos las molestias que este flashback pueda ocasionarles. Las imagenes no son con intenciones impuras, son solamente con fines demostrativos.

Recuento de los Daños

2010-11-04T05:00:00.005-06:00

En la época de oro de los blogs en México, allá por 2005, leía a un sujeto cuyo nombre ya olvidé (pero ya investigué, léalo aquí), que iniciaba cada entrada en su bitácora saludando cariñosamente “My seven readers” a sus lectores, haciendo un homenaje/mofa a la escasa popularidad de la que gozaba en esos tiempos.

De tal suerte que...

¡Five Readers!

Este Blog/e-zine permaneció en obra negra desde abril de 2009 y se inauguró oficialmente en Febrero del presente año. Hasta el día de hoy, es justo decir que permaneció inactivo la mitad de ese tiempo y fue en fechas recientes cuando retomé el proyecto con seriedad.
La intención primaria era la de tener un medio de expresión personal sin preocuparme por el posible éxito, es decir, escribir sólo por el placer de escribir... ¡la original actitud del Blogger genuino!
Y miren que he sido exitoso con esa política, porque vaya que gozamos de muy poca aceptación. En descargo mío debo decir que escogí muy mal momento para hacer mi regreso no-triunfal a la blogósfera, una época donde es más atractivo un chimpancé amaestrado para hacer retweet que alguien que por lo menos tiene la gracia de poner título y puntuación a lo que escribe. Así soplan los vientos; pero hey ¿quién está contando?

Si es su primera vez en este blog, a continuación hago un recuento de lo hasta hoy publicado. Esperamos que les guste y... en una de esas, regresen para engrosar las filas de los parroquianos, que desde hoy nombro respetuosamente, el Big Five.

Para darse una idea de qué va este e-zine, es imprescindible tomarse unos minutos para leer este par de documentos: Nuestro Manifiesto Rock-noRock (haciéndo énfasis en la sección de Música Pop vs. Cultura Pop) y el Decálogo Rock+noRock porque, aunque es difícil de creer en estos tiempos, SÍ, en este e-zine todavía tenemos principios.
*Tener anti-ácido a la mano y no haber comido aguacate es considerado un acto prudente por la redacción de Rock+noRock.

La misión fundamental del blog es el dar a conocer OTRAS bandas, distintas a las de ese prostituido “Indie”, pensado en los fans de Crepúsculo y al del obvio catálogo hispteriento, que ya resulta muy poco estimulante y aburrido.
Quise esperar hasta tener una cantidad de contenido aceptable, por lo menos diez artículos antes de escalar a la segunda etapa del e-zine, que a este paso vaya usté a saber si lo consiga, pero mientras, me apego a mi programa.

Las bandas revisadas hasta ahora son las siguientes, sigan los links, seguramente descubriran algo interesante:

Lunascape- Visto en retrospectiva, hoy me pregunto lo mismo que de varias ex-novias, “¿qué diantres le vi?”. No, en realidad Lunascape estuvo en el lugar adecuado (como mis ex's) y como cito en el artículo, fue en cierta medida la que inspiró el proyecto R+nR, hace como dos años, cuando llevaba muchísimos meses de no escuchar nada interesante en la estación indie local. Es algo girlie, pero sin duda será del agrado de muchos.

Alice in Videoland Electroclash para punk-ravers con una pizca de rebeldía adolescente pero incapaz de provocarle ataques a los abuelitos.

Martina Topley-Bird- Interesante artista que ha florecido desde que se liberó del yugo opresor de Tricky y actúa en solitario.

Robots in Disguise- Un dicharachero dúo electroclash con un par de adictivos sencillos.

Halou- Una historia de amor a ritmo de rock gótico.

Airlock- Lo que escucha Gil Grissom en su laboratorio mientras hace deducciones.

Bikini Kill + Le Tigre- Sólo Rock políticamente cargado, del que hace mucho ya no se ve.

CocoRosie- Estas dos hermanas nahualas, espíritus protectores de los neo-bohemios (técnicamente es neo-hippie, pero ese término está muy asociado a lo hipster y esos... “me dan asquito”)

The Dandy Warhols- Desenfadado y sofisticado Rock-Pop que tiende a poner de buenas y reanimar más que un pasón de gingseng.

Electrocute- Por si se preguntaban lo que escucha el conejito energizer en su walkman. Plus: Felix Da Housecat- Electrónico -sin culpa-.

10+2 bandas revisadas. Y para patear el avispero...

Comentarios Editoriales- Donde explicamos el por qué de la Supremacía Femenina en las bandas revisadas (por si no lo habían notado). Donde nos preguntamos también, si de aquí al 2012 será necesario llevar a los conciertos como eqipo indispensable, aparte de cámara digital y ropa cómoda también un chaleco anti-balas.
También hay oportunas contribuciones involuntarias, inspiradas por Billy Corgan y Sir Elton John, quienes aparentemente sí leyeron el Manifiesto Rock+noRock.

Crónicas R+nR- Donde analizamos algunos eventos musicales recientes, incluida la masiva asamblea de débiles mentales en el Azteca y un infalible remedio de USD $20,000 para curar el insomnio y el estrés.

Ahí tienen, en Rock+noRock ¡si hay transparencia y rendición de cuentas!... sólo desearíamos que hubiera alguien a quién entregárselas.

Elton Patea el Pesebre

2010-10-28T05:00:00.001-05:00

Por mucho tiempo, pensé que yo era uno de muy pocos individuos con algo de memoria y principios, uno al que la música Pop, que se ha adueñado de la cultura, le reventaba las pelotas. Llegué a pensar que me había vuelto anacrónicamente radical.
Afortunadamente para mí, cada vez hay más evidencia de que siempre me mantuve en el camino del bien... fue el mundo el que se empezó a hacer idiota.

¡Ya sé, ya sé! Eso último puede sonar algo megalómano, pero vean, ahora el que tuvo un exabrupto anti-pop fue una figura importante... ¡dentro del mismo Pop!
Sabes que algo está podrido en el Pop cuando hasta un popero consagrado lo manifiesta.

Ladies and
Gentlemen... Sir Elton John!

Sir Elton declaró recientemente a Reuters que "Los autores de canciones de hoy en día son bastante horribles (sic), y por eso todo suena a lo mismo. El pop contemporáneo no es muy inspirador". Aquí pueden leer la nota original, donde Sir Elton aborda un par de puntos que se mencionaron aquí en nuestro Manifiesto Rock-noRock, lo que me hace pensar que Elton es mucho más sabio de lo que yo creía.

Es una crítica algo blandengue pero contundente en su intención, en general lo apoyamos completamente y lo sumamos a lo recientemente manifestado por Billy Corgan, señalando que "el Pop es para Idiotas", reseñado anteriormente en este e-zine.

En Rock+noRock nos indignan particularmente dos cosas que criticamos insistentemente.

1.- La tendencia de la industria musical por desinformar a una juventud (de por sí, ya bAstant3 D3sabentAjad4 intelectualmente), utilizando al “Rock” como una marca o un emblema de estatus; algo para pretender, algo que se vea lindo; un adorno para que un puberto baboso se sienta muy hombre o una puberta babosa se sienta muy liberada. Y por pubertos me estoy refiriendo a algunos veinteañeros... ¿recuerdan que desde finales de los ochentas se nos advirtió que las drogas eran malas? bueno, 20 años después, ahí están los resultados*.

2.- Los artistas que -se ofrecen- como rockeritos cuando en realidad son banditas diseñadas por algún productor para llenar un segmento del confundido e ignorante mercado adolescente, no muy diferentes del Timbiriche de Luis de Llano.

En conclusión, lo que repudiamos es la forma en que la industria quiere vestir con traje de Rock al mismo conformista e indolente Pop.

El Plan Maestro de
Dominación Mundial

La lógica de la industria musical (acepto que es inteligente e incuestionable, aunque algo inmoral) es: Como el Rock siempre ha sido percibido como “Cool” y el Pop no tanto, pues vamos a vender el frívolo e insustancial pop de siempre, pero con la etiqueta de “Rock” en la tapa... a esta generación se les ha reblandecido el cerebro a base de comida light por años ¡por supuesto que los idiotas se lo van a creer!
Y desde 1998, el año en que todo se fue a la mierda, han desfilado un sinfín de bandas en este tenor, Blink 182, Papa Roach, Fall Out Boy, Linkin Park, por citar sólo cuatro. El insulto final viene cuando, AHORA RESULTA que Lady Gaga, Ke$ha, Rihanna y Beyonce YA SON CONSIDERADAS estrellas de Rock.
Lo cierto es, que la percepción general de la gente y los medios, tiende cada vez con más cinismo e indolencia a tomar por Rock lo que evidentemente es Pop.

Lo he dicho en varias oportunidades, no estamos en contra del Pop, nos gusta el Pop (sólo que aquí en R+nR preferimos llamarlo No-Rock), pero ¡hay de Pop... a Pop!

Por último y para recordarle a Sir Elton que en este feo asunto del Pop él también tiene una larga y esponjosa cola que le pisen, les dejo este himno de antro gay Ecatepense.

Elton John y RuPaul- Don't Go Breaking My Heart

* En realidad no tenemos elementos para probar que la idiotez rampante en las nuevas generaciones se deba al uso de drogas por parte de sus padres durante los ochenta y los noventa. Indiciados también están la comida light, los reality shows, la tecno-filia y en general el materialista egoísmo que ha caracterizado a nuestras (me incluyo) generaciones post-punk. Supongo que hay que aceptar que en esta debacle socio-cultural todos tuvimos un poco la culpa.

Editorial R+nR

2010-10-25T05:00:00.009-05:00

Rock & Bullets

La noticia es que James, quienes el fin de semana antepasado se presentaron en el festival Corona Capital de Ciudad de México y en Guadalajara, canceló su presentación en Monterrey para el 19 de Octubre. La (dudosa) versión oficial cita que fue por motivos de salud de los miembros de la banda, sin embargo hay versiones que apuntan a que siguieron la advertencia del consulado gabacho de evitar presentarse en esa plaza por motivos de seguridad.

El rumor va más allá de un desatinado mitote twitero (mientras escribo estas líneas, hacen bullicio por la supuesta muerte de Javier “el bigote que no sale del clóset” Alatorre). Al parecer el consulado gringo SÍ ha recomendado a artistas Norteamericanos e internacionales el no realizar eventos masivos en Monterrey y sus inmediaciones. Esto fue confirmado tanto por el vocalista Tim Booth como por gente que trabaja para una empresa organizadora de eventos en Monterrey.
Booth dijo que, aunque no conoce a ciencia cierta la situación en Monterrey, la recomendación del Consulado existió. Por su parte, fuentes de la empresa organizadora de conciertos aseguraron que aunque se les ofrecieron las perlas de la vida a artistas como Lady Gaga, Jonas Brothers y Bon Jovi, estos declinaron la invitación por las mismas causas.

Kylie Minogue se presentó en un festivalucho popero en el Palacio de los Deportes el sábado pasado; a su llegada, la amarillista y siempre imprudente prensa nacional la cuestionó sobre el asunto de la violencia en México, tema del que dijo estar al tanto pero no sentirse intimidada por ello (habría que ver si la osadía de la Minogue es igual de exuberante si le dijeran que tiene que ir a Monterrey).

Sería fácil sacar el atuendo de mariachi vengador (es decir, sacar el característico patrioterismo) y alegar que los gringos son exagerados y están paranoicos, sin embargo en esta ocasión hay que aceptar que tienen algunos motivos para preocuparse.

Apenas el viernes 15 de octubre, los de White Lies (en su casa los conocen) se presentaban en el Escénica de Monterrey ante unos mil asistentes; al terminar el concierto los asistentes escucharon las aterradoras 3 palabras que uno nunca quisiera escuchar, a menos que fuese en el contexto de una relación sadomasoquista consentida: “¡Tírense al suelo!”.
Alrededor de la una de la mañana, se desató una balacera entre policías y sicarios en la Avenida Pino Suárez del centro de la ciudad, a dos cuadras del Escénica.
Los elementos de seguridad ordenaron, al son de métanse pa'dentro, que los asistentes regresaran al local, incluso aquellos que ya habían llegado a sus autos.
El -Heroico Sitio del Escénica- se rompió alrededor de las 2 a.m., cuando los últimos fans pudieron salir.

El anterior no es de ninguna manera un incidente aislado, han sido varios los eventos musicales que han terminado con alertas por violencia; recuerdo sin hacer esfuerzo por lo menos dos más, uno en una especie de jaripeo/palenque con un artista norteño (esos sí, la verdad -no se los manejo-) y otro más en la Arena Monterrey.
Desde luego, para que exista riesgo no es necesario que el foco de violencia se geste en el interior del recinto donde se realiza el evento; la confusión y el pánico generalizado puede llevar a un trágico News Divinazo... o a un festín de arrimones totalmente innecesario.

Si esta tendencia no se revierte, muy pronto Monterrey dejará de ser siquiera considerado como escala en las giras de artistas internacionales, lo que podría afectar no sólo al resto de las sedes en México, la merma podría incluso llegar hasta Sudamérica.
Y es que, en toda Latinoamérica las plazas para llevar conciertos se cuentan con los dedos de las manos y las distancias entre una y otra son gigantescas, esto provoca que, por cuestiones logísticas, a los músicos -no les salga- llevar sus giras por esas latitudes (o por lo menos esa ha sido la versión oficial todo este tiempo).

Las ciudades en el límite sur de Estados Unidos y que forman parte del circuito internacional de tours como Houston, San Antonio, Nueva Orleans y Orlando, quedan a más de 1200 kms. de Ciudad de México o Guadalajara, sin un punto medio como Monterrey que acorte las distancias, la sequía podría caernos.

Latinoamérica aún no está considerada como parada obligada dentro de las giras internacionales. Cada que una banda inicia tour, en -la otra- América nos tronamos los dedos pensando si las bandas se tocarán el corazón para darse una vuelta por nuestras tierras.
De eliminarse Monterrey como sede intermedia, la cuota de artistas que visiten México y Sudamérica podría verse sensiblemente disminuida; y esto no es especulación mía, la razón (por lo menos la oficial) por la que The Cure no visitó México en muchos años fue que Robert Smith le tenía fobia a los aviones, de manera que el largo viaje por tierra no se ajustaba a su itinerario... vaya usté a saber, el caso es que la primera vez que The Cure se presentó en el país en junio de 1992 fue únicamente en Monterrey, no en la casa grande de Ciudad de México, y mejor ni empezamos a hablar de lo divos que se pusieron los cabeza de radio para visitarnos apenas en recientes fechas.

Tal vez las bandas mega-monstruo ya consagradas no dejen de venir, aquellas que tienen músculo suficiente para meter 15,000 personas aunque se presenten en una plaza humilde como Tejeringo el Chico, pero sí podemos irnos olvidando de artistas emergentes o medianos (en convocatoria), que son los que hoy día gozan de más popularidad y llenan el cartel internacional.
Y muchos podrán decir (y nosotros no podríamos criticar) "ultimadamente, a mí el Indie y las banditas hipsterientas esas me vale pito", pero no sería sólo la música la que puede sufrir, el bloqueo podría extenderse a shows de gran calidad que desde los noventa están viniendo a México, como La Fura Dels Baus, el Cirque Éloize, el Bolshoi y docenas más, lo que nos mandaría 30 años al pasado, cuando los espectáculos más grandes a los que uno podía aspirar era ver a Yuri en El Patio y a Timbiriche en el News (no el Divine, sino el antro fresa ochentero por excelencia).
Este "Cambio" no es precisamente el que yo esperaba del gobierno "del Cambio".

Pero no todo está dado al traste, si todo sigue como hasta hoy, pronto podremos organizar la primera edición del festival internacional Rock & Bullets en favor de las víctimas de la guerra contra el narco... ¿quién se va a apuntar? (para mi desgracia personal, seguramente el primero que levantará la mano será Bono Vox, que no pierde oportunidad para la rimbombancia y el exhibicionismo).

¡Pero hey! Para no despedirnos en una nota baja, la buena noticia es que ya vamos ganando la guerra contra el narco y la violencia derivada pronto terminará.

Disclaimer: Les pido disculpas, verán, es que en Tunisia celebran el día de los Santos Inocentes el 25 de Octubre y me confundí... No, de hecho no se está ganando ninguna guerra, lo siento.

Fuente: (No soy un twitero pen...denciero que repite imprudentemente cualquier chisme que lee en la pared de un baño público) Este artículo fue motivado por la nota sobre la cancelación del concierto de James, aparecida en la sección “gente!” (sic) del salamero y conformista periódico Reforma del 20 de Octubre.

Update: Y sigue la mata dando. El baile tradicional que se realiza cada domingo en el Palacio Municipal de Monterrey y al que asisten mayoritariamente personas de la tercera edad, terminó con una estampida de viejitos atemorizados por detonaciones. Hubo 26 lesionados y varios con crisis nerviosas (no asociadas a la poca cultura de sus nietos).
En Michoacán se suscitó un evento parecido en el concierto de la reina roja de la vulgaridad, Jenny Rivera. En pleno concierto, militares encapuchados entraron tentativamente a realizar un arresto a la plaza donde se realizaba el evento, lo que provocó pánico, tumultos y decenas de lesionados, no de gravedad... caray ¿no se pudieron haber esparado al After para hacer su secuencia?

Casiotone Heads

2010-10-21T05:00:00.005-05:00

“Casiotone Heads” es un término orgullosamente nativo de Rock+noRock. Hace referencia a aquellos afectos a la música electrónica en general; revivalista del Synth-Pop ochentero y minimalista en particular.

Muy importante es aclarar que ¡hay de electrónica... a electrónica!

El décimo mandamiento de nuestro Heróico Decálogo de Rock+noRock dicta: “No Escucharás Punchis-Punchis ni música de DJ's”. La nota al pie menciona que en R+nR ni siquiera consideramos eso como música. Esta declaratoria puede desorientar a algunos, SoBr3 Tod0 a Los Ke n0 Cepan Ler. ya que pueden pensar equívocamente que detestamos la música electrónica.

Entendemos que esto puede confundir a aquellos con comprensión de lectura equivalente a tercero de primaria. En una próxima entrada abordaremos el tema más ampliamente, por ahora basta aclarar enfáticamente que en R+nR no, y repito, NO repudiamos la música electrónica (por lo menos, no toda).

Dicho lo cual...

Electrocute

Micro-Bio
Los alemanes y las naciones de la ex-cortina de hierro han sido tradicionales Casiotone Heads desde los albores de la música electrónica. Fue en Berlín donde, aprovechando este fértil contexto, Nicole Morier, hija de padre hippie y madre republicana, inició el proyecto Electrocute en el 2002 junto a Mia Dime, quien fue reemplazada más adelante por Mindy “Legs” Le Brock.

Electrocute- Uh Oh

Mini-Informe
Electrocute, igual que las ya revisadas Robots In Disguise, es apenas poco más que una banda de garage, tienen un LP llamado Troublesome Blubblegum de 2005, un par de EP's y siguen caracterizándose por ser un dúo independiente que no ha entrado a la maquinaria de la industria discográfica (probablemente porque no ha podido) y permanecen en la escena electrónica de los clubes nocturnos Californianos. Esto no les ha impedido emprender giras mundiales; de hecho, invitadas por la revista mexicana Celeste visitaron tierras nacionales en varias ocasiones, además de Europa y Sudamérica.

No sería de extrañarse que Electrocute se convirtiera en un hit en México. La estética y estilo retro de estas electro-vixens me hace pensar que pudieron proveer el soundtrack para las películas de el Santo, enmascarado de Plata, si estas se hubieran filmado en la ex-Alemania Oriental (nótese el riff surfero en Tales of Ordinary Sadness).

Electrocute- Blow It

Mini-Dictamen R+nR
Las chicas Electrocute son aficionadas a los hot-pants y a tomarse fotografías ambiguamente lésbicas. Musicalmente, mezclan una variedad de estilos como Surf, Rockabilly, Punk, re-interpretados con arreglos paleo-electrónicos lo que, en esta y otras bandas, generalmente resulta muy divertido y sexy, sobre todo en el acto en vivo. Estas disparatadas bandas de Electroclash siempre me hacen pensar en un montón de osos de peluche rosa bailando Slam.

Electrocute- Two Lane Back Top

Es lamentable que no hayan editado y promocionado debidamente más álbumes, pues creemos que tendrán gran potencial una vez que definan una alineación definitiva y den a su carrera un enfoque menos amateur; entre tanto, habrá pocas esperanzas de que algún día trasciendan al circuito subterráneo de la Costa Oeste Norteamericana.

Promo Electrocute

Electrocute- Tales of Ordinary Sadness

En el canal Rock+noRock de YouTube puesden encontrar la jocosa irracionalidad del video On the Beat.

Plus...

Felix Da Housecat

Micro-Bio
Quien probablemente es nuestro piso bajo de tolerancia al electrónico bailable... Felix Stallings Jr. es un DJ surgido de la escena House de Chicago; lo que explica dos terceras partes de su nombre artístico, la tercera, puedo especular, que es una manifestación de su encanto por los gatos, pues esta felina referencia prevalece muy cerca de él, como en uno de sus primeros alias, Thee MaddKat Courtship, un álbun llamado Kittenz and Thee Glitz y su cercana relación con otros artistas como Miss Kittin... vaya usté a saber si es una secta o qué.

Mini-Informe
Felix da Housecat no es uno de esos DJ's que han cosechado fama y fortuna con repetitivos y anodinos beats que llenan estadios con subnormales cabeceando ritualmente e intoxicados por monótonos ritmos tribales... mejor conocidos en este blog como punchis-punchis; sin embargo, algunas de sus canciones se han convertido en favoritas de videojuegos, comerciales, y películas.
Pocos han sido los “hits” de Felix hasta la fecha, pero podemos citar uno de 2001 que alcanzó a asomar la cabeza de lo subterráneo, “Silver Screen (Shower Scene)”, con las vocales de Miss Kittin.

Felix Da Housecat- Silver Screen (Shower Scene)

Mini-Dictamen R+nR
Definitivamente Felix Da Housecat no es un músico que invite a una joven mente a cuestionarse sobre el sentido de la vida, pero por lo menos no es absurdamente superficial como los DJ Tiesto, David Guetta, Paul Van Dyk y otros titanes del punchis-punchis.
Una faceta muy desagradable de Felix, el Gato Casero, es haber cobrado cierta notoriedad haciendo remixes para ignominiosas estrellitas pop como la Spears, la Minogue, la (Gwen) Stefani, la Uffie y la Madonna (posterior a 1997, cuando -la chica material- ya no valía nada).

Felix Da Housecat- Rocket Ride (Soulwax Remix)

Con todo, podemos decir que Felix Da Housecat es un DJ funky, melódico y orgánico, que nos hace pensar que hay un hombre detrás de los temas y no sólo un chimpancé pinchando discos para audiencias fácilmente enajenables. Su música tiene más textura y ángulos que trascienden a las inhumanas cajas de ritmos y los riffs de teclado -de a dedito- característicos en mucho de la ramplona “música” hecha por DJ's. Aunque tengo que comentar que lo último que le conocimos, del álbum He Was King, me suena muy parecido al Pop vacío y sin sentido, sello característico de Black Eyed Peas, pero en fin.

Como ribete, les dejo este pegajoso y posmoderno himno Swinger.

Felix Da Housecat- Like Something for Porno

Música para Beber

2010-10-12T05:00:00.006-05:00

The Dandy Warhols

Mini-Bio
The Dandy Warhols, por si alguien no lo notó, toman su nombre al hacer un juego de palabras con el del conocido artista pop; cosa que según investigué, se llama retruécano (pfff ¡caray!).
Este cuarteto nacido en Portland alrededor de 1993, consiste actualmente de Courtney Taylor-Taylor, Peter Holmström, Brent de Boer y Zia McCabe, que editaron su disco debút en 1995, el Dandy's Rules, OK?. Después de algunos traspiés, editaron su segundo álbum “Dandy Warhols Come Down”, que los colocó como favoritos de las radios universitarias en E.U. y Europa. Esto fue en 1997, cuando la cultura -juvenil- aún se generaba en el ambiente Universitario, antes de 1998 que, como ya saben, fue el año que todo se fue a la mierda y la cultura -en general- se empezó a generar en las escuelas primarias.

The Dandy Warhols- Not if You Were the Last Junkie on Earth (Heroin Is So Passe). De alguna forma este video me recuerda al “Juego de la Oca”

The Dandy Warhols- Everyday Should be a Holiday

En fin, su segundo álbum incluyó el sencillo “Not If You Were the Last Junkie on Earth”, que retrata una muy bufonesca y mordaz visión sobre la cultura de los adictos a las drogas recreativas. Para colmo, el video de esta canción fue dirigido por el polémico fotógrafo Dave Lachapelle, un clásico tan solo por el cínico coro “Heroin Is So Passe”.
Sus influencias musicales siempre han estado expuestas, y van desde The Velvet Underground hasta Love and Rockets.

Informe
Esta es la única banda revisada en Rock+noRock, que podríamos decir que sí ha gozado de -cierto- éxito comercial, y la primera liderada por un hombre; para aquellos que no habían reparado en el hecho que todas las bandas abordadas hasta ahora han sido lideradas por mujeres.
Empezando por el nombre, The Dandy Warhols, se adivina la naturaleza cínica e irreverente de esta banda, de la que Taylor-Taylor asegura: “Es un grupo de gente que necesitaban de música para beber”.

Como ya se mencionó, los orígenes de los Warhols se remiten a los noventa, sin embargo muy poco se supo de ellos hasta que fueron adoptados por la cultura Indie a mediados de la década pasada cuando la canción “We Used to be Friends” fue el tema de apertura para la serie Veronica Mars.

The Dandy Warhols- We Used to Be Friends

El sencillo “Bohemian Like You”, incluído en Thirteen Tales from Urban Bohemia, se convirtió en un pequeño fenómeno cultural en sí mismo. Hay algunos que lo consideran un himno anti-hipster, por su visión irónica del término “bohemio”.
El video incluye desnudos frontales, lo que resultó una afrenta para los conservadores ojos de MTV y otros canales de videos; sobra decir que nunca transmitieron el video en horario comercial, pero pueden ver la versión sin censura en el canal Rock+noRock de YouTube.

The Dandy Warhols- Bohemian Like You

A pesar de esto, el tema se ha usado en una considerable cantidad de series, Roswell, Buffy, the vampyre slayer, Chuck y películas como, Igby Goes Down (estúpidamnte titulado en español: Las travesuras de Igby), Numb, Flushed Away (Lo que el agua se llevó), por citar algunas solamente, además de una cantidad de anuncios comerciales.

Dictamen R+nR
Las listas de popularidad han sido injustas con The Dandy Warhols. Tuvieron la mala suerte de llegar muy tarde para subirse al vagón del “Alternativo” y el parapeto del Indie nunca les ofreció un refugio apropiado, pues justo cuando esta cultura pudo darles el abrigo para trascender a un lugar de privilegio, bueno, no quiero ser prosaico pero, el Indie se volvió mamón.
Los Warhols no se toman tan en serio, lo cual es bastante sano, pero contrasta con la costumbre cada vez más marcada en el Indie de tomarse -demasiado- en serio a sí mismo, lo cual sin duda terminará por destruirlo al final.

Los Warhols son una de esas bandas que reviven hasta cierto punto el sentido y el estilo New Wave, un Rock-Pop limpio y entretenido, nada más.
En cualquier caso, su música desde el primer contacto y cada que descubro algo nuevo me parece animosa, sin complicaciones, pero no ingenua ni ramplona.
Varias de sus canciones hacen imaginarme en la secuencia de créditos finales de una película, con la cámara alejándose hacia las alturas y haciendo un fade-out.

The Dandy Warhols- Good Morning

Playlist
Escucha The Dandy Warhols cuando- manejes a vuelta de rueda por Periférico en Viernes de quincena (no en Viaducto, para eso buscaremos una banda más decadente)
Escucha The Dandy Warhols en vez de- la hipsterienta mezquindad de Belle & Sebastian o Phoenix.

La (improbable) Leyenda Rock+noRock dice que- el vocalista Courtney Taylor-Taylor le pregunta cada mañana al espejo “¿quién es el vocalista más sexualmente ambiguo del Indie?”.

¡NUEVO, para los usuarios R+nR PREMIUM!... que reciben el mismo trato que los normales. En el Canal YouTube de Rock+noRock encontrarán uno de los comerciales donde se usa el tema "Bohemian Like You", canción que anima a comprar lo que sea, así como la versión sin censura del video oficial.
Los videos de The Dandy Warhols no son particularmente buenos a mi parecer, pero dejo a su consideración los videos musicales de un par de mis sencillos favoritos, "Get Off" y "You Were the Last High", además de "Boys Better" (donde la tecladista Zia McCabe aparece en topless, cosa relativamente común en ella).

Temas desde el Callejón del Tornado

2010-10-08T05:00:00.012-05:00

CocoRosie

Mini-Bio
Contrastando con la última banda revisada en R+nR, esta es la entrada más sensible hasta la fecha; y probablemente será la más sensible de todas.
CocoRosie son las hermanas Sierra y Bianca Casady, que toman su nombre del cariñoso apodo que les puso su madre cuando niñas.
Por las modestas raíces americanas, tan marcadas que casi se pueden tocar en su música, uno pensaría que CocoRosie se gestó en un granero, entre palas y azadones después de pasado el tornado; nada más lejano a la realidad. El dúo se crea en los altivas y refinadas calles Parisinas; más específicamente en el baño del departamento de Sierra, lugar que consideraban el más acústico del lugar. En ese lugar tan improbable, grabaron su primer álbum La Maison de mon Rêve, lanzado oficialmente en 2004.

Informe
Este artículo también pudo llamarse “Música para Hadas Inadaptadas”. No es difícil imaginarse que Coco y Rosie siempre fueron las raras del salón.

A pesar de sus orígenes parisinos, la inspiración en la música de CocoRosie está afianzada firmemente a sus raíces norteamericanas.
Aún sin saber que estas chicas crecieron de Iowa, al oir sus canciones uno irremisiblemente se ve transportado a los paisajes lóbregos y serenos de las planicies centrales de Estados Unidos. Las Casady tienen ascendencia Cherokee, eso y la crianza simple y tradicionalista, influyen de manera determinante en su estilo Folk tan único que, sólo puedo describir como una colisión entre Björk (Sierra) y Johnny Cash (Bianca).

CocoRosie- Good Friday

A diferencia de lo que comúnmente aceptamos como Indie, que cada vez suena más pretencioso y Faux-Boheme (también conocido como Sonido Condechi), CocoRosie sigue sonando tan inocente y poco producido como al principio, muy alejado de la corriente principal, aún dentro del mismo Indie. Su música sigue pareciendo que fue grabada en el baño de Sierra y, de hecho, se pueden oír sampleos de ruidos característicos de baño en varias de sus canciones.

CocoRosie- Lemonade

Estoy seguro que a muchos les parecerá muy difícil (o imposible) de digerir el estilo de CocoRosie, y es normal, creo que en el mejor de los casos es un gusto adquirido, como perseguir tornados. Sin embargo, pasado ese punto es posible encontrar un lugar en sus corazones para su tierna sencillez y su característico sonido Lo-Fi.
Por otro lado, los raros del salón, melancólicos, introvertidos e inadaptados en general, sentirán una atracción natural a sus tonos.

CocoRosie- Tekno Love Song

Aunque la música de CocoRosie parece imposible de comercializar, ha aparecido en un par de anuncios para televisión de perfumes, uno de ellos el Kenzo Amour, que para mí es un clásico de la publicidad perfumera; la armonía entre la imagen, la música y la modelo, Olga Kurylenko (cara angelical, mala actriz), es única. Uno literalmente puede sentirse un poco enamorado tan solo de ver este cinemático anuncio (Pueden verlo en el canal YouTube de Video Rock+noRock , de verdad vale la pena).

En mi Top 25 de canciones tiernas, CocoRosie participa al menos con dos: Good Friday y Tekno Love Song (aunque la letra me confunde).

CocoRosie se presenta los próximos 9 y 10 de Octubre en el Teatro de la Ciudad en el Centro Histórico, (mismo lugar elegido por Brian Eno en fechas recientes para presentar sus “77 Millones de Pinturas”) un lugar que se presta a la perfección para el delicado e intimista espectáculo performancero que traen montado.

Dictamen R+nR
Bien, algo que no admiro, es una banda sonsonetera. Constantemente estoy criticando esto en bandas como Interpol o Franz Ferdinand, cuyas canciones a veces suenan -demasiado- parecidas unas a otras, aún a través de diferentes álbumes. Lo siento, pero opino que una banda, aunque fiel a un estilo, debe mostrar suficientes ángulos en su música y no conformarse con explotar un riff o un corito efectista... un sonsonete.
Bueno, pues CocoRosie es una banda indudablemente sonsonetera. PERO, a diferencia de sus co-sonsoneteras bandas más comerciales, creo que en CocoRosie es verdaderamente más parte de su propuesta que una debilidad creativa. También es de admirárseles que no han caído en falsas sofisticaciones y que mantienen su música y su imagen genuina y fiel a su concepto original... aunque insisten en tomarse fotos ambiguamente incestuosas.

Algunos de sus temas pueden ser confusos, como el caso de la tierna melodía en "Not for Sale" y su controvertida letra, que probablemente hace referencia a la prostitución. Irónicamente, la canción fue usada para anunciar el perfume Escada, Into the Blue (¿?).

CocoRosie- Not for Sale

Algo que les tienen que conceder, es que suenan muy diferente a cualquier cosa escuchada regularmente, además, su música tiene una asombrosa capacidad de conectarse con su público... su público de raros, introvertidos, melancólicos e inadaptados en general.

Playlist
Escucha CocoRosie cuando- se estén quedando dormidos a lado de su pareja... en una casa embrujada
Escucha CocoRosie en vez de- las gotas de lluvia caer sobre tu ventana.

La (improbable) Leyenda Rock+NoRock dice que- la voz de bruja de cuento en Bianca Casaday está en la misma frecuencia para invocar la lluvia.

¡NUEVO, para los usuarios R+nR PREMIUM... que en realidad son idénticos a los normales. Vean en el canal YouTube de Video Rock+noRock los dos anuncios comerciales con temas de CocoRosie, además una presentación en vivo, probadita de lo que presentarán el próximo fin de semana en El Teatro de la Ciudad.

Reporte Rock+NoRock

2010-10-05T06:00:00.001-05:00

Sin incidentes se realizó la asamblea masiva para Débiles Mentales la noche del sábado en el Estadio Azteca. Las actividades se prolongaron hasta la tarde del Domingo. Hordas de personas con capacidades intelectuales diferentes colmaron las tribunas del Coloso de Santa Ursula para el magno congreso.
Cabe mencionar que algunas fuentes periodísticas citan, que el evento realizado la noche del sábado en realidad fue un concierto de Black Eyed Peas.
El equipo editorial de Rock+NoRock ha investigado la veracidad de estas versiones y llegamos a la conclusión de que, en cualquier caso, los simpatizantes de las agrupaciones involucradas son prácticamente indistinguibles y probablemente esto originó la confusión.

¡Ya, en serio! ¿Qué dice de un país el que una banda como Black Eyed Peas, insignia de una cultura tan superficial tenga el poder de convocatoria para llenar el Estadio Tecnológico de Monterrey y un lugar monumental como el Estadio Azteca?
No es que me asombre la cantidad de tontos locales, después de todo U2 va a lograr esa misma hazaña varias veces en sus conciertos confirmados para Mayo de 2011. En descargo de U2, hay que decir que sus torpes y enajenados fans siguen creyendo que es una banda de Rock. Pero en el caso de BEP... ¿cuál es su pretexto?

¿En serio estamos tan mal socio-culturalmente? Porque, quiero decir, a su paso por México ninguno de los siguientes idolitos de plástico tuvo el músculo para llenar un Estadio Azteca, ni Lady Gaga, Jonas Brothers, Tokyo Hotel, Britney Spears, o en su momento Spice Girls, N'SYNC y demás figurillas poperas.
Ninguno de los anteriores califica para embajador cultural de la humanidad, pero les concedo que es su banal existencia contribuyeron a la industria de la música, aunque sea dentro de los lánguidos confines del pop con algo tan fútil e insustancial como unos llamativos pasos de baile, un peinado o un atuendo extravagante. Pero en el caso de BEP no hay nada, absolutamente nada, son la definición del conformismo ultra-comercial, expresado de forma flagrante en uno de sus últimos sencillos y su más exitoso himno a la frivolidad "I Gotta Feeling".

Les voy a revelar algunos datos aislados, pero que interpretados pueden convertirse en indicadores verdaderamente atemorizantes (les recomiendo que lean el artículo del siguiente link... a menos que sean fans de BEP y bueno, ya saben, no sepan leer en primer lugar).

México es el primer consumidor de bebidas gasificadas y de sopas instantáneas, por encima de Estados Unidos y países que superan nuestra población.

Y … hablando sobre una muy pobre cultura del consumo:

En México una banda como Black Eyed Peas pudo ofrecer un par de conciertos reuniendo a 75,000 y 35,000 espectadores.
En descargo de los fans de Black Eyed Peas hay que decir, Ke sU Lim1tada Kapasidad IntElektuAl fue ProBabl3m3nt3 okAcionaDa p0r MaNten3r unA d1eta Rika en gaceosas y SoPaS 1nStantAnias duranT su pRim3ra jubentu... y Azï ¶§∂©∫ €∫≤≥√ßß≠.

Pero no todo fue banalidad y gente con problemas de aprendizaje el fin de semana. Jueves y Viernes se presentaron en el Palacio de los Deportes los esenciales del Glam, KISS; con un show de vieja escuela a la usanza de las legendarias bandas del Arena Rock, con plataformas, luces sin sentido y explosiones, que en el Palacio de los Deportes resultan espectaculares, siendo conocido por conservar tan bien las ondas expansivas.

Hay que mencionar que la gira “The Hottest Show on Earth” es en apoyo a su nuevo álbum “Sonic Boom”, no se trata de una de esas lastimeras giras del recuerdo que ciertas bandas ya retiradas emprenden cuando se les acaba el dinero para mantener sus vicios.

También hay que decir que los asistentes al concierto de KISS no era puro rockero trasnochado sobreviviente de Avándaro, la mayoría eran jovenzuelos, como se ve en las fotos, y asombrosamente, muchos de ellos parecen indicar con la mano que también son seguidores de Rock+NoRock, quién lo iba a decir.

Hubiera sido deseable ver a KISS en un escenario más grande y abierto, como el Foro Sol, pero en sus dos conciertos del Palacio apenas convocó al mismo número de adeptos que BEP en Monterrey. En fin, así soplan los vientos estos días.

No digo que KISS represente la quintaesencia de una banda de Rock, porque en ese feo asunto de -lo comercial- también tienen mucha cola que les pisen, pero con todo, es una banda referencial de la época de oro del Hard Rock y además en Rock+NoRock nos apegamos a nuestro cuarto mandamiento.

En lo que a su heroico editor respecta, la @ATMorgana organizó nuestra asistencia a la Sala Nezahualcóyotl a un evento que en convocatoria ni se le acercó a los otros dos. El concierto conmemorativo por los 50 años de la Filmoteca de la UNAM, que sacó a relucir una de sus joyitas, una copia del original de “La Nueva Babilonia”, película muda de 1928, cuya proyección fue acompañada con la música original de Dimitri Shostakovich interpretada en vivo por la Orquesta Filarmónica de la UNAM.
A @ATMorgana le gusta llegar elegantemente tarde, y a esto contribuyeron los gaznápiros fans de BEP, que congestionaron las vías de acceso a Ciudad Universitaria.

Novyy Vavilon- Fragmento

Para finalizar, un mensaje de KISS para todo aquel que no ha querido ver la luz y mantiene su alma en miserable raquitismo con plasti-pop.
No es una canción de su mejor etapa, pero el mensaje es claro.

Kiss- God Gave Rock and Roll to You

El Disturbio de las Tigresas en Bikini

2010-09-30T14:48:00.021-05:00

Que el título no los confunda, esta entrada no aborda al equipo de porristas reggaetoneras del Club América en Ciudad Neza.

Bikini Kill +
Le Tigre

Mini-Bio
La avanzada de bandas femeninas durante los noventa debe en gran parte su existencia a Bikini Kill, que desde finales de los ochenta fundó las bases para lo que a la postre se conoció como el Riot Grrrl, un movimiento post-punk/neo-punk, formado por bandas compuestas exclusivamente o lideradas por mujeres, que influyeron en forma determinante la escena “Alternativa” hasta su decadencia alrededor de 1998... sí, el año en que todo se fue a la mierda.

De hecho, este artículo también pudo llamarse “Empoderamiento 101”.

Bikini Kill- Rebel Girl

La historia primaria de Bikini Kill empieza, como la de casi todas las bandas noventeras, en un campus universitario; a diferencia de las banditas actuales, cuya historia generalmente empieza en una junta de directivos disqueros o en la cama de algún productor... ¿me doy a entender? (sí, hoy vengo más filoso que de costumbre).

La ex-desnudista Kathleen Hanna, Kathi Wilcox y Toby Viali publicaban un pasquín feminista llamado Bikini Kill, posteriormente decidieron encausar sus esfuerzos ideológicos formando una banda con el mismo nombre.

Informe
Las presentaciones en vivo de Bikini Kill estaban cargadas de contenido social, más allá de las contestatarias letras y actitud poco recatada (como se aprecia en la foto, previa a la era del depilado brasileño), Kathleen Hanna convertía las tocadas en auténticas arengas políticas, donde se entusiasmaba a las asistentes a pasar al escenario y tomar el micrófono para discutir temas de género.

La primera grabación de Bikini Kill fue Revolution Girl Style Now, un Demo grabado en cassette y distribuido de manera independiente, seguido del más formal EP Bikini Kill en 1991. Durante el año siguiente y en la gira de la banda por Europa, se filmó el documental “It Changed My Life: Bikini Kill in the U.K.”, y para 1993 las publicaciones independientes estaban de plácemes con el estilo “tan alternativo” del Riot Grrrl, por lo que Bikini Kill convocó a un boicot mediático, por considerar que el movimiento estaba siendo malinterpretado y comercializado... una pequeña muestra, tal vez, de la -integridad- de la generación noventera a la que se refería Billy Corgan recientemente; hoy día, letra muerta.

Bikini Kill- New Radio

A su regreso a Norteamérica Bikini Kill trabaja con la reputada Joan Jett, a quien Hanna cita como una importante fuente de inspiración estética para el Riot Grrrl. Jett produce el sencillo Rebel Girl y su lado B New Radio, aquí revisados.
La actitud renegada e insumisa de la banda siguió reflejándose en sus últimos dos álbumes, Pussy Whipped de 1994 y Reject All American de 1996. Bikini Kill se separa en 1998, justo el año en que... bueno, ya saben.

El mismo año de la separación de Bikini Kill pero en la ciudad de Nueva York, Kathleen Hanna forma Le Tigre, una banda que se aleja del Punk crudo para experimentar con lo electrónico pero en ningún momento abandona sus tendencias feministas, aunque en Le Tigre el contenido político es más simbólico que explícito, también su imagen y acto en vivo son más políticamente correctos, sofisticados incluso; hipster friendly si se quiere.

El debut de Hanna y compañía como Le Tigre es el álbum homónimo de 1999, seguido de Feminist Sweepstakes en 2001 y This Island de 2004.

Le Tigre- After Dark

Dictamen R+nR
Si a estas alturas se están preguntando cuál es la diferencia entre Bikini Kill y Avril Lavigne... en serio, deben abandonar las premisas de este blog inmediatamente y no volver nunca, no quiero ser descortés pero ya son bienvenidos.

Es triste ver cómo la fértil cultura noventera se extinguió. Hoy día es muy difícil encontrar artistas que perpetúen la manifestación política inherente al Rock. La línea genealógica de bandas femeninas se ha interrumpido y en la actualidad es prácticamente imposible citar artistas que llenen los zapatos de las PJ Harvey, las Liz Phair, las Juliana Hatfield, las Anie Di Franco o hasta las Sheryl Crow y las Sarah Maclachlan. Tal vez puedan citarse algunos dignos pero débiles intentos dentro del Indie como Cat Power, Feist o Bat For Lashes, pero estas artistas están muy lejos de alcanzar los niveles del mainstream que, como es sabido, están dominados por absurdas caricaturas poperas del viejo modelo Alternativo y los consecuentes intentos (y desgraciadamente exitosos) por tomar artistas infantiles y convertirlos en iconos culturales del Pop, como en las Britneys, las Gagas, las Hannas Montana, las Beyoncés, las Rihannas y los peleles de HSM.

Le Tigre- TKO

¿Qué quise decir con esto? Meditémoslo un poco. La cultura-pop en los noventas se generó en los campus universitarios, la cultura-pop hoy día se genera en el patio de una escuela primaria... Llámenme exagerado, pero a eso yo lo considero un GRAN paso hacia tras.

Para no quedarnos con el entripado

Le Tigre- Deceptacon

Playlist
Escucha Bikini Kill cuando- lleguen a tus oídos los vulgares tonos de un machista Hip-Hop o Reggaetón.
Escucha Bikini Kill en vez de- Avril Lavigne, Kathy Perry, Lady Gaga o cualquier otra golfa que finja marginalidad.

La (Improbable) Leyenda Rock+NoRock: Dicen que si se toca un disco de Bikini Kill al revés, se escucha un sermón de Norberto Rivera condenando el Derecho a Decidir.

!Nuevo, para usuarios R+nR PREMIUM!... que, hay que admitir que se parecen bastante a los regulares. En nuestro canal de YouTube hay un video de Bikini Kill ¡en una presentación de 1992! mucho antes de la era del video digital y previo a 1998, el año en que... ya saben.

No será la última vez que sabremos del Riot Grrrl en este blog así que, si les gustó, hagan barullo social...

Playlist para Investigadores Forenses

2010-09-27T06:00:00.006-05:00

Airlock

Mini-Bio
Los inicios de Airlock son más humildes que los de la mayoría de las bandas mencionadas en este blog que, de por sí, ya son humildes de grado Amish.

Musicom era un trío Belga dedicado a musicalizar campañas publicitarias y producciones cinematográficas independientes. En una colaboración con artistas locales los Musicom conocieron a la escocesa Esra Tasasiz. La felíz unión de talentos los entusiasmó a crear un proyecto musical. Airlock nació en 1997.

La primera producción de Airlock fueron algunas canciones que aparecieron en la trilogía del director de culto Oliver Van Hoofstadt (o al menos es de culto en Bélgica), muy al estilo de Guy Ritchie (Uno pensaría que los belgas son muy seriecitos, pero bien que les encanta la camorra, eh). Gracias a la promoción que acompañó a la película, uno de los sencillos presentados como parte del soundtrack se filtró a la radio, lo que les ayudó a conseguir sello discográfico en Inglaterra y grabar su primer disco “Drystar”, de 2001.

Airlock-Slipinside

Informe
Lo curioso de Airlock es que, a pesar de su nula notoriedad, es muy probable que muchos hayan escuchado e incluso gustado de su música sin saberlo.
Varias canciones del “Drystar” fueron usadas para musicalizar populares series como CSI: Crime Scene Investigation, CSI: Miami y la británica As If, entre otras.
Para los que seguimos la saga CSI, sabemos perfectamente cuándo era el -Momento Airlock-. Habiendo aparecido dos o tres muertos, los forenses procedían a recoger evidencia y plantear las primeras hipótesis; ya encarrerada la investigación venía el momento del trabajo de laboratorio y ¡esa secuencia tan característica de esas series y que se llegó a convirtir en cliché era el -Momento Airlock-!.

Junto con Airlock, muchas bandas, la mayoría anónimas, fueron utilizadas para musicalizar esos momentos a los largo de los años, y estoy seguro que muchos fans de la serie continuamente se quedaron preguntándose “¿quién canta eso?”.

Airlock-Drama 73

Como si no fuese suficiente estigma el ser etiquetada como la -banda para escenas de laboratorio en CSI-, la suerte de Airlock siguió desencajada. Los masters de su segundo álbum “Symptomatic” fueron destruidos en un incendio del estudio de grabación, así que todas las canciones debieron ser re-grabadas. En Airlock debieron interpretar esto como una señal, pues el álbum que finalmente salió a la venta en 2004 no tuvo ningún tipo de aceptación.

Dictamen R+nR
Si le preguntan a un “intelectual” de la Condechi, y por si no se notó, estaba siendo sarcástico, les dirá que Airlock es una banda Trip-Hop. De la realidad bastante lejano esto es... ehm, diría el maestro Yoda. Sucede que, con fines de mamonear, suelen confundir cualquier ritmo electrónico y con vena melancólica con Trip-Hop, al que consideran un estilo -de culto-; ya saben, la hipsteriza es tan autocomplaciente.

Para mala suerte de Airlock, desgraciadamente su música cabría más en los terrenos del Downtempo y el Chillout; y digo desgraciadamente porque no hay cosa peor para una banda que aparecer consuetudinariamente en recopilaciones de música Chillout, conocido estilo de rompe y rasga que tuvo su punto más alto a principios de la década pasada con agrupaciones como Zero 7 y Télépopmusik. Es una letra escarlata que garantiza nunca ser tomados en serio.

Airlock-Alpha

Creo injusto considerar a Airlock dentro de la llamarada de petate que fue el Chillout, pues veo algo más de substancia en ellos. Independientemente de para qué lado bateen (formalmente hablando), su álbum “Drystar”, en el que aparecen todos los sencillos presentados, es muy aceptable.

Airlock-Awakenning

Playlist
Escucha Airlock cuando... te tomes un Té Chai en Starbucks, de esos que tienen hojitas encima.
Escucha Airlock en vez de... un CD del cajón de remates en Sanborn's con éxitos en versión Chillout de The Rolling Stones.

¡Nuevo para usuarios R+nR PREMIUM!... que, es justo decir, valen lo mismo que los normales.
Hay una coqueta versión en vivo de Slipinside en nuestro canal de Youtube que, irónicamente, sí suena muy Trip-Hopera.

La Sexta es la Vencida...

2010-09-22T04:26:00.026-05:00

Las últimas entradas estuvieron dedicadas a la grilla. Es tiempo de volver a lo básico con:

Halou

Mini-Bio
Halou es la banda prototipo Rock+NoRockera, algo subterránea y muy subvalorada... justo como este Blog. En fin.
La historia de Halou es, de alguna manera, digna del guión de una película participante del festival de Sundance y se remonta a un ya lejano 1992, en pleno lustro del Alternativo, maese. En ese año se gesta un nuevo proyecto musical y una historia de amor entre Rebecca y Ryan Coseboom.

Su debut se da en 1996 bajo el nombre de Anymore, banda con la que editan un par de álbumes. Es en 1998 cuando Halou toma forma con su primer disco de estudio “Only We love You”.

Informe
¿Mencioné que Rebecca y Ryan se casaron? Bueno, pues lo hicieron. Halou es una banda, como varias de las que revisaremos en este blog, formada por una felíz pareja que comparten destinos artísticos y sentimentales.

No nos vamos a detener a discernir el estilo musical de Halou, vamos a dejarle en que son un punto medio entre Cocteau Twins y Cranes con insistentes escapadas electrónicas (a veces extraño los tiempos en que a todo podíamos zamparle el término alternativo indiscriminadamente).
De hecho, hay polos muy definidos en la música de Halou; tal vez demasiado definidos, tanto que a veces es difícil creer que se trate de la misma banda. Para quien guste de Halou, estoy seguro que mostrará una marcada preferencia por el suave matiz trip-hopero o bien, por el lado más roñoso, que es mi caso.

Halou- It will all make sense in the morning

Problemas con disqueras marcaron los años y producciones posteriores de Halou. Acordes al perfil de R+nR, a pesar de contar con talento y hasta un buen potencial comercial, se han quedado lejos de conseguir algún éxito. Mi diagnóstico es, que han pasado tiempos difíciles al definir su estilo. Uno puede escuchar un set de canciones de Halou y pensar que se trata de una banda, y puede escuchar otro set y pensar que se trata de otra diferente.

Es común que pasado cierto tiempo, los miembros de una banda tengan una pausa de su proyecto principal para iniciar propuestas alternativas personales con otra agrupación o en solitario; lo que no es muy común, es que en dichos proyectos participen los mismos miembros de la banda, es el caso de los Cosboom, que parecen no tener suficiente el uno del otro.
Ryan y Rebecca han montado proyectos paralelos a Halou desde 2001 como Invisible Ballet, The Science Teacher y, por si cabía espacio a la especulación, uno llamado R/R Coseboom. A esto en Rock+NoRock le llamamos amor del bueno.

Halou-Feeling this is like to fall awake (denle tiempo, tarda en despegar pero cuando lo hace, tengan servilletas a la mano)

Después del álbum “Wiser” de 2001, la banda se dedicó a re-editar algunas de sus primeras producciones que originalmente pasaron muy por debajo del radar, así como un par de EP's que al final fueron lanzados también como un álbum completo en “Wholeness and Sepatarion” de 2006. Lo último que le conocimos a Halou fue el álbum homónimo de 2008.

Halou- Honeythief

Es común que una banda experimente al inicio de su carrera con diferentes integrantes, estilos y nombres en lo que terminan de definir una personalidad y encontrar su voz; lo que no es muy común, es que después de 10 años de carrera se cambien el nombre. Desde finales de 2008, a Halou se le conoce en los barrios bravos con el menos místico nombre de Stripmall Architecture... aunque, en realidad tampoco sabemos qué significaba el nombre original.

Halou- Stonefruit

Dictamen R+nR
Una ironía de esas que molestan; Halou nace en 1998, justamente el año en que en nuestro manifiesto del Rock+NoRock citamos como “el año que todo se fue a la mierda”. Triste es, que bandas como esta hayan sido virtualmente ignoradas todos estos años para privilegiar a -rockeritos poperos-, que lo único que han logrado es encaminar al Rock hacia el cadalso.
¡Hey! Quién sabe, si las bandas que aquí nos encargamos de echar un humilde lazo (y muchas otras) hubiesen prevalecido durante la década pasada, tal vez aún a estas alturas uno no se escucharía ridículo diciéndole a todo “alternativo” (… maese).
No sabemos si esta banda re-configurada como Stripmall Architecture sea un proyecto lateral o un cambio definitivo. Conocemos la forma algo amateur de administrarse que tienen los ex-Halou's. No suelen ser muy fieles a su proyecto artístico, pero les basta con ser fieles entre ellos, cosa que es digna de reconocimiento.
En cualquier caso les deseamos la mejor de las suertes.

¡NUEVO! Para usuarios R+nR PREMIUM... que, cabe decir son exactamente iguales a los normales.

El video de Stonefruit no es oficial, son las proyecciones que aparecen durante algunas de sus presentaciones en vivo. No incluí videos originales porque los sencillos a los que fueron dedicados no me parecieron la mejor carta de presentación, pero si quieren ver un par visiten nuestro nuevo canal videorocknorock de Youtube, hay uno muy perturbador donde se ejecuta una lobotomía a un oso de peluche.

Publícalo en tu Muro

77 Millones de formas para quedarse dormido

2010-09-10T01:47:00.023-05:00

Éste blog se la pasó catatónico las últimas semanas, así que el siguiente review va a tener un involuntario sabor retro, puesto que el evento al que hace alusión terminó hace dos meses.

Resulta que, entre el 23 de Abril y el 13 de Junio del presente año, se presentó la instalación “77 Millones de Pinturas” del artista de multimedios Brian Eno en el Anahuacalli, en Ciudad de México.

¿Qué diablos es el Anahuacalli?

El Museo Diego Rivera- Anahuacalli se encuentra ubicado en lo que en tiempos de Rivera era el barrio de Coyoacán, en el límite sur de la ciudad, actualmente absorbido por el avance urbano (no confundir con la Casa-Estudio Diego Rivera en San Ángel). Su destino original y que aún cumple, es el de alojar la vasta colección de piezas prehispánicas del muralista mexicano (más de 50,000).
Fue “diseñado” por el mismo Diego, aunque pudo haber sido proyectado por el que diseña los edificios de playmobil. Es una mala imitación de lo que sería una construcción prehispánica, hecha con la inocente mano de alguien que claramente no tenía formación en Arquitectura.
Desde el punto de vista arquitectónico, resulta una payasada vernácula y una mentada de madre a la ergonometría, sinceramente yo no encuentro ninguna diferencia entre éste edificio y los ambientes simulados con cartón encontrados en los parques temáticos que tanto les gustan a los gringos, muy al estilo Las Vegas; pero éste cliché sirve para que los visitantes extranjeros puedan decir “cool! These mexican dudes make everything like, you know, pyramids and pinatas and stuff, they're so different from us”... cosa que, you know, les fascina creer.

No quiero ser muy rudo con el Anahuacalli, después de todo, a pesar de su humilde (o cuestionable) propuesta arquitectónica, es un icono y uno no puede negar la majestuosidad del edificio y el emplazamiento. Definitivamente es impresionante y hay que conocerlo.

Bueno, éste no es un blog de Arquitectura, está en mis planes futuros iniciar uno, pero mientras veamos...

¿Quién diablos es Brian Eno?

Muy difícil es definirlo, pues se refiere a sí mismo como un -No Músico-, a pesar que los que le conocemos, ha sido por esa disciplina en la que ha logrado mayor reconocimiento. Por otro lado, su pasión y área de interés es más cercana a la de un artista visual/experimental... lo que lo convertiría en un -artista multimedia-, sin embargo Eno dice también despreciar esa etiqueta. En éste artículo lo vamos a llamar por su verdadero nombre, que es Brian Peter George St. John le Baptiste de la Salle Eno... ¡en serio!
A Brian Peter George St. John le Baptiste de la Salle Eno se le reconoce como uno de los padres de la música ambient. Inició sus primeros experimentos con la música electrónica a mediados de los '70, aunque grabó un par de álbumes de rock progresivo previamente, además de haber trabajado con Roxy Music. No domino el trabajo de Brian Peter George St. John le Baptiste de la Salle Eno en el ambient pero, ya saben, toda la música ambient suena igual, como a música para aeropuertos y ¡hey!, de hecho así se llama su disco de 1978 “Ambient 1: Music for airports”. A lo largo de su carrera, Brian Peter George St. John le Baptiste de la Salle Eno ha colaborado con docenas de artistas importantes como productor, mezclador, etc... No incluyo dicho trabajo porque algunos artistas me resultan demasiado incómodos para mencionar pero, en serio, son muchos y de la más alta talla. En realidad, es más por estas colaboraciones que por su trabajo solista que sabemos de Brian Peter George St. John le Baptiste de la Salle Eno.

Tampoco quiero ser muy rudo con la música experimental de Brian Peter George St. John le Baptiste de la Salle Eno porque, aunque dejé muy atrás la etapa en la que podía interesarme la música ambient, me apego al cuarto mandamiento del Decálogo del Rock+NoRock y respeto el lugar de Brian Peter George St. John le Baptiste de la Salle Eno en la historia de la música.

Pero este no es un blog de música, así que pasemos a lo que nos atañe. Y de hecho SÍ es un blog de música, pero este es un artículo sobre arte-instalación.

Fue de @ATMorgana la iniciativa de ir a la conferencia ofrecida por Brian Peter George St. John le Baptiste de la Salle Eno en el Teatro de la Ciudad. Dicha conferencia tenía como objetivo presentar la instalación “77 millones de Pinturas” en el Anahuacalli, pero por problemas logísticos fue aplazada y terminó ofreciéndose a dos semanas de estar montada la exposición.

En la conferencia, Brian Peter George St. John le Baptiste de la Salle Eno ofreció algunos argumentos interesantes aunque poco sólidos sobre la visión de su “arte”, justificando sus orígenes e influencias. Divagó durante casi dos horas sólo para concluir que, cito: “Lo que hago es importante”... aunque en realidad NO lo es; si algo sabemos que NO va a cambiar al mundo, eso es el arte.

¿Qué diablos son 77 Millones de Pinturas?

Siendo cínico (el plato de la casa), “77 Millones de Pinturas” es un caleidoscopio digital de US$20,000.

En una sala completamente oscura, 12 pantallas proyectan unas 20 fotos diferentes sobrepuestas en 3 capas, apareciendo en una secuencia asincrónica de imágenes compuestas por figuras geométricas, ilustraciones que probablemente fueron producto de malos experimentos con Microsoft Paint y filtros de Photoshop y otras que juraría que forman parte de un catálogo de tapices abstractos para baño.
A lado de los monitores hay una caja de luz y una par de montículos de arena también iluminados, estos últimos son recursos favoritos de los artistas cuando se quieren hacer los interesantes.
Todo esto va acompañado con un soporífero soundtrack de música ambient que fácilmente se puede escuchar en millares de instalaciones multimedia hechas por cientos de autores desde hace décadas. De hecho, adivino que toda esa música viene en un álbum doble llamado “Regular ambient music for your generic Instalation”; pero esto no me consta, así que no me hagan tanto caso.

Para apreciar la visión psicodélica, en todos los recintos donde la instalación fue mostrada alrededor del mundo, se colocaron lugares para sentarse. Hay que decir que los sillones del Anahuacalli resultaban propicios para la meditación trascendental... o acurrucarse cándidamente y echarse un “coyotito”.

El resultado de la mezcla de imágenes, que incluyen una pantalla para crear iluminación de fondo, teóricamente generará alrededor de 77 millones de exposiciones diferentes. Para Brian Peter George St. John le Baptiste de la Salle Eno y según mis cuentas, ver cada exposición durante 30 segundos tomaría unos 73 años para ver todas las posibles combinaciones, sin contar comidas e idas al baño. Aunque si me preguntan, para mí hubiera sido más que suficiente con 77 fotos y 15 minutos de observación, que es el tiempo en que la instalación deja de tener interés.

77 Millones de Pinturas resultó una obra muy decepcionante y expongo mis motivos a continuación:

1.- La idea de poner una secuencia de imágenes en un monitor y alegar que se trata de una instalación multimedia es muy vieja (más vieja que el “alternativo ¡y eso ya es muy viejo!).

2.- No me importa mucho que la idea sea reciclada, pero me irrita que las -así llamadas- pinturas que componen la instalación, sean tan ridículamente simples y carezcan de sentido en lo individual y en conjunto. Es claro para mí que el “artista” ni siquiera se esforzó en que las imágenes fueran interesantes o tuvieran algún contenido o discurso.

3.- También puedo aceptar que el objetivo de la instalación no sea el asombrar, ser original o tener un mensaje, y que simplemente aspire a la humilde meta de crear un -ambiente- e interactuar con la percepción individual del espectador. Muy válido, pero esto también lo hacen los proyectores de Disney para prevenir el Síndrome de muerte súbita en bebés, hay unos monísimos. Lo mismo hacen las lámparas de lava y los protectores de pantalla.

4.- Me rompe las pelotas que a estas alturas de la civilización, los así llamados artistas, sigan dándose esos aires de grandeza diciendo que su trabajo está lleno de significado y concepto, cuando en realidad fue hecho en 15 minutos con MS Paint y Flash. Como dije en el inciso anterior, puedo aceptar la digna humildad de una obra, pero no el esnobismo del autor que quiere hacer pasar su juguetito como una pomposa pieza de arte.

5.- He visto video-instalaciones muchísimo más interesantes y creativas en el Museo del Chopo y el MUCA (el viejito) hechas por becarios locales.

6.- Como propuesta artística me parece, en el mejor de los casos, mediocre, hasta podría creer que Brian Peter George St. John le Baptiste de la Salle Eno se burla de nosotros poniendo una serie de dibujos sin terminar en Paint.

Como empecé diciendo, esta reseña les será poco útil puesto que la instalación se retiró hace varias semanas. Por lo que a estas alturas, a nadie voy a salvar de pagar MXP $80 por irse a anestesiar el trasero.
Por lo manifestado aquí, sería fácil adivinar que no recomendaría la obra, sin embargo, sí lo haría. Para formarse un criterio y tener una opinión, no hay mas que observar y valorar cuantas manifestaciones sean posibles.
Dicho esto, en el entendido de que para muchos hispters y auto-nombrados intelectuales, su idea de cultura es ir a ver banditas indie al Pasagüero o sacarle fotos al platillo gourmet que ordenaron en un bistrot de la condechi y publicarlas en twitter.

[¡Auuuu! Eso debió doler ¿verdad?]

De nuevo, para no terminar en una nota baja, les dejo algo de la producción musical de Brian Peter George St. John le Baptiste de la Salle Eno, campo en el que se desempeña mucho mejor que en el de la plástica. Es “By this river”, pre-cio-sa.

Gracias a @ATMorgana por las aportaciones y sugerencias a este artículo.

Breve Despotricadero Anti-Pop

2010-08-31T19:08:00.009-05:00

“El Pop es para Idiotas”- Billy Corgan

No está claro si esta declaración del peloncito Billy ha sido una manifestación de virilidad o producto de un arrebato senil.

En reciente entrevista, William Corgan (porque creemos que ya está muy viejo para decirle Billy), hizo una serie de declaraciones incendiarias que me motivaron a hacer algunas reflexiones un piquito más profundas.

Aquí la entrevista originalmente aparecida en el periódico Reforma.

Debo decir que, en principio estoy de acuerdo con lo citado por Don William, llevo diciendo lo mismo por años; lo que me desconcierta un poco es todo el contexto en el que se gestan estas aseveraciones.
Quiero creer que hubo errores de traducción, porque algunos conceptos suenan anacrónicamente apolillados.

Corgan empieza por decir que siempre ha defendido ser un artista alternativo. Bueno, no sé si la expresión “del año de la canica” les diga a algo, pero el “alternativo” y la canica son contemporáneos. Cualquier persona medianamente versada en música popular dejó de usar el término “alternativo” hace diez años ¿por qué William se viene a dar baños de “alternatividad” a estas alturas? Con qué va a salir después, con que ha descubierto un interesante concepto llamado redes sociales y que ya tiene su perfil en una llamada Hi5. Quiero decir ¿nadie le comentó que los años han pasado?, ¿Creerá que su tocayo Clinton sigue en la Casa Blanca?... como ya mencioné, -tal vez- se deba a un error de traducción.

William sigue: “Siempre he sido alternativo y me interesa romper las reglas del pop, porque es para idiotas y se ha reducido básicamente al negocio. El pop se ha basado en tomar a una banda buena y esclavizarla al modelo popero. Así, muchos grupos terminan perdiendo su esencia. No puedo imaginar a los grandes de los años 60 al servicio del negocio de hoy en día”.

Bueno, esto ya se ha mencionado en el Manifiesto del RocknoRock. Sinceramente estaba empezando a creer que yo era el único libre pensador moderadamente cuerdo que opinaba así. He tratado de explicar esto los últimos años con muy poco éxito, lo que me lleva a concluir que, o yo soy poco elocuente o mi audiencia es medio palurda... y popera.

La cosa se pone verdaderamente Bizantina a continuación. Corgan sigue: “La generación que nos tocó en los años 90 estaba llena de integridad y de pasión por la música, pero la que siguió se enfocó en mucha mierda”.

Esta declaración yo la twitearía en el popular hashtag #nomelasdesllorando. Es decir, estoy muy de acuerdo con la parte de la generación mierda pero, que la generación de los noventa era todo integridad y pasión, no sé, creo que está empujando las cosas más allá de sus límites.

Tengo un recuerdo vívido de esa década y, aunque en su momento también la consideré como el pináculo de la civilización occidental, al paso de los años me he dado cuenta que no fue tan pura y perfecta como quisiera(mos) recordarla; tuvo también sus sinsabores y su mucha cola que le pisen.
No voy a empezar un debate generacional en este momento, eso sería motivo de al menos un libro completo o un ensayo bien tripón.

No se puede negar que los noventa tuvieron un prolijo aporte cultural, pero igual lo tuvieron los ochenta y las décadas que le precedieron, cada una destacando a su manera; no así los 00's, tan mediocres que ni siquiera se han tomado la molestia de bautizarlos debidamente, yo (con inmerecida cortesía) me refiero a ellos como la década del milenio ¿alguien tiene algo mejor?

Quiero ser muy puntual en esto. En general apoyo totalmente lo que dice Don William, es simplemente que la manera de decirlo fue muy desafortunada, suena francamente como salido de la caricatura de un estereotipado personaje de la Generación X.

Más adelante en la entrevista, Corgan se lanza contra Lady Gaga. Ahí sí se mostró un poco más prudente, supongo que le sacó a patear (más) el avispero.
Sé que hay mucho roquerillo wannabe y poperos de clóset que son fans de ambos personajes, de la Gaga y de Smashing Pumpkins; en teoría, este episodio debería de ocasionarles una crisis de conciencia (esto es, desde luego, concediendo que tengan una conciencia), ya que, en la visión de Corgan, se confrontan directamente la vieja honestidad del alternativo con la plástica exhuberancia del pop. No quiero ser radical pero, esta es una de esas situaciones donde no se puede tener una pata en cada lado de la frontera, no sería coherente, como tampoco sería coherente poner un dispensador de condones en la parroquia local... -ahora sí que, o sea cómo- (¡¿?!).

Corgan termina diciendo (no se mencionan en el artículo online, sólo en la versión impresa):

“... Amo la música y, pese al pop y a lo estúpido que hay en la industria, creo que lo mejor, musicalmente hablando, está por hacerse...”

De nuevo, yo no sé de dónde sacó estos aires de grandeza, aunque es cierto que ya desde los noventa a Billy se le veía cada vez más perder contacto con la realidad y, como José Alfredo, sentirse superior a cualquiera.

Probablemente sea una cuestión semántica, pero la forma en que maneja el buen Billy los términos “alternativo, “pop”, etc... me hace pensar que está forevereado o que ya se amargó. Decir que el alternativo es cool y el pop es para idiotas me suena tan, tan, pero tan anticuado. Insisto, en esencia no es que esté en desacuerdo pero, seguir hablando de cosas alternativas es de ruquitos, y satanizar al pop en general es un poco excesivo. Vuelvo, yo no sé si a Corgan le dijeron que los tiempos han cambiado.

No es que el Pop per se sea malo; lo que a cualquier admirador del Rock debe (o debería) molestar, es ese pop con fines exclusivamente comerciales, sin sentido ni aporte, más allá de lo escandaloso. Ese pop frívolo, ramplón e infantil que domina la escena de la música popular desde hace más de diez años, personificado por divas enseñadoras de nalga, boybands para quinceañeras y para los sexualmente ambiguos, o las más peligrosas boybands con guitarritas, pretendiendo ser hombres, como la plaga de Nu-Metal y el Happy Punk que se manifestaron a principios de la década; banditas pop que se quisieron hacerse pasar por bandas genuinas, y desgraciadamente con bastante éxito en su intento.

Pero bueno, como dije, probablemente sea una cuestión de semántica. Aunque eso no quita que las declaraciones de Corgan suenen muy anticuadas.
Tampoco hay que perder de vista que, la primera etapa en la carrera de The Smashing Pumpkins terminó en una nota muy baja con los álbumes “Machina: the Machines of God” y “Machina II”, ambos del año 2000 con malas críticas y ventas; “Adore” que, aunque popular, ya acusaba algunos visos de decadencia en 1998. Y mejor ni mencionar la “segunda vuelta” de la banda, que regresó con “Zeitgeist”, en 2007.

Total que, The Smashing Pumpkins -Light-, digo esto porque aparte de Corgan, ninguno de los otros 3 miembros originales está presente, se presentaron en el Auditorio Nacional en el marco del Festival MTV World Stage México, compartiendo escenario con 2 bandas que, irónicamente representan todo aquello que la cultura alternativa de mediados de los noventa no representaba y repudiaba, 30 Seconds to Mars; que son una de esas boybands con guitarritas mencionadas anteriormente. No sé si a Corgan le mencionaron que se presentaría a lado de una banda que, de haber existido en 1995, el mismo les hubiera atravesado el cráneo de un escupitajo, porque vaya que son huecos estos emos, liderados por el también niño actor, Jared Leto.

… a toro pasado (también citado por otras fuentes como “Update”):

Vengo escribiendo esta entrada desde el hace una semana, pero apegándome a los más altos valores procrastinantes, resulta que se ha terminado hasta hoy.

Aparentemente el concierto de The Smashing Pumpkins Light resultó algo tibio. Sorpendió a muchos el hecho de que la banda de mayor cartel, The Smashing Pumpkins, destinada a cerrar el evento, se encargara de abrirlo en esta ocasión. Más que una afrenta a la trayectoria de los Pumpkins, representó una movida inteligente de los organizadores, que entendieron que no podían someter a los asistentes a 4 horas de tortura antes de ver a la banda estelar. En cualquier caso el objetivo no se cumplió, pues el recinto fue decayendo en asistencia y emoción con el paso de la noche.
Uno de los puntos más bajos de la noche fue el cierre de la actuación de The Smashing Pumpkins, que terminó con un montaje muy mal hecho de lucha libre... sí, está leyendo bien, lucha libre; en el que unos enmascarados rudos sometieron al líder de la banda para finalmente ser rescatado por los luchadores técnicos, según entiendo.
No sé si este espectáculo, que es malo hasta para los estándares del circo Atayde, sea considerado en la antigüa tierra mágica de Chicago (ciudad nativa de la banda) como un “performance alternativo”, porque aquí, simplemente es vulgar. Después de esto, el espectáculo sólo podía ir en una dirección, hacia abajo.

Es claro que The Smashing Pumpkins ya no es lo que algún día fue, ahora que se ve forzada a participar en un clásico show itinerante, de esos en los que sólo se animan a participar bandas desempleadas (sin álbum ni gira propios) o que claman por obtener un poco de atención.

Para concluir; independientemente de las anteriores disertaciones, este artículo podría resumirse en las siguientes sentencias:

Enunciado A: Los noventa no fueron tan grandiosos como quisiéramos recordarlos... sin embargo:

Enunciado (subordinado) B: Los noventa son como la Grecia clásica comparados con la primera década del milenio, parecida al oscurantismo medieval.

Como no puedo dejar que un viejito forevereado me gane en declaraciones incendiarias en mi propio blog, termino con esta reflexión que intitulo “Donde Rock hubo, cenizas quedan”:

Desearía de todo corazón creer en la visión de Don William Corgan de que en los próximos años el Rock renacerá de entre sus cenizas y el reino de terror del Pop llegará a su fin. Sin embargo, me vuelvo pesimista por varios motivos; uno de ellos es que, hasta la fecha, no se ven trazos de que nuevas bandas puedan llenar los zapatos de sus antecesoras noventeras, por el contrario, el hueco es tan grande, que ha dejado campo para que bandas que ya estaban dos metros bajo tierra hagan regresos “vintage” como el de Alice in Chains, haciendo en 2010 exactamente lo que hacían y como lo hacían en 1994. Otras bandas contemporáneas amenazan con reuniones similares; algunas ya dieron muestra de lo patético que puede ser su intento, como el caso de Stone Temple Pilots, recién “reunidos” con todo y Scott Weyland que, no quisiera sonar draconiano pero, era mucho más talentoso cuando andaba hasta el copete de estupefacientes.

Como ya dije en varias ocasiones durante este artículo, apoyo incondicionalmente las declaraciones de Billy Corgan pero, creo que su mensaje no tienen quórum.
¿A quién exactamente le está hablando Billy cuando dice que “el pop es para idiotas”? ¿A los subnormales fans de 30 Seconds to Mars, a los de Lady Gaga, a los de Tokio Hotel, o a los de Green Day?

¿Cómo se le explica a una generación de idiotas que “el pop es para idiotas”? Ni a los pensadores clásicos se les hubiera ocurrido este calibre de paradoja.

Mejor aún.- ¿Cómo una generación tan limitada culturalmente, que usa la totalidad de su hemisferio derecho para controlar sus funciones vitales y el derecho para operar su teléfono celular va a poder distinguir entre el Rock y el Pop?

Para no cerrar esta nota en actitud bocabajeada, les dejo un video de The Smashing Pumpkins en su época más brillante. Puede ser usado como tutorial para banditas de Lilos y otros mamarrachos como los 30 Seconds to Mars, aunque sea para que sepan cómo solía sonar una banda de Rock.

Comentario Editorial

2010-02-26T12:02:00.006-06:00

En fechas recientes fui increpado por una de las escasas, aunque muy apreciadas, lectoras de este e-zine. El cuestionamiento iba en el sentido de que, por qué hasta ahora sólo se han hecho reviews de bandas o artistas femeninas. Conservando su identidad en el anonimato pero citándola: “... ¡necesito más testosterona!”. Bueno, podría ponerme Freudiano y hablar sobre conceptos como “La envidia de pene”, pero entonces me arriesgo a perder la fracción feminazi de lectoras, y de momento no nos podemos dar esos lujos. En su lugar, como siempre, me voy a atener a los hechos duros... sin albur ni implicaciones Freudianas.

Quiero empezar por decir, que no es ninguna coincidencia, la redacción está perfectamente consciente desde la planeación de este blog que, hasta la fecha, y la gran mayoría de los que están por venir, son reviews de bandas femeninas o lideradas por mujeres.
Esto es resultado directo de la depresión por la que ha atravesado el Rock en la última década. Como cito en el Manifiesto del Rock-noRock, señalo a 1998 como “el año en que todo se fue a la mierda”.

Desde entonces, han sido muy escasas las bandas que -realmente- podamos llamar Rock. Por el contrario, ha sido el Pop el que ha ido usurpando los terrenos antes ocupados por el Rock. En este aspecto particular, el papel de las bandas masculinas es verdaderamente patético.
Como planteo en el Manifiesto del Rock+noRock, en más de doce años, no ha nacido una sola banda que le llegue a los talones a los monstruos de décadas pasadas. A menos claro, que pretendan comparar a Linkin Park con Led Zepellin, a Coldplay con Iron Maiden, o a la bandita Indie de su preferencia con Nirvana, cosa que me parece francamente majadera, digno de alguien que no tiene ni la más elemental noción de la historia del Rock, y sin embargo sucede cada vez más a menudo.

Entre los rockeros de verdad y los que sólo fingen, no es popular decir que el Rock está en la lona; pero estos sujetos no acompañan su negación sistemática de la realidad con evidencia incontrovertible que respalde su punto de vista.

Aclaro que no guardo rencillas contra el Indie, después de todo el así llamado, Indie Rock, me rescató de quedarme “forevereado” en los noventas, como muchos que aún no se han dado cuenta o no lo quieren aceptar. Pero a estas alturas el Indie está muy gastado, si es que alguna vez fue sólido, considerando que el Indie se quedó muy, muy, pero muy lejos de alcanzar los niveles de influencia que tuvieron el -mal llamado- “alternativo” o el New Wave, por citar sólo dos.
Actualmente, me refiero al Indie (ya ni empecemos con el emo) como “Rock Castrado”. Siéntase libre de citarme.

Por otro lado, las bandas femeninas* del mismo periodo me resultan recalcitrantes, muestran una gran variedad de matices musicales, riqueza de géneros interpretativos y propuestas de imagen muchísimo más originales que sus contrapartes “masculinas”.

*Y por lo que más quieran, entiéndase que aquí ¡OBVIAMENTE no me estoy refiriendo a las falsas nuevas divas del pop!

La opción es quedarse forevereado con las bandas y las glorias de décadas pasadas y por lo tanto envejecer, o adaptarse con gracia y bombear de aguas profundas los últimos yacimientos de música rock (o NoRock) existentes.

Por lo que a la testosterona corresponde, creemos firmemente que muchas de las músicos revisadas en este blog, tienen más testosterona en un ovario que Fall Out Boy y Green Day todos juntos.

Citando a Jerjes, el conquistador Persa: “Parece que mis mujeres se están convirtiendo en hombres y mis hombres en mujeres”, refiriéndose a la capitana de fragata Artemisia, quien combatió con fiereza a la armada Ateniense, mientras que el resto de su flota huía con el rabo entre las patas.

Lo que estoy diciendo es que, no consideramos que las bandas masculinas nacidas en los albores del nuevo milenio sean lo suficientemente “hombres” para cumplir con los estándares Rock de este e-zine. Cuando los “rockeritos” hagan acopio de huevos, serán bienvenidos en este blog, mientras tanto, su participación será muy limitada.
Como yo lo veo, el déficit actual de huevos en el Rock, es similar en volumen, al de la ayuda humanitaria mandada a Haití, así que no será fácil.

Por todo lo citado anteriormente, creemos que las bandas o artistas femeninas ostentan con mucha más dignidad, respeto y actitud el estandarte del Rock.

No negamos la posibilidad de que existan bandas masculinas dignas, así como tampoco negamos la posibilidad de vida en Marte. Es sólo que, llevo varios años explorando bandas por mi cuenta, off-mainstream, y las únicas que encuentro divertidas u originales resultan ser de mujeres. Casi todas las bandas “masculinas” con las que me he topado, me incitan más a hacerme una manicura que a romperme un ladrillo en la cabeza.
¡ESO NO ES ROCK!

El Rock es para los HOMBRES (… y las mujeres pues, se entiende ¿no?) ¡no para los nenas y las princesas! (sic).

Si nuestra groupie, nombre código: Rosalba, o cualquier otro lector(a), tiene alguna aportación de alguna banda de hombres-hombres que se adecue a los límites y el concepto del blog Rock+noRock, es decir, que no me provoque sacarme la ceja, háganoslo saber y prometemos que será revisada y considerada para su posible inclusión.

Despido esta disertación con un sonoro pero respetuoso... ROCK ON, BITCHES!

Las Esposas de Mr. Roboto

2010-02-23T12:00:00.013-06:00

Robots in Disguise

Mini Bio
Particularmente difícil se me hace ubicar a Robots in Disguise en un campo semántico, así que vamos a dejarlo en que se mueven fundamentalmente dentro del Electro-clash, que es una forma inspirada en el Punk, pero basada en sintetizadores y muy compatible con la pista de baile.

Aunque las Robots se desempeñan principalmente en la escena británica, sus orígenes incluyen Berlín y Londres, de donde son originarias Delia Gaitskell y Suzanne Powell, respectivamente y que, como proyecto no de año nuevo sino de nuevo milenio, forman Robots in Disguise en 2000; producidos por Chris Corner, de Sneaker Pimps y que también tiene un acto solista llamado IAMX, que probablemente revisaremos más adelante.

La banda produjo 3 álbumes, destacando el “Get RID!”, de 2001. En proceso de grabar un cuarto disco, se quedaron sin dinero, así que para financiarlo, por curioso que parezca, están organizando su propio teletón desde 2008, aceptando contribuciones en su sitio web.

Informe
No está claro de dónde sale el nombre de Robots in Disguise, aunque es un hecho que no está relacionado con Transformers (por más que el atarantado motor de búsqueda de Wikipedia lo sugiera), es obvio que ese mote resulta muy atractivo para los pósters que anuncian la alineación de bandas en los clubes de la escena europea.
Como ya se mencionó, Robots son una de esas “bandas de club”, con un entretenido y energético performance en la tocada en vivo y para pequeñas audiencias.

Su música no cae en complicaciones y pretende solamente divertir, teniendo como temas principales en sus canciones: la cruda, el delirium tremens, la vida nocturna y su mala experiencia con la industria disquera, visto con una muy buena actitud.
La ironía en sus letras y en general en todo su acto, nos indica que no se toman muy en serio a sí mismas, lo que es refrescante, después de haber aguantado una década de banditas de rock compuestas por castrados que se quieren hacer los rudos.
Evidencia de esto está en temas como “We're in the music biz”, una sátira de sí mismas y la industria en general; tema del que, en una observación más profunda, probablemente toman su nombre, considerando el siguiente verso:

"Dress up as robots in Soho hid outside the BBC
to plug our cd to a DJ
Do you wanna be on my show yeah!
We chuck glitter in your eyes and pull out lasers, open fire!
Stalk the journos round Reading we got tagged in your mag as Britains worst band
Absolutely no talent, the most unsuccessful duo the UK has never known yeah"

¡Tienen que amarlo!

Dictamen R+nR
A diferencia del grueso de bandas, que tienen aspiraciones de grandeza, creo que las Robots in Disguise son felices siendo las reinas del circuito de jóvenes que les gusta mezclar polvo de ángel con Red Bull.
Es evidente que, a estas alturas, la crítica especializada no las tomará en serio jamás, sin embargo, se han ganado un lugar entre los fans del círculo antrero londinense, con temas como “Can't stop getting wasted” y “The Sex had made me stupid”* que, por decir lo menos, están hechas para generar empatía entre su audiencia.

*La alta gerencia de R+nR aclara que lo que deja estúpido no es el sexo, sino la sífilis.

Incluyo videos de bajo presupuesto (no tienen de otros) de “DJ's got a Gun” y mi recomendación personal “Turn it Up” que, es incongruente con el resto de su producción, pero es de mis sencillos favoritos descubiertos en 2009, una pieza perfecta de electro-punk en lo que a mí respecta; además se pueden ver algunos de sus desfiguros en el escenario.
No me encanta la idea de incluir en un review, un cover hecho por la banda en cuestión pues, yo digo “¡así serás bueno! haciendo covers”, pero este en particular me parece un aporte original. Se trata de “You really got me”, de The Kinks.

You Really Got Me, Robots in Disguise

Tampoco adoro saturar cada artículo con vídeos pero, no podía dejar pasar este que me parece excelente, “We're in the music biz”... por si a alguien le interesa empezar una banda.

Para terminar, me enorgullezco en reportar que la anterior, es la semblanza on-line más completa de esta banda que se puede encontrar. Si encuentra una mejor... bien por usted.

Fe de errata: Resulta que una canción poco conocida es “Transformer”, así que la liason entre el nombre de la banda y el slogan original de la línea de juguetes de Hasbro está en entredicho... yo, que no creo en coincidencias, estoy confundido.

Martina y su topil

2010-02-19T12:00:00.010-06:00

Martina Topley-Bird

Mini-Bio
La mayoría de los artistas reseñados en este e-zine tienen muchos motivos para estar resentidos con la vida. Yo opino, y dichos artistas estarán de acuerdo, en que han colectado menos fama de la que les correspondía. Esto, considerando que MTV y las listas de popularidad están llenos de sujetos cuyos talentos son más que cuestionables.
Entre ellos, si alguien merece estar hecha una furia, esa es Martina Topley-Bird.

Aún adolescente, fue reclutada por Tricky, un raperito callejero británico auto promovido a trip-hopero. Para entonces, Tricky ya formaba parte de la gruesa alineación de Massive Attack y gozaba de las mieles del éxito pero, teniendo una voz parecida a la de un gangoso muy resfriado y recién levantado, sus opciones como solista eran muy limitadas.

Antimatter, Tricky

De tal suerte, Martina Topley se convierte en la pareja sentimental, voz e imagen del aclamado álbum solista de Tricky, Maxinquaye, 1995. Martina es vocalista líder en la mayoría de las canciones, sin embargo todo el crédito va para Tricky. El insulto final vino cuando por error de imprenta, en los créditos del disco es mencionada como “Martine”.

La relación profesional y personal con Tricky se prolongó en los mismos términos por dos álbumes más, que no corrieron con tanta suerte. El ego de Tricky se desbalanceaba cuando intituló su segundo proyecto “Nearly God”. Con participaciones de Björk, Neneh Cherry, Allison Moyet (de Yazoo) y la misma Martina en las vocales. Yo definiría este disco como música para ermitaños... si no se es uno, probablemente terminará así escuchando ese tipo de música. Es un álbum deprimente (en el buen sentido) y muy obscuro cuyo éxito comercial fue negativo.

En 1998 el affaire Martina-Tricky termina, hijo de por medio. Le tomó a Topley-Bird más de 5 años reiniciar una carrera por su cuenta por su cuenta con Quixotic, 2003, y posteriormente The Blue God, en 2008.

Informe
Aunque es elemento primordial y fundador de Massive Attack, Tricky siempre me ha parecido un artista muy sobrevaluado. En sus proyectos personales, las únicas canciones que valen la pena son las que soporta Martina Topley-Bird. Es justo asegurar, que sin ella Tricky no tendría un nombre por su cuenta.
Comparando talentos mano a mano, me parecen mucho mejores los álbumes de Martina que los de Tricky en solitario, por mucho.

Incluyo en este reporte “Antimatter”, que ni si quiera se incluyó oficialmente en el Maxinquaye. Esta rola la programaban en radio sólo después de media noche, ahí donde ponían las rolas sin dueño y los locutores ya no decían los títulos. Al más puro estilo de la era previa al internet, tarde varios años en saber quién tocaba esta canción, que es mi favorita personal de la colaboración Tricky-Topley-Bird. Una versión muy mala, gruñida más que cantada por Tricky, fue incluida en Vulnerable, 2008. Consideren ésta edición con la voz original de Martina, un garbanzo de a libra.

Incluyo también el segundo sencillo del Maxinquaye, “Hell is round the corner”. Un corte que es la quinta escencia del Trip-Hop y por lo único que le doy crédito a Tricky. ¡Esta sola canción definió ese popular aunque fugaz género!

Hell is Round the Corner- Tricky

Dato curioso: La que a la postre sería reconocida como la banda más representativa del Trip-hop, Portishead, incluyó un cínico sampleo de Hell is Round the Corner en su canción pero, mientras que la versión de Tricky fue relegada a la programación de media noche, la “apropiación” de Postishead se estrenó unos meses más tarde, cuando el ambiente era más propicio para música deprimente (en el buen sentido), además era ligeramente más amigable y fue un éxito del álbum Dummy.
Tricky demandó por regalías, pero nunca supe en qué terminó el alegato. Supongo que se sintió un poco como la Topley-Bird.

Para ver en acción en vivo a Martina les dejo Poison, de sus últimos sencillos y como es costumbre también, el único vídeo decente que pude encontrarle porque no hay mucho de dónde escoger, Anything, de su álbum debut.

Dictamen Rock+noRock
Detrás del moderado éxito, incluso la permanencia de Tricky como solista, está Martina Topley-Bird. Aunque la relación con él es innegable, el estilo de Martina se aleja mucho de las complejidades emocionales y formales del Trip-Hop, para lograr un carácter muy original que, en mi opinión podría con el tiempo superar al del mismo Massive Attack, banda con la que por cierto colabora en su última edición, Heligoland, estrenado hace un par de semanas.
Martina “martine” Topley-Bird cuadra a los oídos de aquellos que gustan una amplia variedad de interpretaciones y matices en un mismo artista.

Martina Topley-Bird es No-Rock
… y Tricky es un abusivo

Alicia en el País del Punk

2010-02-16T03:08:00.031-06:00

Alice in Videoland

Mini-Bio
Ahora que se ponen de moda las Alicias Pervertidas:
Al ice in Videoland, de origen sueco, se compone de la vocalista Toril Lindqvuist y Carl Lundgreen y toma su nombre de un videojuego hecho para la Commodore 64, aquel primitivo computador que, por un momento en los ochentas, nos dio la esperanza de que el futuro cercano podía ser mejor.
Esta banda, nacida como un experimento sin mayores pretensiones, pero teniendo un acto en vivo destacable, logró cierto reconocimiento dentro del circuito escandinavo de tocadas y festivales a principios de la década, hasta sacar su primer álbum, Maiden Voyage en 2003.

Alice in Videoland- She's a Machine

Informe:
Alice in Videoland toca una especie de electro-punk, pero desmarcándose de los manifiestos políticos usualmente asociados a bandas del género. Para darse una vaga idea de a qué puede sonar esto, digamos que si tomáramos a The Human League, se les metiera en una jaula por 30 días, se les alimentara solamente con alimento procesado lleno de hormonas animales y se les hostigara con agujas eléctricas por las noches, al final saldrían tocando un synth-pop bastante violentado, pero sin la formalidad del industrial o el EBM; al contrario, apuesta por la ligereza lírica del pop.

Por sus inicios, y porque así son las bandas escandinavas, se puede anticipar que Alice in Videoland será una banda IKEA. Probablemente nunca trascienda más allá de la progresista escena escandinava ya que, como es sabido, el conservador público norteamericano es poco proclive a aceptar propuestas de la vanguardia europea; que a estas alturas siguen pensando que el happy-punk es muy trendy el nu-metal muy rudo y el indie es el nuevo alternativo.

La frecuencia en la que se encuentra Alice in Videoland es amplia, como en la que se puede encontrar cualquier banda de punk-rock. Hay variedad de glam-rock, power ballads y algunas chillonas de electro-pop.

No pierdo oportunidad en manifestar mi desprecio por el adelgazamiento del punk o cualquier otro género en estos últimos años pero, yo digo, si de todas maneras se van a hacer reinvenciones pasajeras del Punk original, por lo menos que la vocalista enseñe la pancita ¿no?

Se incluye en este reporte, In Denial, corte que tal vez sea poco representativo del repertorio, pero es mi favorita personal. En contraste, anexo el único vídeo decente que les encontré, Bad Boy, aunque no es de mis preferidas, es una buena carta de presentación a la banda.

Otros sencillos recomendados por la gerencia son: Falling, Emily, She's a Machine y Stuck in my Vision.

Dictamen R+nR:
Alice in Videloland por su cercanía al industrial, equivale a tomarse una pepsi kick de Hidalgo (eso dicen). El único nicho de posibles escuchas donde se me ocurre acomodarlos, es en el de los fans de películas de zobies. Fuera de eso, le pueden ajustar -o no- a cualquiera. Por algún motivo, a los suecos parece encantarles esta banda como soundtrack para sus vídeos de snowboarding.

Alice in Videoland es No-Rock.

Evasión Lunática

2010-02-12T14:48:00.020-06:00

Lunascape

Hace tanto tiempo que debí empezar este proyecto, casi un año, que ahora me encuentro con que lo que me gustaba hace un año, hoy día ya no me gusta tanto. Lo cual considero que es bueno pues, uno de mis mottos es “adaptarse o envejecer”.

Quería que el primer post correspondiera a Lunascape, que encontré hace un año y en parte inspiró este blog, pues desde Ladytron, hace algunos años, no me topaba con una banda que me gustara tanto.
Claro, eso fue hace un año, y aunque me sigo sintiendo muy satisfecho de este descubrimiento, actualmente ya no es tan representativo de mi gusto.

Mini-Bio:
Lunascape es originario de Bélgica, formado alrededor de 1997 y liderado por la vocalista Kyoko Baerstsoen. Antes de ser conocidos (… ¿conocidos?) como Lunascape, se llamaron Calyx, nombre al que renunciaron para no ser confundidos con la banda británica drum & bass del mismo nombre.
Estando Lunascape en fase de boceto, Kyoko entró como vocalista invitada emergente para la banda compatriota Hooverphonic en 1997, cuando la vocalista original, la que cantaba 2Wicky, abandonó la gira recién iniciada del primer álbum.

El primer álbum completo de estudio, Reflecting Seyelence, llegó hasta el 2003. Algo remarcable de ese álbum, fue que Rhys Fulber, productor de Conjure One, produjo el cover Tears from the sun, para ser interpretado por la conocida fan from hell del finado papa Juan Pablo II y ahora sacerdotiza neurótica, Sinead O'Connor. Para mayor referencia, Fulber es conocido como el titiritero detrás del proyecto Delerium, que a finales de los noventa fue muy popular entre niñas Ibero que pretendían hacerse pasar por etéreas; ya saben, de esas que por ponerse lentes y cargar Diablo Guardián de Xavier Velasco, creen que se ven más listas, pero bueno, no estamos hablando de eso. Lo último de Delerium me parecía música para monjas techno, pero Lunascape se separa mucho de esa interpretación.

Informe:
Un grave problema que encuentro en Lunascape, uno de muchos, es que resulta muy difícil definirlo en estilo, o incluso en un campo de estilos. Recuerdan a algunas estrellitas pop nacionales, que empiezan cantando boleros, para después entrarle al dance y luego sacar un disco de ranchero. Bueno, algo así, aunque mucho menos cínico pasa con Lunascape.
Es complicado saber si su negocio es el ambient-dance, el etéreo-étnico como en Delerium, un downtempo embarrado de trip-hop o el dutch-pop con matices de world music. Como dice su nombre, su personalidad como banda en un poco lunática.

Además, hay un conflicto de imagen. Las portadas de su 3 álbumes, fácilmente podrían ser confundidos con las muy comunes y ordinarias recopilaciones de chill-out o de algo muy cursi, como la espantosa portada del Innerside, donde Kyoko aparece como una Tinkerbell gótica, verdaderamente patético. Esto no me molesta, pero estoy seguro que comercializar una banda así, debe ser una pesadilla para el departamento de mercadotecnia de su disquera.
Aunque Kyoko en photo still parece un ángel, en sus videos se me figura más a un elfo con una mala cirugía facial, cosa que encuentro un poco perturbadora, por no decir intimidante.
Probablemente por pecularidades como estas, Lunascape no ha trascendido a pesar de tener buen potencial en un mercado del easy listening, donde siempre hay lugar para sexies y elegantes bandas girlie.

Para saber de qué hemos estado hablando, incluyo el corte Surrender, del más reciente álbum, Innerside, 2008. Además un vídeo en vivo de Mindstalking, su primer sencillo. Las vocales, aunque es una versión en vivo, suenan demasiado gorgorientas, pero consideren que así es el estilo, como a pujidos sexies; en compensación, los arreglos suenan más rocker que en la versión de estudio, sin mencionar que la Kyoko se ve... ¡hmpf!

Otros sencillos recomendados por la H. redacción de este e-zine son: Outside, Praise Me, Severed Heart y State of Mind.

El Dictamen de R+nR:
Como ya dije, si lo suyo es Xavier Velasco, lléguele a Lunascape. Ya, en serio. Lunascape está hecho a medida para fans del Lilith Fair Festival original (no tanto las versiones de los últimos años) y su fundadora, Sarah Mclachlan. También les cabe muy bien a feministas, ambientalistas y otros abraza árboles, así como para adoradores de la cultura escandinava o celta y fans de la música etérea pero que no les guste flagelarse tanto, muy recomendable para poperos que quieran subir un pasito en la escala evolutiva musical. Está claro, como los ojos de Kyoko en los que podría perderme por una eternidad... er, bueno.
Anexo al Dicatmen: Un enunciado que voy a repetir por lo menos un par de veces más al escribir este blog: ¡Ah que buenas están las Belgas! (y no me alburee, ya madure).

Lunascape es No-Rock.

Manifiesto de Rock + No-Rock

2009-06-09T13:56:00.007-05:00

Definición de la casa de los términos Rock-Pop-No Rock

Definir Rock y Pop siempre levanta llaga en quienes se aventuran en ese polémico debate. Lo único cierto es que ni los auto-nombrados especialistas podrían llegar a una convención en la que todos queden conformes. Considerando esto, la siguiente disertación se encarga de fijar la postura de este blog, con aspiraciones de e-zine, respecto al espinoso tema de los géneros fundamentales de la industria internacional de la música.

* Lea con atención ésta declaración: Las siguientes definiciones son válidas para efectos de este e-zine solamente.

Sería de criterios muy estrechos empezar a definir al Rock y al Pop como géneros fijos. Yo los veo más bien como los dos grandes reinos de la música popular contemporánea. A cada reino le rinden tributo una serie de géneros asociados.

Y bien, hubo un tiempo en que el perímetro del rock y el pop estaba muy bien definido, por temporadas se enfatizó, por temporadas se relajó un poco. Actualmente ésta frontera prácticamente ha desaparecido, convirtiéndose en una zona de libre de arancel para el uso y abuso de la industria discográfica que, convenientemente, ha urdido un plan maestro para liberar al consumidor de la necesidad de conocimiento y decisión.

Aunque lo anterior pudo sonar a poesía moderna, tiene sentido, me explico:
La industria, desde finales de los noventa, ha venido adoctrinando el gusto del consumidor hacia un estilo sin personalidad ni carácter.
Este mazacote genérico, fácil de acomodar en los anaqueles y en estaciones de radio conformistas, carece de definición, se trata de un “todo terreno” musical que abarca sin complicarse un espectro que va desde Britney Spears hasta Linkin Park, y desde La banda del Recodo hasta Paulina Rubio.

Hubo un tiempo, en aquellos militantes años noventa, en que uno era Mötley Crue o Guns'N Roses, Pantera o Metallica, Oasis o Blur. ¡Difícilmente había lugar para las medias tintas! Incluso había una profunda división entre los fans del Van Halen con David Lee Roth y el de Sammy Hagar.
Nótese cómo estamos hablando de bandas que compartían el mismo nicho, ni si quiera nos hemos metido con géneros y sub-géneros.

Para un metalero, incluso uno medio “poser”, era un pecado capital ser sorprendido escuchando algo de música Dance, ya no digamos algo del, entonces bien definido Pop. De igual forma, era poco probable encontrar un fan de Alfa Radio* escuchando, lo que en sus propias palabras y paupérrima apreciación era “música de guitarrazos”.
Aunque este sistema de castas llegaba a ser muy limitante y bastante absurdo, la riqueza en la oferta era tan vasta que no importa lo especializado de los gustos, se podía confiar en que SIEMPRE habría suficiente música para satisfacer las demandas musicales de cada quien en cuestión de géneros musicales, estilo e imagen. Uno podía encerrarse dentro del sub-género de su elección, sin necesidad de saber nada del exterior.

* Estación capitalina nacida en los 80's y vigente a la fecha, especializada en música dance, anodinos remixes y punchis-punchis en general; muy popular entre choferes de microbus y pubertos con problemas de desnutrición y/o/ergo con retraso mental moderado.

Las fronteras funcionaban y la paz se mantenía en el universo de la música.

Contrastando con este alto (y también mamón) nivel de especialización, actualmente
tenemos una especie de Macro-Géneros “one tune fits all”, útiles para toda ocasión, fácilmente intercambiables y prostituibles.

Ejercicio #1- del iPod y la Promiscuidad
(¡Atención, este ejercicio puede ofrecerle revelaciones muy dolorosas!)

Tome su iPod o el reproductor de medios digitales de su preferencia. Revise su directorio principal y seleccione la pestaña de Artistas. Seleccione una letra inicial al azar.
¿Encontró unas de Arjona arriba de unas de Arctic Monkeys, algunas de David Bisbal antes de unas de David Bowie o unas de Gabriel, Juan, seguidas de las de Gabriel, Peter? ¡o cualquier cosa que se le parezca!
Si el saco le queda, los resultados evidencian la cruda realidad ¡es un usted un degenerado! A usted le gusta por delante, por atrás, con animales, con niños y con viejitos.
No insinúo que podría ser usted un fan prototipo de Alfa Radio pero... a lo mejor un poco de complejo vitamínico B no le vendría mal, eh.
Vaya, puedo entender que tenga algunos excepcionales pecadillos culposos, todos los tenemos ¡que diablos! yo mismo no los confesaría. Pero una cosa es tener algunos deslices incómodos y otra cosa es tener un gusto musical tan disoluto.

No se trata de una forma chaquetera de “tolerancia”, sino de ser íntegro y consistente con lo que se cree y lo que se sabe.
Si usted fuera un aficionado al equipo del Guadalajara, jamás usaría una camiseta del América; ni aunque la ocasión lo demandase, como en un desfile del orgullo gay, un carnaval o en una feria medieval donde caracterizara al idiota del pueblo ¿verdad? Es una analogía muy pop (irónicamente), pero muy explícita. La idea que estoy defendiendo es la de ser congruente con uno mismo, y nada más.

Disclaimer de la redacción: No considero discriminación lo que dije sobre los americanistas. En verdad ellos son bienvenidos en este e-zine pero, se puede anticipar que aquí no se abordarán artistas reguetoneros, y seamos honestos, casi ningún americanista puede leer más de 2 párrafos seguidos o medio timeline de twitter, así que... ah no, se me informa que tampoco saben usan twitter, siguen con el hi5. Bueno, en fin.

En algún momento todo se derrumbó y nos quedamos con…

La música como producto de consumo.

Sería llevar las cosas demasiado lejos si pensamos en la música contemporánea como un arte. Desde luego, es una más entre muchas manifestaciones culturales contemporáneas pero ¿un arte? Arte es cocer tapioca y que no se haga chiclosa (el debate de la sobrevaloración de las, así llamadas, “bellas artes” quedará para mejor oportunidad y otro blog).

De tal suerte que, yo veo a la música popular más como una artesanía.
Y así funcionó muy bien durante prácticamente todo el siglo XX. La cultura, la moda y todas las tendencias nacían o se transformaban y siempre de la mano de estas, iba la música popular.
En los locos años veinte, el Jazz y el Charleston. Cuando hubo depresión, el Blues era la escapatoria. En tiempos de rebelión sin causa, el Rock & Roll asaltó. Una de las generaciones más pachecas de la historia redundó en el sofisticado Rock Progresivo y la Psicodelia. Europeos paridos en los escombros de la posguerra manifestaron su furia con el Metal, casi de inmediato, unos parias sin futuro lo hicieron con el Punk. Para una generación desesperanzada y aparentemente sin identidad, la indefinición de lo “alternativo” fue la respuesta.

Pausa para un Quiz
¿Qué podemos deducir de la cultura actual en tiempos de bandas “two hit wonders”, Mtv, emo y reguetón?

Acercándonos al fin del milenio y con toda la paranoia apocalíptica, aparentemente todo dejó de importar. La industria musical, antes nutrida, aunque no dominada por esos “artesanos”, los músicos, pasó a gerencia corporativa.
El control creativo en manos de estos bucaneros, ha llevado a la música (y también al cine) a su punto más bajo en décadas, al menos en lo que respecta a calidad y contenidos. Diferente historia es lo concerniente al éxito comercial, esto es un aspecto rebatible, considerando que la música dejó de ser principalmente una manifestación cultural para convertirse en un producto homologado, un objeto “diseñado” para venderse en cualquier mercado y llegar al mayor número de personas.

La industria logró esto manipulando y malinformando a una juventud en vías de desarrollo (¿o subdesarrollo?), inundando los medios de difusión e invadiendo las fronteras de los segmentos del mercado, antes bien diferenciados, hasta hacer de todo una masa casi uniforme.
Prueba contundente de éxito con el malévolo plan que la industria confabuló, se dio en los primeros años del milenio, cuando consiguieron venderle a unos intelectualmente desaventajados y confundidos consumidores de pop de MTV, un farsante álbum de dizque rock gótico, el “Fallen” de Evanescence.

Algunos dirán que esto es resultado de una mayor tolerancia y apertura; más atinado sería decir que es resultado de un gran CONFORMISMO y la poca disposición de conocer, informarse y desarrollar un criterio musical; pues siempre será más fácil seguirle la corriente a MTV o a la radio local de formato juvenil y ser un zombie consumista sin opinión propia, que buscar música que se adecue a nuestros gustos y expectativas.
Existe MUCHA MÚSICA nueva, seminueva y retro/clásica como para que cada sujeto cultive un gusto personal e individualizado, sin embargo, la mayoría optará por rendirse al mandato de la industria.
No estoy diciendo que cada uno deba, o pueda pero ¿por qué quedarnos con la música plastificada que nos ofrecen los medios tradicionales?

En un giro irónico, lo anterior llevó a la industria a...

El tiro por la culata

La masificación indiscriminada, la imposición del inflado formato del disco compacto para explotar al consumidor y el apelmazamiento de géneros juveniles (el segmento poblacional que más consume música) trajo como consecuencia que se perdiera la identificación y el apego a la música; lo que antes uno podía considerar como SU Música ahora es, en voz de Kansas “sólo polvo en el viento”, o siendo menos poéticos, basura hiper-comercial que pasa de moda en poco tiempo y no tiene continuidad.

Ejercicio #2
Hagamos un rápido test. Mencione cinco artistas o bandas nacidas después de 1999 que hasta la fecha se sigan manteniendo –¡ponga atención aquí!- que se mantengan como actos referenciales. Es decir, que siga llenando foros iguales o más grandes que cuando empezó, que se siga considerando innovadora o influyente, que la mayoría de sus sencillos editados sigan sonando en radio (no solo el de lanzamiento), que se haga cierta alharaca cuando lanzan nuevo álbum,

Si intentó el ejercicio con honestidad y aunque sea una tenue barnizada de objetividad, la inevitable conclusión es simple: ¡Llevamos más de una década sin una sola banda que valga la pena recordar o que se !

* Aclaración pertinente: Coldplay NO cuenta como banda digna de trascenderr a la historia (se argumentará sobre esto en entradas posteriores. Guarde sus berrinches infantiles para después. Por cierto, para usar como viñetas en el blog, tengo muchas fotomontajes de Chris Martin teniendo sexo homosexual y siendo violado por animales de granja, así que... si es fan de Coldplay, creo que no se va a encontrar aquí, lo siento)

La falta de apego a la música y a los artistas de parte de los consumidores han generado una nueva categoría de aficionado, algo que yo defino como el “Fan Light”, que tiene la capacidad de ser un “gran devoto” de docenas de bandas, aunque su devoción generalmente no alcanza para saber el nombre de los integrantes, los álbumes o los sencillos de la banda… y por si alguien no lo notó, estaba siendo sarcástico.

No es ninguna sorpresa que el formato del sencillo* haya colapsado y prácticamente desaparecido. Ante la oferta tan mediocre y repetitiva; qué Fan light va a estar dispuesto a comprar un par de sencillos, en lugar o adicionalmente al álbum de un artista, cuando fácilmente puede conseguir la versión pirata. Yo no me voy a dar baños de pureza, pero algo que jamás consideraría, es el comprar mercancía pirata de un artista digno de mi respeto. Desgraciadamente los principios de los nuevos Fans Light son mucho más flexibles.

*Sencillo o Single: Dícese de las canciones a promocionar de un nuevo álbum, vendidas en formato individual y comúnmente incluyendo un lado-B (sencillo no incluido en el corte final del álbum) o material extra; a veces para coleccionistas y fans ¡de los de verdad! o sólo para aficionados ocasionales.

Cada vez menos gente está dispuesta a gastar US$10 en el CD de la nueva banda de rompe y rasga, del que va a escuchar cuando mucho 3 canciones durante un verano, y que al siguiente se va a sentir culpable de haber comprado.
Nadie le es fiel a música mezquina y volátil que brinda tan poco placer y por la que siente tan poca pertenencia.

Por otro lado, el mazacote musical resulta muy poco satisfactorio y la “diversidad” artificial propuesta por la industria lo único que ha logrado es que la gente consuma más, pero compre menos. Esto tiene a las disqueras con un virote bien atravesado en el… gaznate y culpando de todo a los Fans Light, que ellos mismos engendraron.

Y así, pasamos por la esquina de…

La puta con el agujero en medio

Babilonia tenía la suya, la industria de la música se inventó una, ataviada en un binario vestido de brillo tornasol, el CD.

En la primera parte de este manifiesto, mencioné el rígido y en buena medida absurdo sistema de categorizar la música, que tuvo su auge durante los años ochenta y noventa; donde se llegó a excesos donde, era considerado algo sucio que un fan del Trash Metal escuchara algo de Speed Metal.
Yo mismo, durante cierto periodo en la segunda mitad de los noventa, después de haberme dejado seducir en mi pubertad por la crudeza del Grunge, dediqué mis afectos al Darkwave, específicamente en lo que en México se conocía como género -Etéreo- que, si cabe la observación, era un recóndito sub-género del Rock Gótico. Pese a esto, la oferta era lo suficientemente amplia como para mantenerme ocupado durante varios años en lo que dominaba la escena. Desde luego, nunca lo conseguí porque antes de darme cuenta, el año 2000 con su despersonalización y ausencia total de identidad ya nos tenía a tiro de piedra.

Las señales de decadencia eran abundantes e inequívocas. La venida de las boybands, los reality shows, las falsas divas adolescentes, las estrellitas pop haciéndose pasar por rockstars, las nacientes estrellitas del rock, que en realidad eran poperos con guitarritas, pretendían ser rockeros de verdad y trataban de comprarse un lugar en la escena a lado de algunas pocas bandas sobrevivientes de décadas anteriores.

Producto de una violación de parte de la industria sobre un aletargado Rock, nacieron un par de bastardos con “capacidades diferentes”... retardados pues; estos fueron el así llamado Nu-Metal y el Happy Punk, ambos en contubernio con los medios, terminaron de quitarle credibilidad y la poca aura que le quedaba al Rock.

Y se hizo la Obscuridad. El imperio de la unidad se impuso para beneplácito de las disqueras y los productores de música Pop, quienes desde entonces, habiendo asimilado y reproducido sintéticamente un extracto edulcorado de lo que alguna vez conocimos Rock, han inundado el mercado con estrellitas Rock que son bien vistas hasta en la escuelita dominical.
Este remedo de Rock es artificioso y lleno de falsedad, ¡sin embargo! No se puede negar que para la industria fue un gigantesco éxito, pues lograron vender un destilado de rock sin huevos a esos lerdos consumidores de Pop. En su momento, un locutor hizo la aguda observación de que Linkin Park eran los Back street Boys con guitarritas, y cuánta verdad había en sus palabras.

No más mercados sectorizados, ¿Para qué? si en el próximo disco de Justin Timberlake feat. Lupillo Rivera se puede encontrar toda la promiscuidad de géneros necesaria para pasar una noche agradable.

La espiral descendente

El estado actual de la música es, como decía don Trent Reznor (quien por cierto últimamente se ha vuelto rijoso), parecido al de una espiral que escarba en su misma porquería para hundirse en ella cada vez más.

Estábamos acostumbrados a que un artista o una banda hacía su debut, generalmente con mucho esfuerzo y después de haber pasado algunos años luchando por sobresalir en el ámbito local, pasando hambre y ensayando en lugares donde ninguna persona decente debería aventurarse. Después de batallar para que se les concediera tiempo aire en las estaciones de radio y ofrecer tocadas en foros con más ratas que fans, venían los primeros éxitos moderados en las listas de popularidad, hasta finalmente conseguir un contrato con alguna disquera decente.
Tras un primer álbum (a veces la espera se extendía hasta un segundo) que servía para ponerlos a la altura de los radares, las bandas tenían que demostrar de qué estaban hechas y superarse, o por lo menos mantenerse para su siguiente entrega discográfica. Si un artista no conseguía este objetivo, generalmente era repudiado por la crítica, castigado en las ventas y en el mejor de los casos, catalogado como un “One hit Wonder”. Su carrera estaba acabada.
Para los que sobrevivían, el camino a la consagración era largo y tortuoso. La gran mayoría no lo conseguiría, pero al menos conservarían su dignidad.

Actualmente, la polaridad de ésta lógica se ha invertido. Tenemos bandas nuevas que salen absolutamente de ningún lado pero, misteriosamente se estrenan directamente en los primeros lugares de los charts. Muchos incluso inician giras mundiales y no faltará el medio besa-traseros que los anticipe como los nuevos Beatles (en 2005 un medio internacional importante señaló a Coldplay como los sucesores de U2, verídico e indigno!).

Todo es miel sobre hojuelas en su debut. El problema viene al momento de, verdaderamente hacer carrera. Pues como se hizo notar más arriba en este documento; han pasado más de diez años sin que nazca una gran banda, una que pueda ser recordada como aquellas de antaño.
Los artistas, después de un arranque meteórico, se eclipsan en sus álbumes siguientes para nunca más alcanzar el nivel con el que empezaron su carrera.

A diferencia de décadas anteriores, actualmente los artistas se rehúsan a morir con la dignidad de un “One Hit Wonder”, en su lugar y ante la complacencia de la prensa que, tiene que ser bastante guanga pues la oferta no alcanza para ponerse muy críticos, las bandas insisten en lanzar producciones, en el mejor de los casos “cumplidoras”, aunque las más de las veces son mediocres y conformistas, soñando guajiramente con igualar el éxito artificial de sus inicios.

No quiero mencionar nombres pero, piense en dos o tres artistas nacidos en el umbral del nuevo milenio (YO cito a 1998 como el año que todo se fue a la mierda) y valore si han crecido o decrecido tanto musical como comercialmente. ¿De verdad, éstas son las bandas que dentro de veinte años recordaremos como lo que caracterizó la década del milenio? Si en el año 2020 Mtv prepara un Top 100 de clásicos del 2000 ¿alguien se va a acordar de ésta música? ¿serán recordados estos artistas como actualmente recordamos a, citando al azar: Led Zeppellin, Pink Floyd, Kiss, Nirvana, etc... ¿en serio? El escenario en mi opinión luce muy poco probable.

Caso de Estudio #1
Recordemos aquel lejano julio de 2005, cuando Interpol se presentó en México en pleno auge del popular álbum Antics. El lugar fue el Salón Mexica del WTC, un lugar para unas 7,000 personas, uno de los foros más pequeños para conciertos en la capital. Fue tal la euforia de los fans light, que el segundo concierto tuvo que suspenderse ante el peligro de una masacre a là News Divine por el aglutinamiento de gente. Bien, pues hoy día Interpol no llena en México ni un sani-rent, a pesar de que el álbum que siguió al Antics fue tratado con un inmerecido cariño por los medios. Vaya carrera meteórica… y en esa misma espiral podemos contar a bandas como, citando al azar: The Strokes, The Killers y muchos más. Pero no quisiera meterme con estas bandas, porque son de lo menos malo que nos ha dejado la década y este blog desea enfocarse no en tirar tomatazos sino en demostrar que hay opciones.

Música Pop / Cultura Pop

Debo empezar por aclarar que, esencialmente, no tengo nada contra la música pop. De hecho escucho mucha música pop en la actualidad. A todos nos gusta el pop, pues desde su definición, está hecho para ser popular y tan universalmente aceptado como sea posible. Irónicamente, ésta es la característica que más me molesta del pop; cuando, citando a Cerati, pasa de ser “música ligera” a ser un producto cuyo fin primordial es venderse.
Dicho lo cual...

No puede uno empezar a despotricar a gusto sobre la insoportable levedad de la música pop, porque de inmediato aparece algún perogrullo belicoso que, escudado en su “dialéctica” de cantina dominguera, arguye que toda la música, por el simple hecho de haber llegado a audiencias generales y considerarse como popular, aún dentro de un campo determinado es, por definición, música pop.
Para justificar esta desarticulada y acéfala deducción, aseguran que todo aquello que logra cierto grado de popularidad y producto de su propio éxito, termina siendo acogido por las masas, es en conclusión popular; luego entonces, si es popular, debe ser Pop. La lógica en esto es simplemente ridícula.
Lo que estos brutos pretenciosos están pasando por alto es el factor semántico de los términos pop/popular.
Cualquiera con algo de seso verá que, al aplicar este silogismo determinista y rígido, no sólo el rock, sino cualquier otro género existente sería declarado desierto, pues TODO, desde J.S. Bach, pasando por Tommy Dorsey, Bob Dylan y terminando con Nirvana, entraría en el universo del pop; puesto que, según estos melómanos de supermercado:

La música muy conocida es popular,
Lo Popular es, por definición, pop.
Luego entonces, toda la música conocida es pop.

De tal manera que: Ludovico Van Beethoven componía música pop, igual que Vicente Fernández, Megadeth y Lacrimosa, todos ellos conocidos atistas pop, cada uno en su arena.
No hace falta explicar por qué esta simplificación resulta una falacia ¿cierto?
Lo que sí haría falta explicar sería definir los límites de la, en mi opinión, demasiado bien ponderada música pop.
Sería yo mismo un sofista si me autorizara a definir qué es pop y qué no lo es. No sabría ni por dónde empezar, así que...

La controversia se resuelve muy fácilmente si aprendemos a diferenciar dos conceptos que se relacionan pero no son lo mismo: Cultura Pop y Música Pop.
Y aquí sí, el silogismo limitado y determinista empieza a funcionar. Black Sabbath, banda por muchos considerada la iniciadora del Metal, que dada su relevancia e influencia cobró gran popularidad con los años, al grado de convertirse en parte de nuestra cultura, de nuestra cultura popular… nuestra CULTURA POP. Lo que ¡en ningún momento la convierte en una banda de MÚSICA POP!

El concepto de cultura es amplísimo; no son solamente las grandes obras maestras de la literatura y la pintura. La cultura poco tiene que ver con la erudición y el alto conocimiento, cultura es todo aquello que nos define como civilización o como pueblo.

Los Egipcios tuvieron su cultura pop, igual que los Griegos y los Bizantinos. De hecho, lo que de éstas civilizaciones conocemos como CULTURA, en realidad es su CULTURA POP, es decir, su cotidianidad.
La cultura Pop se define por una cantidad de variables: La idiosincrasia, las costumbres, el folclor, las artes nobles, la vida pública y privada, los líderes de opinión, el consumo y desde luego, las –otras- manifestaciones artísticas, el cine, la televisión y claro, la música popular.

Clarificando este punto, creo que al menos por convención, a todos nos será más fácil diferenciar el universo del Rock, del Universo del pop, entendiendo por lo menos, que no toda la música que se vuelve popular, es necesariamente música pop.

Ahora, es virtualmente imposible definir los parámetros del pop y el rock, sería ocioso. Por lo tanto...

La Definición de No-Rock... al fin.

Como si no fuera suficiente embrollo hacer una dicotomía entre el Rock y el Pop, me he aventado este neologismo para hacer las cosas más interesantes.

Hace unos párrafos dije que, en el fondo, no tengo nada contra la música pop, lo que pasa es que hay de música pop, a música pop.
No se puede separar lo aceptable de lo inaceptable, sencillamente nadie tiene esa autoridad. Sin embargo, pintar una delgada línea roja entre el pop tóxico y el benigno es necesario para entender el tema y validar el contenido a este e-zine.
Y es que, verán, a mi la palabra “pop” me parece despectiva cuando se aplica a la música. Para los que tienen una pobre lectura de comprensión, repito, ¡No tengo nada contra la música pop! Lo que antes conocíamos como Rock, lleva chaqueteando y trastabillando más de diez años, así que desde hace algunos años, prácticamente todo lo que escucho es, aunque no me guste reconocerlo, pop. Pero si alguien dice que le gusta la música pop, por antonomasia, la gente pensará que escucha artistas como Britney Spears, Alejandro Sanz, Ke$ha, Beyoncé, Arjona, Black Eyed Peas, Hillary Duff y un largo e ignominioso etc... Todos ellos innegables artistas pop. Entenderán el dilema ahora ¿cierto? A nadie le gusta ser tomado por idiota, al menos sin merecerlo (de hecho ¡ya es bastante patético que sepa quién es Ke$ha!).

Bueno, después de nueve páginas, finalmente probé por qué no me gusta la -así llamada- música pop. Vamos con el No-Rock.

Durante los ochentas se usaba el chaquetero término de Rock-Pop para definir una variedad de música difícil de encasillar en uno u otro terreno. No funcionaba tan mal, puesto que en ese tiempo, el pop era respetuoso de su lugar y el Rock no era el objeto deslavado que es hoy día.
Dentro de este amplio espectro cabían sin problemas artistas como Billy Joel, pasando por Duran Duran y llegando hasta Def Leppard (de estos, teóricamente su razón social era el Hard Rock, aunque en realidad operaban de forma bastante popera). Todos esos formaban la gran familia del Rock-Pop.

Hacia los años noventa la relación se agrió y ambos universos delimitaron un profundo surco fronterizo, y si me permiten agregar de mi cosecha, esto era genial.
A finales del milenio, el panorama se empezó a ensuciar, como ya se manifestó en este documento.

Personalmente señalo a 1998 como el año en que todo se fue a la mierda. Año en que las boybands, las divas Lolitas y las -otras- boybands, las formadas por roquerillos de pacotilla, acapararon la escena de la cultura pop y la música pop.

Como expliqué anteriormente, para no confundir la crema de la nata, me saqué de la manga el No-Rock.
El No-Rock, para efectos de este blog, se usará para definir bandas que, aunque definitivamente no podrían ser contadas en las listas del rock, su propuesta es muy interesante como para ser consideradas como simples artistas pop.

Para resumir, el No-Rock no es rock hecho y derecho, pero es demasiado bueno para ser solamente pop.

Y así pues, de ahí nuestro mote de Rock + No Rock

De todo lo anterior puedo deducir las siguientes sentencias:

HECHO #1 El Rock es una ACTITUD

HECHO #2 El Rock no ha muerto, pero está en un coma profundo.

HECHO #3 La industria musical es el Enemigo.

HECHO #4 Dejar de escuchar música nueva es sinónimo de envejecer

HECHO #5 No me gusta el pop comercial ni los americanistas

Y como coup de grâce...

Decálogo del Rock + NoRock

2009-04-08T02:09:00.010-05:00

* Lea con atención ésta declaración: Las siguientes definiciones son válidas para efectos de este e-zine solamente.

Igual que el decálogo cristiano, en Rock + NoRock asumimos que no cumplirán estos mandamientos al pie de la letra pero ¿podrían al menos hacer un esfuerzo?
Es decir, entendemos que la carne se vuelve débil (sobre todo pasando los 25 y sin hacer ejercicio). Los deslices y placeres culpables son inevitables, pero hermanos, eviten dedicar su vida a la herejía en la medida de lo posible.

Amarás al Rock por sobre todas las cosas.
Esto es, que amarás al rock por sobre todas las cosas.

No tomarás el término “alternativo” en vano.
No clasificarás a cualquier banda como alternativa sólo porque se te hace bien “chida” y “original”. El alternativo se despidió el siglo pasado.

Santificarás el Rock Clásico.
No blasfemarás su legado

Honrarás a los padres del Rock.
Nunca cuestionarás su contribución a la música sin importar su género u origen.

SI Matarás… reguetoneros.
Simbólicamente hablando.

No sintonizarás MTV.
Pues ver MTV no es asegurarse un paso al infierno del Rock, es estar ya en él.

Escupirás los CD’s de las boybands o Divas para quinceañeras vírgenes.
Pues los conflictos de identidad sexual y la ñoñez no tienen cabida en el mundo del Rock-No Rock.

No Venerarás géneros impuros.
Como el nu-metal, el happy-punk o el emo.

No adorarás falsos ídolos de las listas de la popularidad.
Como el hip-hop y el R&B

No escucharás punchis-punchis o DJ`s.
Pues en este blog ni si quiera consideramos eso como música.

BIENVENIDA

2009-04-01T13:42:00.002-06:00

Y bueno, la inauguración de este blog con ganas de ser e-zine se planeó para el primero de Abril. Entre que me metí a un curso de coaching que resultó ser una secta y la suma de otros contratiempos (de origen NO porcino) terminamos estrenando hoy, primero de Mayo.

La leyenda cuenta que, el sistema de transporte subterráneo Metro en Ciudad de México fue inaugurado en 1969 con propulsión a caballo pues el sistema eléctrico no estuvo operativo para la fecha límite. Bien, pues vaya acostumbrándose a eso en este blog.

El programa original contempla muchos detalles que iremos incluyendo con el tiempo pero por ahora, presento al mundo el Manifiesto del Rock-NoRock; documento al que le achaco la culpa por el retraso pero que es la piedra angular del concepto en que se cimienta este blog y no podíamos empezar sin el. Además, ningún revolucionario, misántropo ó sociópata que se respete, puede darse el lujo de no tener un Manifiesto.

De tal suerte que...

Sean todos bienvenidos a este contestatario e-zine que no tiene pelos en la lengua ni usa cubrebocas.